探寻“美”的声音——声乐学习感悟

张正弦

对美的探索，是人们从古至今乐此不疲的话题。诸多艺术门类中音乐的美最容易获得，但又最神秘，就像杜甫道“此曲只应天上有，人间能得几回闻”，白居易又道“嘈嘈切切错杂弹，大珠小珠落玉盘”。不同的人有着不同的审美，那么在声乐学习中对于声音的“美”究竟有没有一个相对确切的定义呢？作为一个非科班的声乐专业在读研究生，我从高中起一直坚持声乐的学习，为了追求更美的声音，我总结了自己的一些体会与领悟，与大家探讨、交流。

美的体现

美妙动听的声音，不仅来源于每个人独特乐器—声带，更是靠我们的主观能动性去完成的。声乐教育家沈湘说，要善于思考问题、分析问题，有正确的思想方法，有观察事物、分析事物、理解事物的能力。因此，在唱好作品的同时，不能盲目追求音量和过度模仿他人的音色、音质。在学习过程中，我主要通过以下几个方面来完善自己的声音。

1.语言之美

在声乐作品中，语言作为情感的载体，它的声调起伏与音律搭配在一起起到了抒发演唱者感情的作用，也体现了音乐的美感。因此在演唱之前，我们必须要对歌词做一下功课。中国声乐作品大多来源于诗词等文学作品，需要我们了解作品的时代背景、特定环境和思想感情。在学习《花非花》《教我如何不想他》《玫瑰三愿》《问》等中国艺术歌曲时，我了解到“五四”时期的歌曲的发音主要是以白话文为基础，在歌词上更多的是选用中国当时新创作的白话诗歌作品，风格雅致，因此在演唱时要注意音韵与意蕴的巧妙结合。而外国作品的歌词晦涩难懂，意大利语、德语、法语等有着不同的特征和规律，在发音咬字上需要我们逐字逐句的练习，还有外文所对应的中文含义也需要仔细理解。只有明确了歌词想要表达的内容，我们才能更好地理解作品的内涵和情感处理。如意大利语中单词“tutto”里有双辅音，表示“所有”的意思，它的发音特点是需要在两个音节之间进行停顿。如果没有停顿，这个词则变成另外一个单词“tuto”，意思也变成了“研究所”，两个词的词义可谓风马牛不相及。所以，音乐的审美特性决定了声乐演唱中的语言要准确达意。

在歌唱中，声音的美感不仅是通过声音的技巧来表现，还需要掌握语言的规律以及朗诵正音练习来表现。声乐演唱水平的高低与语言表现有着密不可分的联系。所谓“字正腔圆”是指声乐表演的过程中，不仅唱腔要圆润，而且吐字要清晰，让听众迅速了解到歌词内容。廖昌永作为大家熟悉的歌者，他的咬字吐字都具有极强的音韵美，在他的演唱中体现了歌唱技术的要求和语言表达要求兼顾的原则。如他的成名作—歌剧《塞维利亚理发师》中的唱段《快给大忙人让路》的歌词量大而密集，即使完整、流畅地朗读都不容易，而他不仅能吐字精准，还能将人物形象完美演绎。

因此，我们在唱歌前可以通过有效的朗诵练习，用声乐演唱的状态将这些带有情感色彩的词语进行演绎。在歌唱之前，我习惯用饱满、清晰的状态将歌词朗读出来，从而养成在歌唱前开声的良好习惯，达到“字里传情”的目的。朗诵和声乐有着共通之处，兰皮尔蒂也曾说：“演唱的嗓音是从说话演变过来的。”那么，学唱一首歌从朗诵一首歌开始，有助于我们对作品有更好的理解。有的时候，我发现在说了一天话之后，并没有嗓子干哑的状态，这正是因为在生活中很多情况下都会不自觉地深呼吸，减少声带的消耗。这也是在演唱时需要借鉴的，将朗诵时的放松状态结合到演唱中，张弛有度。在演唱一首作品之前，语言准备是必不可少的，语言作为歌唱的载体，也承担着情感的抒发，需要我们细细揣摩。

2.乐律之美

一首歌曲的诞生，有诸多要素，但有两样是最基本的，那就是歌曲的唱腔和节奏、节拍。王骥德在《曲律》中写道：“乐之筐格在曲，而色泽在唱。”因此，要想唱法不落俗套，就需要我们在演唱中加入一些有特色的润腔。润腔，就是对声腔进行修饰、润色、加工。拿中国作品举例，很多都是具有地域性色彩的民歌，这就要运用到大量的润腔技巧。如雷佳在其“民族民间作品音乐会”上演唱的《杏花天影》，不仅歌词文笔细腻，并且作为一首古曲，它具有声律、韵律之美。雷佳演唱时，在原谱的基础上加入了倚音来润色，如“金陵路，莺吟燕舞”一句，使声音线条更流畅连贯，给人以古色天香、身临其境之感。

