王公懿：笔墨等于零

王公懿在上世纪八十年代初期便已被同时代的艺坛所熟知，那组干净爽快，快刀利白，极具东方意味的木制版画《秋瑾》代表了一代青年的生命和激情，也代表了中国版画的新气象，并将那个时代的艺术创作，提升到可以面对历史性和东方性的考虑的尺度之上。时至今日，这组画仍然代表了中国版画的高度，并成为中国现当代艺术历史叙述的重要对象。此次展览中，王公懿的一组创作于2001年至2002年间的水印木刻版画《China·China》被安置在画廊的小展厅中，与《秋瑾》面向社会疾呼的题材不同，这组作品呈现了王公懿后期版画创作中的主题的变化，转而更加关注创作时的本真状态。

从2004年开始是王公懿创作上的一次高峰，新的实验与题材层出不穷，令人惊艳。这几年当中，她解开了许多身心上的束缚，思想上的桎梏，年轻时郁结的愤怒与悲痛也一点一点地溶化消失，回到她内在的本质本性，那愉悦自由和蓬勃的生命力很自然地流泻在她的作品里。她于2005年偶然中开始用温莎蓝单色作画，从此一发不可收拾，至今仍乐此不疲，忽而抽象、忽而山水、忽而花卉。每次看到她的作品，总是为其精微纯粹的美所感动，顿时尘躁一空，进入清凉境；站在画前，满目澄蓝，一纸清澈透明，令人想要深深吸一口气。

以温莎蓝《音符》(2005)及《韵律》(2018)为例。蝉翼宣的纸质轻盈精致，纸上细细的萤白闪光点就像在阳光下薄薄闪动的蝉翼。蓝色的水彩渐层，干净透明温柔。由于是熟宣，所以水的控制很重要，需要很慢、很均匀的上色。水彩慢慢干后，颜料里的胶质在边缘“堆积”成一条细线，这是工笔画的禁忌，但却成了创作的新意。一层干后，再上第二层，产生第二条细线。如此一层一层重复的往上推、往上染，由深蓝到浅蓝，蒸蒸而上，形成重复与变化的韵律感。一道道舒展开阔的平行线像远山、像海浪、像云霭、像风吹过的沙痕，像舒缓流动的气息。上面的白色图案，像鸟、像鱼、像帆、像音符，这些可爱跳跃的符号是她在法国见到一幅石版印刷的古乐谱，上面的音符十分特别，她用相机记录下来，巧妙的放在这幅作品。

吴冠中先生有一本文集叫《笔墨等於零》，是针对当时美术界以笔墨技法为作品优劣标准的批评。笔墨仅是工具，岂可舍本逐末，漠视整体大局。他认为一位艺术家应当寻找一切手段，不择手段，以能贴切地表达内心的感受，而成为杰作，则其画面所使用的任何手段，便具有点石成金的作用与价值。王公懿的温莎蓝系列即是最佳的例子。她用最少的元素、最简单的方式捕捉了生命及自然界中又抽象、又具体的元素：水的漂浮、山的呼吸、气息的流动、光的记忆、时间的过度；在重复与变化的蓝色韵律中，表达了生命的基调与变奏、澄静与吟咏、浑然与虚空，让我们看见精炼、冷静、如诗般的声音。