安东尼葛姆雷作品的公共意识及对我创作的启示

摘要：当代雕塑创作中的公共意识，在国内已经逐渐被雕塑家、雕塑创作者所重视，雕塑作品与绘画作品不同，它是占据空间的三维艺术，有特殊的审美规律。雕塑与环境、空间、观众之间的关系在逐渐被重视，同时对雕塑创作起了重要作用，利用空间、环境和呈现方式进行思想的传达是创作中的重要问题。本篇论文以安东尼葛姆雷的雕塑作品与空间环境之间的关系为切入点，进而研究当代雕塑创作中空间与环境的重要性，以及在艺术史发展中雕塑创作不再受创作主题、材料等因素的限制。更多的展现当代雕塑艺术的多元性、参与性，同时提升观众的主体地位。

关键词：公共意识;空间;环境;开放性;参与

一、安东尼葛姆雷的艺术特点

安东尼·葛姆雷的作品并没有追求表现形式和风格。他认为朴素的形态可以感动我们，解放我们所拥有的情感。他不断对“身体”与“周边世界”进行探究。安东尼·葛姆雷的作品有着极其强烈、多元、深刻的空间思考，且呈现出作品与环境高度契合的状态，使观者变成参与者变为冥想者，与场地产生深度交流。这源于安东尼·葛姆雷创作主题所特有的空间属性，回归了人与万物的关系。这种关系起到深化作品精神内涵，烘托了场所氛围的作用。

（一）个体空间与公共空间高度的统一

安东尼葛姆雷一直以自己的身体为创作原型，并以此为出发点研究身体与其居住空间之间的关系。同一个作品在不同的地方都展出在过，海里、山上、传统的空间里。每一次在不同的环境里展出都会让安东尼有一些新的想法，他能不断地从这些作品中学习到一些新的东西。他重视空间，认为空间不是作品的一个框框而已，空间跟作品形成了的互动。在某种程度上他对作品的公共意识甚至超越和让位于作品的个体意识。

（二）互动性、参与性是公共意识的重要体现

安东尼葛姆雷德作品主要特点就是把观众的参与当成作品的重要组成部分，如作品《oneamp; other》《亚洲土地》是观众的参与与互动帮他完成了作品。他说：“这些作品意义在于观众如何通过作品去感受自己的存在。我的作品就是来参与的，使观众的参与、体验、表现、感受塑造了这些作品。我尽全力试图将艺术变成一种新的行为、新的思想、新的情感的诞生地。”将人类生存的体验从千篇一律的表现形式中解放出来，还原其无法被描述、被重复的原生状态，葛姆雷说他希望他的雕塑，是这些脱离了阐释的纯净体验的栖息 。

（三）历史因素、社会因素及宗教因素

历史因素、社会因素及宗教因素构成他作品公共意识的另一面，也是他形成作品风格的关键。作品的思想与内涵是通过与观众的交流与互动对观众起到了潜移默化的影响，而这种影响反过来又提升了作品的公共性。安东尼葛姆雷从小受父母样影响接受天主教的思想，之后从1971-1974从土耳其到巴基斯坦等国家再到印度学习佛教。宗教思想以及各宗教之间关系、政治与战争是安东尼葛姆雷从另一面探讨生与死的问题。作品《沉睡之地》展现的是在印度街上一些人在地上睡着不知死活。这些脆弱又如此圣洁的形体如同建筑一般。他想把当时的感觉带回来把这种经历做成一个物品。探讨对于避风港和安全感的需要。也是从某种角度谈到了柏拉图说的我们永远也不会知道另一个人心里是怎么想的，再那个人的皮肤下有无限的可能。《双面人》，直击北爱尔兰政治冲突！

二、中西方雕塑作品中的公共意识

当代艺术中公共意识的发展，雕塑作品的公共意识也在不断地提高。雕塑在社会生活、城市环境、园林建设、街区设计都取得了巨大的成就，人们不再习惯传统英雄主义、人文主义的写实雕塑，也不在习惯工业时期点、线、面构成的冰冷的抽象雕塑。人们不满足于对艺术品的观赏与收藏。公共雕塑日渐流行，公共雕塑的创作过程中，艺术家要面对的不单单是艺术家本人的审美情趣，而是要充分考虑其他各种因素，历史传承、地域风俗、社会发展、流行因素和观众的审美标准等等。西方的城市建设往往在规划的时候就已经把公共艺术当作规划的一部分来总体考虑，雕塑作品中的公共性也是艺术家创作的重要因素之一，因此西方的公共艺术有很多成功的个案。相比而言由于国内的城市规划、雕塑创作缺少公共的意识，大多的规划并没有把公共性纳入到总体的规划和创作中，往往是城市建设与规划完成后找一些艺术作品放到公共空间里，作品与空间环境不相配，浪费了空间也削弱了作品本身的艺术价值。很多作品存在与环境不协调不是永久陈列的作品等问题。

