极简风格女艺术家 艾格尼丝·马丁

张佑

美国纽约古根海姆美术馆（The Guggenheim Museum）正在展出美国画家艾格尼丝·马丁（Agnes Martin）从1950年代早期至2004年逝世前完成的画作，这是自她去世后第一次对绘画生涯的全面回顾。马丁擅长使用网格、线条等元素创作，致力于探索既有图案组合中尚未被发现的细微差别与变化，自1960年开始创作独特的网格画作品，在巨幅帆布上用铅笔勾勒出相互交错的水平线和垂直线，乍看像是一幅空白的画面，被视为极简主义艺术的代表。

来到展览现场，依照顺序进行观赏，整个展览就像一场安静韵旅行，但旅行途中叉不缺乏跌宕起伏的高潮剧情，意味非凡。这位极简主义的女艺术家，她的艺术生活绝对不简单。

毋庸置疑，马丁绘画中的颜色淡淡的，看上去，隐隐透着光亮，而她的绘画形式是几何形状的，是一种规律性的、有意义的组合式重复。在古根海姆上演的这场抽象派女艺术家的回顾展完全展现了这个女人的艺术魅力和艺术造诣。换句话说，马丁的艺术作品是抽象表现主义与极简主义的结合，也是二者之间的桥梁，然而，在艺术家一生的实践和对情感的表达过程中，天然的哲学思维将她逐渐推向完美，也将她逐渐在二者中分离开来。

马丁说：“我更希望我的作品能够表现的是美丽、纯真和幸福的感情，甚至是表现一种欣喜之感。”

当她于1960年代在陶斯与帕森斯相遇之后，便搬至纽约，马丁在纽约生活了十年，周围的艺术家都早有名气，比如罗伯特·印第安纳（Robert Indiana）、埃尔斯沃斯·凯利（Ellsworth Kelly）或者詹姆斯·罗森奎斯特（James Rosenquist）。马丁的绘画在这一时期也受到了关注，取得了极大的成功，她参加了1966年在古根海姆进行的艺术家群。却在1967年因为一些不知名的理由突然选择退出。她停止绘画，搬到了新墨西哥州的农村，开始了长期漂泊的生活，过上了自我封闭的日子。70年代的早期，她又开始了艺术实践，她带着极具特色的全新作品重返艺术圈，多为以朦胧色彩创作的隐晦条带状画作，这些在本次展览的最后一区均有展示。直到她2004年离开人世，她一直居住和工作在新墨西哥，这里是她艺术创作的主战场。

古根海姆博物馆的高级策展人特雷西（Tracey Bashkoff）说：“无论是对于整个战后艺术史而言，还是对于博物馆来说，马丁是一位十分了不起的，令人难以预料的重要艺术家。”此次在古根海姆举办的艾格尼丝·马丁的回顾展由特雷西和客座策展人蒂芙尼·贝尔（Tiffany BelL）联合策划。二人对整个展览十分重视。

马丁著名的绘画作品《白花》（White Flower，1960）是1963年第一件被博物馆收藏的绘画，打那时起，古根海姆开始收藏和展示马丁的作品。其实现在的这场展览是来源于英国伦敦的泰特美术馆的，起初泰特联系到古根海姆，吉根海姆表现出极大的兴趣，表示愿意进行这个展览。特雷西说：“马丁是20世纪后50年最重要的抽象艺术家之一，加上古根海姆一直是抽象主义艺术博物馆的支柱，所以真的再适合不过了。”

古根海姆展示了艺术家从50年代开始，一直到21世纪初的整个艺术生涯的作品。以书面形式、绘画作品、蜉蝣，包括21件艺术作品能够展示和回顾与艺术家一起生长的整个纽约的迭代的作品向众人回顾艺术家的艺术生涯。展览以马丁对抽象画作的分类作为起始，从透光而有机的图形，到离心几何下的浮动结构。

马丁探索网格，形成了她最为著名的工整网格线，这些网格线极为精细，鲜少以照片形式呈现，而是均匀地绘制在画布背景之上。在艺术生涯的成熟期，马丁大部分的工作就是在重复同样的版式，寻找着将空间切分为规则区域的新途径。

