浅析歌曲《紫罗兰》的演唱技巧及情感表达

郭 媛

《紫罗兰》这首歌曲的作者是斯卡拉蒂。他师从于阿尔卡杰罗科莱，罗马教皇封他为骑士的多产音乐家，更是那不勒斯乐派的创始人。他是文艺复兴时期拥有最多作品的作曲家之一。他还创办了著名的那波里音乐学校，许多优秀的音乐家都是从那里毕业的。斯卡拉蒂创作的音乐作品体裁多样，包含了各种音乐题材。这首《紫罗兰》就是他的代表作之一，也是学习美声唱法最常用的、最经典的作品之一。这首歌曲简洁、活泼，速度适中，整体音域不是很宽，没有过高的高音，很适合学习声乐时间不长的学生，通过这首曲子来练习气息的支撑，头腔的共鸣，以及咬字和发音是适用的。而且这首乐曲情感单一，对于不太容易表达情感的学生来说，也是一首能练习感情抒发的曲子。

一、歌曲《紫罗兰》背景分析

《紫罗兰》选自歌剧《皮罗与德迈特利欧》。这首歌曲讲的是一位名叫马里奥的男子在花园里思念自己心爱的女子。全曲通过描绘了一朵紫罗兰若有若无美妙的身姿，直到歌词里说的“好像说我过分奢望”来暗示爱慕的女孩儿如花般美艳、沁人心脾。

这首作品的特殊之处是运用了欲扬先抑的写法和旋律运用朗诵式的节奏音型进行。全曲三段歌词基本一致，不同的是每段的音乐特征，这也是这首歌曲的魅力所在。

《紫罗兰》的歌词像一束光照耀出文艺复兴时的人性，充满了文艺复兴时期的人文主义思想。它否认禁欲主义，它是开放的，赞扬人、赞扬生命、赞扬大自然、赞扬美和愉悦。所以，文艺复兴时期艺术的主要内涵就是：人们对生活的热爱，大胆歌颂爱和自然，这些经典的意大利歌词就表现了人们提倡理性，追求人性的发展，强调情绪和感情的表达。他们用一个现实存在的物体，通过对这个物体的描写来充分表达自己的情感，既是典雅、温馨、流畅的，又是有趣、含蓄、高贵的。

而斯卡拉蒂就是通过对紫罗兰的描写，暗示了自己内心的情感。这首《紫罗兰》的诞生就与人文主义有关。

二、歌曲《紫罗兰》曲式分析

《紫罗兰》是斯卡拉蒂流传最为广泛，也是被世人皆知的一首歌曲。全曲旋律活跃优美，欢快明朗。这首歌曲通过描写紫罗兰亭亭玉立，似少女般的娇羞仪态，来表现少女优美、婉转、庄重的品行。歌曲是带有回旋性质的三部曲式。调式从g小调转到降B大调。第一乐段的前三小节是引子，随后由4＋2＋2小节组成。整个段落是紫罗兰形象的第一次展示，因此作曲家用钢琴伴奏的部分为人声的部分附和来共同完成每次的模进，好像一问一答，不仅富有情趣，而且充分拉开了音乐的线条，让整个乐曲充满了活力和生机。这一段旋律生动活泼，富有歌唱性，而且音域的跨度适中，以中音区的音阶为主。第一段的结尾第22小节结束在g和声小调上。

第二乐段的歌词和旋律与第一段基本一致，音乐旋律依旧轻快，但仔细听还是会发现不同的地方。斯卡拉蒂用细微的变化手法让其与第一段产生不同，不仅让音乐的朗诵性风格大大提高，而且第二段的音乐让人听起来虽然熟悉但又有新鲜感。音乐的后两句出现了跨度较大的音区跳进，扩大了音乐线条的起伏感。在结尾处出现了大小调的转换和那不勒斯终止和弦，给作品的意境添加了音乐色彩。在乐段的后半部分中，主旋律的伴奏被割舍，音乐语言更加紧密，这也是和第一乐段的区别所在。

第三段的歌词大大缩减，归纳了乐曲的主旋律，综合了之前乐段出现过的音乐材料，如节奏的弱起，歌词的重复等。但是也有自己的个性之处，比如运用了朗诵式的节奏音型，伴奏与声乐遥相呼应等。最后以轻快明朗的风格结束在降B大调上，起到了画龙点睛的作用。

