谈重奏课程在二胡教学中的重要性

霍永康

摘要：自上世纪20年代，二胡演奏艺术被纳入正规的教育体系中，发展至今已近百年。大量新作品的创作，丰富了二胡艺术的曲库，对演奏技法技巧提出了更高的要求，除了独奏形式，协奏、重奏也日渐增多。本文将从教学实践角度出发，分析重奏课程在二胡教学中的重要性。

关键词：重奏   节奏   力度   舞台表现   协作

中图分类号：J60-05                  文献标识码：A                    文章编号：1008-3359（2019）05-0114-02

作为中国传统拉弦乐器的代表，二胡的起源可以追溯至唐朝，距今一千余年。该乐器发源于我国古代北部一少数民族，原名“奚琴”，发展至宋代称为“嵇琴”。在流传发展过程中，一直作为戏曲等民间艺术形式的伴奏类乐器。直至20世纪20年代，刘天华先生将二胡作为专业的乐器演奏课程带入北京大学音乐传习所，二胡艺术才作为一门专业的表演艺术被纳入正轨，这一历史至今不足百年。

经过了二胡艺术工作者几代人的不懈努力，近百年的飞速发展使二胡艺术有了长足的进步与拓展。教学方法由之前的口传心授，发展为逐步有了教材，练习曲，乐曲。二胡曲目不断丰富，先后涌现出了刘天华、刘文金、吴厚元、王建民等一大批杰出的作曲家，创作了多种风格，带有鲜明民族特色符号的二胡作品。如刘天华创作的十大二胡名曲，《病中吟》《月夜》《苦闷之讴》《悲歌》《空山鸟语》《闲居吟》《良宵》《光明行》《独弦操》《烛影摇红》;刘文金先生的《三门峡畅想曲》《长城随想》《豫北叙事曲》;吴厚元先生的《红梅随想曲》《竹韵》;王建民先生的系列《二胡狂想曲》，这些优秀的原创作品极大的丰富了二胡艺术的曲库。与此同时，外国移植作品的大量涌入，对演奏技术、技巧也提出了更严格的要求与标准。这就要求二胡演奏员具有扎实的基本功和较高的音乐素养来完成对这些作品的二度创作，将其完整的呈现在舞台上。

现阶段，我校关于本科阶段二胡表演专业人才培养的目标为：使学生掌握较为全面的专业理论知识、二胡演奏技能;具备较好的音乐修养、审美能力和教学能力;能在专业文艺团体、艺术院校等相关部门从事表演、教学及研究工作的高素质专业人才;在各行业从事文艺创作、表演，能进行一定的群众性文艺普及、辅导工作的高素质应用型人才。

在具体的教学实施过程中，由理论课程和实践演奏课两大部分来支撑。通过艺术学概论、乐理、视唱练耳、和声、作品分析等课程来帮助学生系统掌握音乐专业所需的基本概念、基本原理、基本方法等基础理论知识，中国音乐史、西方音乐史、中国民族音乐概论等课程来使学生全面掌握音乐史论、民族音乐理论及相关音乐理论与实践等方面的基础知识，音乐名著赏析、世界民族音乐概论来使学生具有较好的艺术修养和审美能力。以上三块内容支撑起理论教学体系，而实践课程则由主修乐器的演奏，民族管弦乐合奏课和民族室内乐重奏课三块内容来系统对本专业进行学习，提高演奏技能，培养更适应于社会需要的多面手演奏能力。

在多年一线教学工作过程中，笔者总结发现，重奏能力的提高对学生提高综合演奏能力的意义，远远大于学生在学习独奏曲过程中所得。在重奏过程中，对个人声部的节奏、音准、强弱变化以及与其他声部的配合，都有着严格的要求，否则会影响整个团队的演奏质量。

一、节奏的控制

在笔者的课堂上，曾经有一名湖南籍学生提问，“老师，在我准备高考期间，视唱练耳老师曾经说过，学民乐的同学节奏感比较弱，学西洋乐器的同学在节奏方面明显要好一些。这是为什么呢？”虽然有着近百年的发展历程，二胡艺术取得了长足的进步，但在现实教学过程中，我国各地市，县一级的教学水平仍急需规范，有待提高。由于二胡艺术深受人们的喜爱，因此传播较广，较普遍，教学力量参差不齐。目前的师资队伍中，有受过专业教育的老师，同时也有自学成才的二胡业余爱好者，并且这些非专业教师的规模非常之庞大。由于此类业余爱好者自身并未接受过专业的训练，因此在对学生进行二胡演奏的启蒙教学过程中，弊端明显，会导致学生存在不科学的演奏方法，不规范的乐曲处理等现象。这类老师通常不会要求学生在练琴过程中使用节拍器，任何接受过专业教育的音乐工作者，都深知节拍器的意义，乐曲中速度的快慢，节奏型的变化，音符时值的长短，都离不开节拍器的严格把关。学习任何一种乐器，最初基本功的练习都离不开节拍器的配合。具有较强乐感的乐手，在学习初期和之后的演出过程中，也需要节拍器的约束。