在歌唱中不仅要做到声音技巧处理的精细，还时常需要我们对歌曲进行强弱对比和感情变化的处理，这就涉及每个字的字头、字腹、字尾的发音问题。字头的发音需要找准发力点，要准确、清晰、有力，这样也有助于情感的表达。在有些特定的情况下，字头要“重”，字腹要“满”，字尾要“轻”。如在演唱歌剧《伤逝》选段《风萧瑟》中“我为你苦苦地思索”中的“苦”字，唯有唱出字头“k”，才能充分体现女主人公的悲伤与崩溃。另外，句末的“思索”二字都以“s”开头，也需要着重强调，这样才能体现女主人公在绝望中的无奈和挣扎之感。字腹，是咬字时至关重要的部分。掌握韵母发音，必须掌握好开口度的调节和延长发声的口腔状态。在行腔过程中，不论这个字的时值占几拍，都需要口腔状态保持统一，将字的韵腹保持到底。如《教我如何不想他》开头那句“天上飘着些微云”中的“云”字；《我爱你，中国》中的“国”（guo）字中“uo”音节是撮口的状态，必须把“u”母音立住，还要注意字的收尾归韵。再如《玫瑰三愿》中“玫瑰花”的“玫”字，很多人如果不注意，就会唱成“mai”，这样往往会破坏歌曲的意境与美感。最后是字尾，字尾要唱得“轻”，便于与下一个字的字头相衔接，像串珍珠一样串联起来。汉语发音讲究归韵，唱歌也不例外，只有将字尾准确归韵了，字与字的连接才会自然，才能字纯、字正。

节奏、节拍是音乐的骨骼，它们直接影响着歌曲的情感表达。虽然说在演唱前，作曲家已经将歌曲的速度设定好了，但是真正的演绎还是要靠歌者通过自己的理解和情感来处理。歌者对作品的速度和节奏把控，这也体现了歌者的能力，不同的二度创作会让作品呈现出不一样的效果。

3.情感之美

古人云“乐者发于声，声者发于情”，一首作品动听的演绎自然离不开歌者的情感诠释。歌唱中的情感抒发，主要从以下两个方面来表达：首先是作品的乐律，欢快活泼的曲调表达愉悦的情感时，力度增强，声调高昂，时值变短，表演幅度增大；基调沉重的曲调表达悲伤的情感时，力度减弱，音色低沉、暗淡，表情迟缓、消极。情感是表演者和观众沟通的重要桥梁，要想唱好一首作品首先要打动自己，将自己切身融入作品想要渲染的情境中。我们在作品演唱之初，可以将个人对歌曲的情感体验加入演唱之中，如此，声乐作品与演唱者的声音表达更贴合、准确。其次，演唱时的神韵也是表达情感的一个重要因素。所谓“声情并茂”，不仅要求我们有着高品质的歌唱技巧，也要有十足的情感表现力。一招一式，一举一动，一字一腔都要能吸引听众，引起他们的情感共鸣。黑格尔在《美学》中说：“音乐的内容是情感的表现。”我想，好的声音必然离不开对情感的细致处理，只有读懂主人公的内心世界，才能唱出动听的声音。

以我比较熟悉的歌剧《伤逝》的选段《不幸的人生》为例，演唱时要着重刻画人物的心理情感。这段咏叹调是女主人公子君在走投无路时的一段内心独白，音乐声响起时就要抓住寂静、寒冷、凄凉和痛苦的基调，让“死一般的寂静”充斥整个舞台。B段中的四次“别了”要唱出层次，由弱渐强、层层递进，逐渐引入高潮部分（见谱例1）。在这首咏叹调中出现过三次子君的呐喊，三次呐喊层层递进，逐步使她内心的无奈与崩溃达到高潮（见谱例2）。我们可以这样理解：第一次是无助的呐喊，演唱时可以在人物情绪范围之内释放出最大的音量；第二次呐喊是子君的怨恨，要唱到内心深处，虽然情绪很激动，但要控制好声音，不要唱得太强；第三次呐喊时则是由弱渐强，这是子君表现出对命运不甘却无力抗争的呐喊，充满了挣扎的痛苦，情绪和声音可以完全释放出来。最后一句点题—“不幸的人生”，应该唱到心灵的最深处，在弱声中仍然要表现出音乐的张力，将尾声收在高位置的、很小的点上，以情带声，这样的声音才会有内容，才能真正打动人。