全曲布局巧妙，虽是复三段结构，每段的歌词大意也都相似，但是却毫无繁琐重复之感。全曲都在集中描写紫罗兰若有若无，隐藏在绿叶之间的美丽形态，直到歌曲的最后才用“仿佛是我过分奢望”的歌词体现了斯卡拉蒂对这位如花般美丽可爱的姑娘的爱慕之情，其运用欲扬先抑的手法激活了全曲。

三、歌曲《紫罗兰》演唱技巧

（一）呼吸与声音的保持

《紫罗兰》这首歌曲轻快活泼，句子短小，还有一些华彩及装饰音。因此演唱这首歌曲的时候，就要求演唱者的声音赋予灵活跳跃的感觉，音断气不断。帮助演唱者练习气息的支撑，加强头腔的共鸣，使真假声转化自如。对于声带紧张，腰腹的力量不够的学生来说，演唱这首《紫罗兰》可以帮助他们改掉这些毛病。

想要唱好这首歌呼吸是最重要的。如果想有轻松透亮的声音，气息的练习是不可缺少的。所以在学习声乐的过程中，科学的呼吸方法是唱歌训练中最基本的环节。在平时的练习中，为了增加横隔膜力量，应该更加注重跳音的练习，快速的呼吸能很好的感受横膈膜的力量。随后可以运用到这首歌曲当中，用欢快的节奏旋律来帮助练习腰腹的力量。有了腰腹的力量，这首歌曲才能唱出欢快跳跃的感觉。

节奏快了当然句子之间的换气也是有讲究的，不能随心所欲，要根据音乐表演技巧来换气。这首歌曲旋律多样，决定了每句有长有短，休止也有长有短，如果每句之间相隔的时间较长，就能够充分做好吸气的准备，如果旋律较快，间隔时间较短，这时，我们的呼吸肌肉就应该增加紧张度，控制好换气的尺度。这首歌曲的表演虽然简单，但是它通过呼吸表达出来的感染力，是其他表演形式不能比拟的，这也是这首歌曲的魅力所在。

有了气息的支撑，想要更好更完整的演唱出这首歌曲，伴奏在这首歌曲中也是很重要的一部分。在歌曲中，伴奏和人声必须相互配合才能唱得更好。如在《紫罗兰》的12至20小节中，乐曲的乐句短小，停顿时间较长，这时候伴奏就起到了完美的补充作用。在演唱休止的时候，声音虽然停止，但伴奏再一次重复旋律，这个时候内心如果跟着钢琴声默唱，音乐感觉就会连贯。这时候的伴奏并不只是烘托出人声的美妙，而是伴奏已经融入歌声当中，来完成共同表演。这样重复几次的音乐处理，就像是钢琴声和人声一问一答，形象而有趣。

因此在艺术歌曲演唱的时候，伴奏和演唱合为一体。钢琴伴奏帮助歌曲完成了音乐表现，演唱与钢琴的伴奏旋律相互呼应，就能将作者想体现的音乐特征演唱出来。

比如，在钢琴的第一拍中，主要描绘了紫罗兰娇艳欲滴，自由生长，好像一位俏皮娇羞的少女一般。第四小节一拍后，歌声轻快明亮，旋律优美，音程不断转换，节奏舒缓，充满了韵味，让听的人好像进入了文学诗歌的意境中一样。演唱时呼吸紧跟着节奏，优美活泼的演唱风格才会抓住听者的耳朵。间奏虽然停止，旋律依然在演唱者的心中，高低强弱收放自如，对于演唱者来讲在适当的地方换气是这首曲子的难点，因为气息控制不恰当会使声音、语气失去这首歌曲的灵气。

有了良好的气息支撑，演唱这首歌曲就会更轻松。

（二）咬字的圆润与准确

歌词是声乐演唱中必不可少的部分。我们演唱时的咬字、发音会影响到发声的位置，只有做到字正腔圆才能有好的声音。在演唱的过程中，有些歌词容易吐字不清，即使声音发挥的很好，也由于发音不圆润，而无法唱出歌曲的美感。所以在发声练习时常以“a”“e”“i”“o”“u”五个元音为基础训练，这五个音包含了开口音和闭口音，可以帮助演唱者练习咬字。虽然嘴型在变，但发声位置不能变。日常多读意大利原文歌词，有助于发声中找到准确的发声位置。这首艺术歌曲的音域不是很广，没有穿透性强的高音，也没有厚重的低音，音域适中，对于提高发声技巧，巩固声音位置有很大的帮助。