不需要了解马丁的个人经历，只需要充足的时间与耐心，便可在展览中欣赏她那份细致敏锐的情感，进而喜欢上这件作品。不过，论及她的个人经历，她于1912年出生于加拿大的萨斯瞎彻温省（Saskatchewan），并于1950年代后期被传奇艺术经销商贝蒂·帕森斯（Betty Parsons）发掘。在她出名之前已经画了很长时间的画。同时，她旅居全国各地，曾于美国的贝灵汉、华盛顿以及纽约哥伦比亚大学的教师学院（Columbia Universitys Teachers College）求学，最终落脚于新墨西哥州陶斯（Taos）的一个艺术家社群。她当过老师、服务员、从事过其他很多古怪的职业，甚至包括木材公司的联络员。

或许在她的一生中，广受关注的一点是她与精神疾病的斗爭：马丁年轻时就被诊断出患有精神分裂症，并且出现过幻听的情况。她钟爱的网格像是一种精神上的慰藉仪式，以这种方式将世界置于一种理想秩序之下。马丁来到纽约时正值抽象表现主义的巅峰时期，极简主义也刚刚兴起。她的网格画通常被视为这两者的连结。这种观点可以理解，却显得有些草率。

“那些年轻艺术家对于成功如此的渴求使我选择离开。”马丁在事后谈及自己1967年的出走时如是说。她很可能说的是弗兰克·斯特拉（Erank Stella），他与马丁于相同的历史时期成名发迹，那时马丁正值40岁中期。斯特拉被认为与马丁起到完全相同的作用，也是抽象表现主义和极简主义的中间人。

抽象表现主义艺术家总是将个人特点植入绘画中。至于马丁，她常常提到在自己的艺术创作中抛却“骄傲”和自我是何等重要，使得旁人会觉得她之所以喜欢网格是因为这些网格缺乏自我意识，摒除了过度的主观影响。

另一方面，机械般完美的极简主义者们又有点太过于“非主观化”，依马丁看来：“他们使自身做到最简以达到某种理想状态。”但她并没有这个问题。她表示：“绘画的目的是具体地表现我们最细微的情感。”

无论是马丁的网格图案还是弗兰克斯特拉（Frank Stella）的抽象条纹都传达出一种”推演的结构”（deductive structure），这是艺术史学家迈克尔·弗雷德（Michael Fried）在评价如何从斯特拉作品中的图形来解释其视觉内容时使用的词语。可以说弗兰克·斯特拉很好地继承了抽象表现主义以及极简主义的对应理论，并且大胆地将两者进行了创新性的融合。然而，马丁则安静地盘旋在两个磁极之间，思考着主观与客观的交界。

她画中的线条通过石墨来表现，这一点很重要。石墨是一种精确的表现媒介，但要表现出这份准确性却需要十足的努力。马丁的图案通常极为严密。但当你坐下仔细审视——这也是你该做的——你会慢慢发现这些画正展现着她为了这份严密而做出的不懈努力。

因此，每一幅画才能够像一个故事一样展开，使得人们脑海中戏剧化的存在都归结于一种清晰的状态。由一幅画到另一幅画的过程证明了这份清晰是一种永恒的追求，而非一个可以到达的终点。或许它们只是彼此独立的画作，却进行着最美的交流。正如策展人特雷西所说：“将马丁的作品放到一个发光的空间中，才能够让人聚焦于她的实践和她对于视觉艺术的坚持，这是毋庸置疑的事实。一时间看到那么多的马丁的作品，会觉得特别欣赏，同时也会讶异于她运用有限的艺术语言却表现了不同种类的艺术作品。”

马丁的作品同时也标志着她对于我们所生存和创造的世界的深刻思考，她一直同我们一起追寻着这条生命之路的意义。马丁曾经说过：“不只是在艺术中，同样在生活中，我们都在时刻等待着，并且不断地迈向真理和真实，求证真理的过程就是人生的历程。”

（编辑：王蕊）endprint