谱例1

谱例2

美的误区

1.自我定位

在学习声乐之初，我们一定要对自己的声音有比较准确的认识与定位，懂得量体裁衣。首先要清楚自己属于哪个声部，自己的声音是柔和清亮还是强劲有力，选择与自己声带负荷相匹配的作品。一个男中音，如果按照男高音的要求来训练必然会失去自己的特色，肌肉也会形成错误的记忆，甚至不堪重负造成病变。在学习之初，我们不能好高骛远，应该先着手于一些短小的练习曲或者是艺术歌曲。不管是初学者还是长期学习者，都不能忽视基础发声练习的重要性，从一砖一瓦累积起的声乐大厦才会坚实牢固。

2.适度模仿

在声乐学习中，我们都有过模仿指导老师的情况，对于初学者而言，模仿可能是学习提升的最快途径。我认为，在模仿时应当吸取共通点，一定要适当。当听到与自己声部不同的指导老师范唱后，我们容易陷入一个误区：往老师的音色上去靠，而忽略了自己的嗓音条件和特点。范唱只是引导、启发的作用，而非强制性的规范。我的导师陈洁副教授是一名优秀的男中音，在他进行范唱时，我会去模仿他良好、积极的歌唱状态，而非他的音色，更有效的办法其实是模仿可以模仿的对象。每一位知名歌唱家都有着自己独特的声音特点，笔者早期就曾经通过模仿雷佳、王丽达的歌唱风格来进行提升，有的时候会发现，在模仿之余，那些课堂上老师强调的方法、技巧的羁绊仿佛迎刃而解，自己也歌唱得更轻松自如。这是因为对歌唱家的模仿使我们更注重情感表达，因此声音也更流畅、自然。这就是所谓的“以情带声，声情并茂”吧！

现在的学习条件很便捷，我们可以找来喜欢的声音范本，中外优秀的歌者，从模仿咬字、演唱姿态到音色，培养自己好的习惯，练得熟了，演唱时就会有新的创造。因此，模仿要在积极思考的基础上去借鉴，共通的是方法，而不是音色。在模仿中，我们还要加入自己的特点，运用好自己的独特乐器，唱出创新之处。

网络的发展，让我们能及时搜索到想要的资源，比如我搜索歌剧《艺术家的生涯》的选段《漫步街上》，会出现2000多个相关视频。但是，网络上传播的音视频资料大多是经过后期处理的，这种声音与现场的声音大不相同，即使是没有经过任何后期处理的音响资料，依然与现场也有着很大的差别。我曾经用手机录过一位歌者在音乐厅中的演唱，当时她的状态不是很好，有个高音的声音很紧，音质也很干涩，但我回头听录音时，却惊奇地发现声音质量非常好。还有一位我非常崇拜的歌唱家，歌唱技巧娴熟，她现场的音量不大，但声音很集中、很柔美，是典型的抒情女高音，然而她的录音却像戏剧女高音，十分的浑厚且富于激情。有时，我们对网络媒体中的音像资料进行模仿，往往只模仿到了表面，却忽略了精髓—可借鉴的歌唱状态和传递的情感内涵，这对演唱学习是非常不利的。

3.歌唱状态

声乐学习苦练不一定会出成效，每个人的音色不同，悟性也不同，对于技巧的运用自然也不尽相同。必须要强调的一点是，歌唱是在相对放松的状态下完成的，不仅是喉部的放松，我们整个身体的肌肉都要处在一个完整的放松系统里，发声练习和歌唱时体会自己是“软骨动物”，想象只有气息贯穿全身的感觉，“忘却”声带和喉头的束缚。但是，需要把握好练声的强度和时间，如果声音状态不好就要暂停休息，不要急功近利。歌唱归根到底是声带的运动，如果我们稍有不慎，就容易导致气息阻塞，影响声带的闭合。因此，只有在放松的状态下，摒弃一些不必要的力量，找准声音的平衡点，不去过分强音色和音量，这样我们才能获得自如的歌唱状态。

小 结

在学习声乐的过程中，我一直勉励自己笨鸟先飞，但有好的学习态度和积极性是远远不够的。有时候学习方法错误，练习时间再长，也只能是事倍功半；有时音乐修养的欠缺，也会导致我们的声音没有内涵和情感。

探寻美的声音，我们不仅要从歌唱本身入手，更要了解动听声音的来源，歌词的语言、创作背景知识，还要在歌唱前进行心理、情感等一系列准备。美的声音给人以舒适感、悦耳感，脚踏实地地唱好合适的声乐作品，才是我们作为学生应该追求的。不断训练、不断摸索，理论与实践相结合，找出一套适合自己的系统的学习方法，及时总结经验，这样才会在声乐学习之路上不断地提升。