由于缺少了针对节奏方面的严格训练，在久而久之的练习和演奏过程中，一部分同学在速度呈现方面就会比较自由散漫，导致时值出现偏差，并且自己意识不到。如有机会与伴奏乐器合作，问题就更加显而易见，自身的演奏没有按照原谱的要求，做正确的时值处理，忽快忽慢，伴奏声部却严格的执行着每一个音符的时值，致使两个声部完全合不到一起。

在现阶段我校的二胡专业本科生培养阶段，正是可以通过开展重奏课程，来进一步强化节奏的训练。只有学生严格的把分声部的节奏演奏准确，才有可能与其他声部配合好，共同将作品呈现出来。如果某一个声部出现了问题，必将不能顺利的继续演奏。目前学生在学习过程中，大部分精力放在了练习独奏曲上，但是在毕业后的工作环境中，不是人人都可成为独奏演员，更多的演出机会还是进入乐队，所以要求同学们有扎实的演奏功底，节奏问题是着重需要控制好的。在重奏课中，对于节奏的准确把握，对提高学生实际演奏有着十分重要的作用。

二、力度变化的控制

在处理任何乐曲时，都必须先唱乐谱，在唱谱的过程中，按照旋律音高的走向，顺势把强弱变化加以处理。在重奏乐曲的演奏中，更加需要严格的把握这一点。有的声部，自始至终都没有主题旋律的出现，但并不意味着该声部就没有强弱变化。此时的演奏员应当在准确的完成本声部音准、节奏的前提下，仔细聆听承担主题声部的旋律及其音高走向，并且配合主旋律的强弱变化来做出相应的变化。如果音量在该让步给主旋律时却做了强的处理，就会喧宾夺主，使各声部之间层次混淆，音响效果欠分明。

重奏乐曲中，主题旋律并不是一成不变的持续在某个声部，所以每个声部的演奏员都需要提前做好谱面的工作，处理好自己负责声部旋律的强弱变化的同时，也要分清楚主题旋律在何时何处，由哪个声部进行了发展与衔接。因此，在力度和音量的控制上，必须精准的完成来达到诠释乐曲的全貌。

与演奏员在练习独奏曲的过程相比，重奏曲对乐手强弱控制能力的要求更为严苛，只有按照曲作者提前设计好的各声部之间旋律的衔接与交替，乐手们严格的控制自己声部的强弱变化与轮动，才能精准的将乐曲呈现在舞台上。

三、舞台表现与协作能力的控制

重奏与独奏最直观的区别，即为多人参与和个体完成的不同。独奏演员专注于个体的练习、揣摩与实践，对于重奏演员而言，这些还远远不够。乐手不仅要出色的完成自己承担的声部，还需要和他人有默契的配合，才可以完成重奏曲的呈现。因此舞台上的肢体表现也要适度，符合乐曲的情境设计。各声部的乐手都要沉浸在乐曲中，用心体味曲作者的创作意图，适度的表现。尤其是在自己声部休止时，也不是突兀的干等在舞台上。此时的乐手要认真聆听其他声部的旋律，或弱或强，或快或慢，要随着旋律起伏做出应有的情感表达和协调的肢体动作。此时的动作是在听到音乐时，由内而外自然而然流露出的肢体语言，完全符合乐曲的情境。

在处理重奏乐曲中有速度变化部分段落时，要求乐手们心意相通，达到高度的契合，才可以顺畅的完成速度的转变。这个逐步默契的过程，需要在台下无数次的磨练与配合，最后达到通过一个动作，一个眼神，甚至一个呼吸，都可以使乐手们心领神会的达成统一，来完成每一次的渐慢，渐快，突快，突慢的处理。

在笔者的课堂上，坚持对每位同学进行因材施教，注重培养和锻炼实践能力，不仅要选择适合学生演奏气质的独奏作品，更需要通过多种演奏形式的尝试，来使同学得到更多的实践经历并积累宝贵的演出经验。在二胡教学实践过程中，独奏形式固然重要，但重奏课程对学生音准、节奏、表现力等诸多方面能力的考察和要求明顯更高。因此在学习重奏曲的过程中，学生也会锻炼的更多，收获的更多。对于提高学生的演奏能力，为其毕业后更适应工作岗位的需求，具有积极的意义。