艺术和商业艺术之间的平衡

范嘉桐（鲁迅美术学院，辽宁 沈阳 110000）

关于艺术和商业是人们一直以来争论不休的话题。有两种不同的说法，一些人认为艺术是高雅的艺术，一旦和商业发生关系，就会变成了商业艺术，变得有功利性，有营利性的，是大众化的，低俗的，媚俗化，而失去了艺术本身的纯粹性；而另一些人则认为艺术就应该和商业结合才能发挥其更大的价值。

其实，世界万物都有其两面，万物所具备的五种元素：金、木、水、火、土，它们相生相克才让世界万物达到平衡而得以共存。同样，艺术和商业也一样，他们既是互相促进，又是独立存在。那么如何才能找到艺术和商业之间的平衡点，做到既实现艺术作品的影响力，又不失艺术的学术性呢？首先借鉴历史上成功的艺术家们，从他们身上吸取经验；再看当前时代发展形势，结合当代艺术市场现状去思考总结出艺术和商业之间的平衡点。

一、艺术与奢侈品牌的合作——以村上隆为例

当杜尚的小便池出现在展览场上，博伊斯提出“人人都是艺术家”时，艺术和生活的界限开始打破。而随着时代的不断更迭，经济发展迅速，人们消费水平的提高，物质欲望的增强，使得大众的审美也发生了变化。人们不满足于简单的生活，而是希望让自己的生活变得更有趣味，他们开始转向精神层面的追求。而为了满足人们精神的需求，商家们开始在艺术上寻找出路，所以艺术就自然而然的融入到商业中，而奢侈品就是作为艺术和商业领域跨界融合的产物。Max Mara 携手国际著名艺术家 Maya Hayuk 荣耀奉献“OPTIPRISM”全球新眼镜系列；上海爱马仕之家联合韩国艺术家金善奕创作以“生命的脉流”为主题的超现实主Hermès橱窗场景；Hermès 邀请中国当代艺术家丁乙设计“中国韵律”系列丝巾；2013 年植村秀携手日本当代艺术家村上隆为其独身打造“植村秀”2013 年圣诞限量系列；村上隆还与美国运动品牌 VANS 合作推出了不系带休闲鞋与滑板，与路易威登合作推出“樱桃包”等等。

村上隆是完美的将艺术和商业结合的代表人物之一。他意识到销量的重要性，并且知道如何营销自己的作品，从而使自己的作品价值最大化。在他创造出“超扁平”之后，他和路易威登的合作更加推进了他在社会上的知名度，而他的艺术也给路易威登带来了不错的效益。他从不排斥艺术的商业性，他认为他的作品卖出的价格就是肯定了他艺术的价值。他说：“用金钱去衡量艺术的价值没什么不对，人应该清楚自己的欲望是什么，并且必须强烈提出如何与欲望相处，当清楚要的是什么，剩下的就是花时间去抗战了。不凝视自己最浑浊的那部分，无法创作出让世界认可的作品。”

确实，经济基础决定上层建筑，艺术需要金钱和时间，没有金钱上的支持又如何能够实现你“伟大的蓝图”呢！然而，艺术还需要世界水平的营销策略。艺术是借由与社会接触而成立的，光艺术作品本身是没有办法自立的，没有观赏者就无法成立，作品的销售也是需要顾客才能成立。村上隆总是留心让自己的作品曝光频率增加，他认为所谓的畅销，就是将沟通做到最大化后的成功结果。对于村上隆而言，艺术和商业的平衡点就是要承认商业艺术，让艺术与大众沟通。商业能给艺术带来巨大的价值，商业也是艺术产生的前提条件。

而这种所谓的“接地气”的大众艺术，流行艺术的出现要追溯到最早从20世纪50年代英国出现，60年代又盛行于美国的波普艺术。工业化时代，人们聚集于现代都市，商家云集，城市广告、杂志、电视、卡通漫画等等宣传造就了波普艺术的问世。人们所熟知的波普艺术最有影响的代表人物安迪·沃霍尔就是顺应的时代的潮流，利用流行文化通过大众传媒的方式来提高自己的知名度，他利用凸版印刷、橡皮或木料拓印、金波技术、照片投影等各种复制技法，印制名人肖像，金宝汤罐头，可口可乐瓶等，从而在艺术和商业上获得成功。村上隆受到波普艺术的影响，安迪·沃霍尔的成功也给他以借鉴，在他来到美国之后，让他体会到波普艺术的影响力，他决定要将日本的文化输入到西方语境中，创造了超扁平” “幼稚力宣言”“御宅族文化”等相关的理念，为了得到话语权利用艺术和商业结合的方式让他成功的得到了国际上的认可。21世纪艺术和商业的结合已经是时代发展的必然。