（一）西方当代雕塑中的公共意识

西方国家对雕塑的公共性的运用已经十分成熟。具有影响力的雕塑不断出现，公共意识在结合使作品上升到另一高度。首先作品与空间环境的关系。雕塑艺术的产生就伴随着空间的转换问题，从文艺复兴时期的米开朗基罗、现代主义的亨利·摩尔、他们的艺术作品不只有架上雕塑， 同时也成功的公共艺术。 在西方现代雕塑史上从罗丹到布朗·库西、从考尔德史密斯到波依斯都实现了架上雕塑与公共空间的结合。 当代雕塑家不再满足于个人艺术观念的传达而是以自然、文化、社会现象为题材，扩大公众的感知。城市空间的扩大公众对于艺术实验的关注为艺术家的空间转换提供了可能。

比如安东尼·葛姆雷对身体及环境极为敏感，他认为人的身体是记忆和变化的载体。从《北方天使》到《地平线》，从山丘海岸到繁华都市，安东尼不断地探求着人体感受与周围环境、空间的关系，用绘画与雕塑来表现人类自我存在的意义，和人的存在对于自然的意义。作品和所处的周边环境、景色的彼此交融，使环境空间变成为艺术品的一部分。一个人看见这件作品的同时就会想起这个地方或者说看见这个地方就会想起这件雕塑。这就是雕塑与空间环境完美结合的魅力。

其次主题、材质与环境的关系。作品的材料能决定审美样式。罗丹说过艺术的生命就是从材料里生长出来的。随着科技的发展，各种意想不到的材料和技术被运用到艺术创作当中。人们也不再认为雕塑只是泥、石头、木头金属等硬质材料。在公共性雕塑作品中材质和制作工艺起着特殊的效果与作用。质感不同给人们的感受也不同。人们逐渐赋予不同材料以不同的性格。如大理石的色美质坚、温润细腻，青铜的历史沉淀之感…材料的选择不紧要符合主题更要考虑到公共空间，环境的关系。美国芝加哥千禧广场上卡普尔雕塑的作品《云门》，其整体拼接不锈钢材料，技艺精湛，没有丝毫拼接痕迹。尽管身形庞大，却有着美观优雅的外观，远处看像一颗豆子。因为采用的材料是精打细磨的不锈钢板，因为高度抛光，使得雕像光滑得更像一面呈圆球形状的镜子，不仅可以有照射出周边的建筑物和美丽景色，同时也像一面庞大的哈哈镜，游客驻足欣赏作品的同时也能看到镜中不同的自己。从各个角度看都会不同，在雕塑的下面游客也可以停下休息，享受雕塑带来的轻松与快乐！这样的雕塑更与人们的生活紧密相连，给区域生活带来了无限欢乐，使观众产生心理的共鸣，并与其互动。游客在观赏到这个作品后可以停下脚步。走进雕塑，感受雕塑，成为雕塑的一部分。

第三参，与性与互动性。伴随着社会的进步和人们生活水平的提到，人民的交流方式、生活区间都发生了显著改变。人与人之间、人与事物之间相互影响和渗透，互动关系在艺术领域开始引人关注。艺术的公共性的最大特点是公众的广泛参与，并呈现出开放、自由的特点。艺术的互动性则体现在设计的作品、所处的环境和人类三者之间，它们会互相融合，相互沟通，彼此融合。在这个互动活动中，人是以主体的方式存在的。人类和艺术作品之间的互动性表现在他们之间彼此渗透、相互感知，从而领悟体会。

目前，“互动”作为交流常用的方式之一，已经融合进我们的日常生活中，影响着人类的各种活动和思想。并且“互动”可以提供技术支撑，使艺术和各个其他领域互相融合。使用各种技术手段是完成优秀作品的重要因素。西班牙艺术家詹米.皮兰萨设计的皇冠喷泉，广场上相对的两个高大电子屏幕上，滚动播放千张芝加哥市民的笑脸。每隔一段时间，会有水柱从照片的嘴里喷出。屏幕下方分多游客在玩水的同时看见自己的形象，使游客也成为作品的一部分。这就不单纯是一个显示屏，也不只是一件作品，而是环境，作品，人相互渗透的艺术品。如果观众的笑脸、如果是单纯明星、美女的脸肯定不会吸引这么多观众的注意。

（二）中国当代雕塑的公共意识的缺失

中国的公共艺术处于起步阶段，但随着现代性的出现，公共艺术越来越受到关注。这些都推动中国公共艺术向前进步。为了提升城市品位和内涵，开展城市建设，许多被称之为“公共艺术”的作品随之出现。但是人们却渐渐淡化甚至忽略了一点：公共艺术应该具备重要的人文价值，并且需要具极强的艺术性。日本雕塑家根伸夫说过“中国的公共艺术尚处在量大于质的时代……中国是一个有很多且很好的公共艺术视觉传统符号的国家，但似乎还没有在现代环境艺术设计中充分发挥出来，而是常常让建筑独自发展，使周边（环境）流空旷或芜杂”