《紫罗兰》是一首很好的艺术歌曲，它直白地表明了作者的内心。这首歌没有人物和剧情，所以在演唱的过程中不能力度过强，自始至终都应该表现出欢快明朗的感情，用温柔轻巧的声音来演绎。在歌曲的一开始，声音不能弱，要积极的把声音送出去，这样可以更好的适应明快的音乐，让我们唱出最好的状态。声音要放在高位置上，气息沉稳，音色就会清澈明亮，像珍珠颗粒一般，吐字虽快但要清楚，才会将这首歌曲表现得更好。

虽然每段音乐的开始都是弱起，但咬字发音不能拖沓。这首曲子的闭口音较多，对于闭口音发音不是很好，声带紧张的学生来说，多读发音有助于放松声带，使声音达到更好的位置，从而得到明亮的声音。这样轻松自如的演唱方法是学习美声唱法过程中的重要演唱技巧，对科学的发声有很好的帮助。

四、歌曲《紫罗兰》的情感表达

在歌唱中，积极表达作者的感情也不是一件容易的事情。我们在演唱时要了解作者的创作背景，还要融入自己对歌曲作品的理解，才能更好的表达出作者想表达的感情。在演唱这首歌曲时不仅要唱出乐谱上的表情记号，更要根据自己的理解对音乐的情绪进行二次创作，唱出音乐的起伏，产生更强的感染力，使听众也能感受作者的情感。这首歌曲诞生于文艺复兴时期，而文艺复兴时期的艺术家们想要表达自己内心的感情，就会通过一个载体。作曲家斯卡拉蒂就借助了紫罗兰这个载体，将心爱的女孩比作紫罗兰，通过描写紫罗兰的优美，表达了对美丽姑娘的爱慕之情。演唱者在塑造人物的时候，把自己当作是斯卡拉蒂，用心感受对姑娘的喜爱之情。

这首歌曲主要写了紫罗兰花的美丽形态，并不像其他歌剧咏叹调一样有人物剧情和跌宕起伏的故事情节，所以这首歌曲的情感要更容易把握，只是简单的借助紫罗兰花来表达对美丽姑娘的爱慕之情。虽然感情单一，但想要在演唱时准确地唱出这种喜爱之情也不是一件容易的事。

当然，要准确表现这首歌曲的情感，是要建立在演唱技巧的基础之上，气息和咬字的正确运用不仅能唱出优美的声音，更能帮助我们表现歌曲的情感。所以我们在演唱这首作品时就要做到声音轻柔、甜美、活泼、细腻，随着旋律的进行做到明显的强弱对比，在描写紫罗兰花娇艳羞涩模样的时候，声音轻柔、力度较弱、速度也较慢，加入想像，投入感情，把自己想像成那朵美丽的紫罗兰花，娇羞的模样让人爱怜，这样就能形象地表现出花的形态。在唱到作者抒发情感的句子时，情绪激动，随着音调的上升而激起内心的激动心情，力度增强，速度也随之加快，再把自己想像成花园中的男子，尽情抒发自己的情绪，这样就能更容易地表现出作者对紫罗兰花的喜爱之情，同时也侧面反映了对心爱的姑娘的爱慕之情。

结语

通过演唱分析歌曲《紫罗兰》，笔者的演唱技巧得到提高。在发声方面，声音更加清澈明亮，声带也得到放松，气息得到了更好的支撑，在咬字方面吐字更加清晰，有助于找到发声的位置。了解这首歌曲的内容，以及文艺复兴时期的音乐创作特点，真正理解作曲家的创作意图，才能做到心和声共同演绎。每一句都要仔细分析，反复练习，无论唱什么歌都要以最基础的状态来要求，用声乐技巧为词曲服务，自然而然就会带动演唱时的情绪，不仅声音得到放松，也会更加有感染力，才能更生动的表现出作品的真实含义。通过认真分析这首曲子的演唱技巧，举一反三，不论我们今后唱什么样的歌曲都要以气息作为练习的基础，在情感抒发的帮助下才能更好演绎作品的内在神韵。著名演唱家阿梅林曾说过：“一个歌者的演唱能否表达得淋漓尽致，并不是听一个人的嗓音有多么的明亮，表演是多么的生动活泼。而是要看他怎样演绎艺术歌曲，把作品的情感表达到一定境界。”