二、当代艺术市场——二级艺术市场，艺术博览会

近年来中国的艺术市场生机勃勃，源于经济的发展迅速，人们的消费水平提高，博览会已经成为艺术市场链中重要的一环，与画廊，拍卖共同筑起当代艺术的两级市场。

艺术博览会是大规模、高品位，综合性的艺术商品集中展示的交易形式、买卖场所和组织活动。博览会的举办既能促销艺术商品，推动艺术文化交流，又能培育艺术市场，提高举办城市知名度。目前世界上主要的艺术博览会有5个，都是国际性的，4个在欧洲，1个在美国：德国科隆国际艺术博览会，瑞士巴塞尔国际艺术博览会，法国巴黎国际当代艺术博览会，西班牙马德里国际现代艺术博览会，芝加哥国际艺术博览会。而自20世纪90年代初开始，亚洲一些国际在经济发展和艺术市场浪潮的的推动下也陆续开办了艺术博览会。日本东京是亚洲开始举办的第一家艺术博览会，之后的1992年香港亚洲艺博会和台湾台北画廊艺术博览会（现在是台北国际艺术博览会）几乎同时举办,到目前为止我国举办了越来越多的艺术博览会，主要围绕广州、上海、北京3个城市为中心举办艺术博览会。2018年单上海一个地方1周之内就已经举办第6届ART021当代艺术博览会、第12届上海双年展、第22届上海艺博会、第4届上海青年艺术博览会、第5届上海西岸艺术与设计博览会以及众多国际一流展览次第揭幕，可见中国艺术市场的活跃度。同时为了推动和挖掘有潜力的青年艺术家，现在还出现了不少线上艺术交易的平台，和线下举办的青年艺术博览会，网上消费也成为了更为“时尚”的消费模式。中国的艺术博览会发展已经成为一个社会现象，经过20多年的发展，逐渐建立自己的组织策划体系。但国内的博览会起步晚，发展快，在发展的过程中也存在很多问题：例如参展的机构的评审过程缺乏规范性，导致很多艺术作品的专业水准参差不齐；宣传工作的目标群体缺乏针对性，而导致不能达到理想的交易额等。当代中国艺术博览会是在中国的市场经济体制下新起的，它的产生和发展均与国内现实状况息息相关，促进艺术博览会更好的发展，既能推动经济发展，又有助于营造社会艺术氛围，提高国民的文化艺术审美力。

三、科技为当代艺术注入新的活力

当代艺术的发展越来越重视艺术的观念性，在数字化时代，人工智能飞速发展，科技的融入也为艺术带来新的活力。人工智能艺术，智能交互艺术，虚拟现实艺术等等，艺术将现代科技和观念在不断前进。

奥地利艺术家亚历克斯·基思林（Alex Kiessling）主办的一场前所未有的机器人远程作画活动，因此被命名为“远程”。机器可以画出和原作一模一样的作品，然而人工智能的参与是否对艺术市场带来冲击呢？实际上现在的人工智能还处在模仿阶段，并不能进行艺术创作，机器始终是没有思想情感的机器，但是人工智能和艺术的结合也为人们带来了乐趣。当人们参与到一件交互艺术中，与艺术作品进行互动，既提高了作品的趣味性，也让人们亲身体会到作品的意义。先锋实验影像艺术家彼得·坎普斯在作品《界面》，于1972年完成的艺术装置，作品是在一个黑暗的空间，当人走到光投射的中心位置时，在前方的玻璃中会出现另一个自己，仿佛是自己和自己灵魂的对话，艺术家清晰的呈现出技术辅助下身体及精神层面自我认知的复杂构造。喻红的作品《她曾经来过》，就是利用了VR（Virtual Reality）技术，来模拟她的人生经历，当人们带上VR眼镜时，自己仿佛来到了另一个空间，进入到了她的世界，观者将亲身处在作品情境中更能体会到作者所表达的思想情感。她的另一个作品《半百》，历时半年创作完成，是和团队进行VR技术开发的3D沉浸式VR电影艺术作品，成功的入围了2019年第24届釜山国际电影节VR剧场单元。作品展示了一个女孩的出生和成长，以及一群孩子从儿时到成年的时光，也同时反映了社会的发展和变化，虚拟现实技术通过营造舞台氛围来传递和强化观者以情感共鸣。

现在许多灯光艺术也运用到了交互艺术中，成为网红打卡的圣地。将灯光充满整个空间，灯光随着人们的动作或者声音的感知而变化，为人们带来沉浸式的艺术体验。德国的Exile工作室创作出了一个感知视觉及情感体验的交互式装置“Ego”，作品是基于一个粒子系统的运动来感应人们实时的动作行为，人们的动作通过投影转换成条形状在面前。2019年悉尼灯光艺术节，邀请了众多照明艺术家，设计师，制造商等，利用灯光雕塑，互动技术，建筑投影等新媒介在悉尼进行活动表演。上海世博会展览的虚拟现实作品“清明上河图”,主要是以视觉和听觉的沉浸式效果让观众仿佛置身于北京的汴梁之中，这个项目根据画卷的的内容安排了54个场景，设计了七百多段人物的对话，观众还可以在荧屏上进行自主操作，随意观赏画面在中的细节，感受画中的世界。科技和艺术结合的交互艺术已经进入画廊，博览会等艺术市场，未来越来越多的交互作品将会被买家所收藏。科技已经融入艺术，并为艺术带来了商业价值。

结语

艺术和商业的结合无非对错，它是历史发展的必然，艺术应该保持自己的独立性和纯粹性，与商业的结合并不代表要跟着艺术市场的脚步而失去了艺术水准，而是要让艺术市场按照艺术家步伐，为艺术家提供更大的平台和充足的资金一起推动艺术的发展。科技为艺术注入新的活力，提高艺术的趣味性，让大众参与到艺术作品中，成为作品的一部分，和大众拉近距离，也让大众对艺术有了进一步的认识。当代文化中日常生活审美化趋势决定了消费和商品的艺术化需求，而艺术品高昂的价格让大多数的人望而却步，奢侈品是为人们提供通向艺术品消费的一种途径。艺术在商业和科技的推动下不断发展。