我国在公共雕塑的发展存在的主要问题是过分依赖商业体制，并对其让步，使得艺术的品质降低，我国比西方公共雕塑落后的原因也正因为如此。中国传统雕像的建立是为了缅怀伟人、传扬宗教思想。雕塑代表的仅仅是统治阶级的思想，居高临下的特征，使得互动性无法在作品和观众中产生。因此，传统公共雕塑虽然占比很大，却没有公共性。随着经济的发展和社会的进步，每个地区都展出了与众不同的雕塑，使大众产生耳目一新的感觉。作品的格调和质量都有了不同程度的进步，使观众产生了审美情感。由于环境的不断改善造成世界到处都有雕塑，其中不乏一些粗制滥造的、质量很差的雕塑产生，这些雕塑和周边环境极为不协调。

在当代艺术中，艺术家对创作中的公共性日渐重视，很多国内著名雕塑家也开始把公共艺术融入作品之中！如艺术家李象群老师在北京故宫做的一次个展《城·象》。白铜材质的雕塑作品映照出周围绿树城墙与建筑相呼应。使得作品跨越了时空，当代和历史走在了一起。把作品《大紫禁城》这一作品选在建福宫花园唯一处保留原始面貌的小院内，将艺术与历史融合，大紫禁城中有小紫金城（城中之城）。白铜的光泽透亮，金属的质地和周围粗糙的建筑风格既产生了冲击，也相互交融到了一起。既具有历史性也有现代性，它们的界限清晰，却又可能产生历史与现代的对话。

三、安东尼葛姆雷作品的公共意识对我的艺术创作的启示

雕塑创作中的公共性日趋成熟，在公共空间中的表现形式也日渐丰富。对艺术家本人而言，往往多数雕塑作品都是表达个人的情感，如果转换成其他公共空间，创作观念在作品放置特定空间的情况下也增加更高的要求。艺术品从博物馆、展览馆转换到公共空间就需要结合场地进行再创作，如果强行放入只会让的原来的作品失去生命力。在以往的创作中几乎很少考虑作品的公共性只是单纯的表现个人的情感与思想，甚至没有考虑作品与周围（环境和人）的关系。也从没想过周围的环境、观众也是作品的一部分，更没想到过除作品本身以外的因素能将作品提升到又一高度。通过对安东尼葛姆雷作品的公共意识的研究使我在艺术创作的视野和思路更加宽阔，同时作为一个学习当代雕塑的学生在自己的创作中提高作品的公共意识是有必要的，在艺术美感的前提下更多地考虑作品的公共参与意识，使作品达到个性化与公共性最大的统一，让冰冷的雕塑更加有人文情怀。

（一）作品与环境之间的关系

随着经济和科技的发展，大众的艺术欣赏水平随之提高。艺术性在公共领域也得到广泛的重视。例如公园、广场、商场、楼盘等等公共场所在实用性和功能性的前提下也都开始根据自己的环境、主题设置雕塑作品提升企业文化、城市文化。周围环境成为作品的一部分可以提升作品的艺术高度，同样一件艺术作品也可以给环境、空间增添色彩和艺术美感。许多公共领域的设计也开始面向艺术领域征集创作方案，一方面使得艺术作品得到实际应用，另一方面能够让公共场所更有美感和人文气息。不久前山东潍坊的一次作品征集根据周围环境、地点、文化背景进行创作。作品不再孤立，融入城市发展的历史文化、与周围环境相呼应。

（二）作品与观众之间的关系

设计创作的雕塑不仅仅作为艺术品本身， 同时在当代语境下要兼顾其他功能，拉近雕塑作品与人的距离，让观众从视、听、触觉等多样性体验融入艺术作品中，通过人的参与性介入，使雕塑不单只有观赏性，更具有公共性和人文气息，好的作品甚至让观众通过参与的过程有所思、有所回味。

作品的公共意识能够使艺术家的作品实现最大化的传播，最大化的实现艺术服务于社会与大众的理念，最大化的实现艺术家的社会价值与艺术价值。雕塑创作过程中的公共性、参与性与分享性能唤起人们记忆深处的成长经历、和一座城市、一处风景的记忆。使观者产生共鸣。这也是我在研究安东尼·葛姆雷总结的一些稚嫩的艺术观点，也一直是贯穿我艺术创作的思想来源和灵感源泉。

四、结语

当代公共艺术的艺术价值在互动中产生，公共空间和艺术作品作为人类重要的行为方式的载体和场所，首先依靠人类的各种感知器官获得人对空间形态和环境的认识，然后出现人和作品、人和环境、人和人之间的相互交流;其次，人们又会对公共艺术的形式产生影响，对其改变，从而让艺术作品能够更好地渗透到周围的环境中，与环境产生互动。正是在这种关系之中提高了人们的艺术修养，也进一步提升了艺术作品的高度。

参考文献：

[1]安东尼葛姆雷《安东尼·葛姆雷谈雕塑》北京美术摄影出

版社，2016.

[2]王洪义《公共艺术概论》中国美术学院出本社，2010.

[3][法]卡特琳·格鲁，姚孟吟译《艺术介入空间》广西师范

大学出版社，2005.

[4][美]凯文·林奇《城市意象》北京华夏出版社，2003.