论表现主义美学与表现主义绘画的关系——以康定斯基为例

贾敏书

内容提要：表现主义美学是19 世纪末20 世纪初兴起的现代人文主义美学的重要流派之一，它的诞生具有划时代的意义，其主要代表人物是克罗齐和科林伍德。表现主义绘画作为反传统的艺术语言盛行于20 世纪初的西方世界。艺术家们反对现实主义和自然主义，强调艺术表现要遵循人的主观精神和内心情感。表现主义美学与表现主义绘画在一定程度上相互联系、相互融合、相互影响，可以说表现主义美学是表现主义绘画的理论依据，表现主义绘画是表现主义美学观点的实践证明，它们强有力地推动着现代西方表现主义的发展。

表现主义美学是现代西方美学史上的一个重要流派，它是同古典美学挥手告别，由再现向表现过渡的美学流派，它的诞生对整个西方美学史具有划时代的意义。作为反传统的意识形态出现，这一理论在19世纪末就已经产生，而真正成为独立的现代观念与重要的理论思潮登上社会历史舞台是在20世纪初，该派的主要代表是意大利的克罗齐以及他的学生科林伍德。

表现主义绘画作为反传统的艺术语言盛行于20 世纪初的西方世界。1901 年法国画家朱利安·奥古斯特·埃尔韦为表明自己的绘画不同于印象派而首次使用此称呼，后来德国画家也在技巧、线条、色彩等方面进行了大胆的创新，逐渐形成了派别。表现主义作为一个反传统的艺术流派，他们不满于社会现状，要求改革，要求“革命”。在绘画创作上，艺术家们反对现实主义和自然主义，他们要求表现真实事物的内在本质；要求冲破对人的行为和人所处的环境的真实描绘而揭示人的崇高灵魂；要求不再停留在对暂时和偶然现象的记叙而展示其恒久的品质。这种要求强调了艺术表现不是对客观事物的忠实摹写，不是单纯的再现世界，而是要把眼中之物变成心中之象进行描绘再创造，以探求艺术家的主观精神和内心情感。在追求这种艺术的过程中，他们放弃了对客观事物的复制，导致他们形成了对客观形态的夸张、变形乃至怪诞处理的思潮，从而给西方注重再现的传统艺术带来巨大的冲击。从这个定义上来说，抽象画家的先驱康定斯基应是表现主义绘画的代表。

表现主义美学与表现主义绘画，共同推动现代西方表现主义的发展。虽然他们之间是两个独立存在的意识学科，但两者在精神实质与思想核心上是具有共通性的，而且在一定程度上相互关联，相互融合，相互影响，可以说表现主义美学是表现主义绘画创作的理论依据，表现主义绘画是表现主义美学观点的实践证明。

一、表现主义美学与绘画的反传统思想

表现主义美学是在一种全面的反传统的社会历史背景下产生、形成和发展起来的，它对现代西方美学的发展产生了极大的影响。表现主义美学反对传统的摹仿论，推翻理性主义的主导地位，确立非理性主义在艺术创作中的地位。“克罗齐—科林伍德”的表现主义美学是20世纪形成最早、影响最长的一个非理性主义美学派别，在西方美学由传统向现代过渡起到了重要作用。同样，这种用非理性主义颠覆理性主义的主导地位的反传统思想在表现主义绘画中也有所体现。

表现主义绘画强调的不是艺术外在的社会功能，而是把艺术家的内心经验放在第一位，并且敢于面对内心深处那些隐秘的、真实的情感思想。抽象画家康定斯基在这一方面做出了重大的贡献。早在1895年莫斯科举办的印象派画展上，法国画家莫奈所作的一幅油画《干草堆》，引起了康定斯基的关注并留下了不可磨灭的印象。这种经过调和的色彩表现出的非客观的物象对他产生了巨大的影响，并且使他开始思考关于客观对象是否应该成为绘画所不可缺少的因素的问题。然而让他最终坚定地站到彻底反传统的立场上的是他的一幅画作。他在《自传》中回忆，某天晚上回到画室，发现一幅画充满耀眼的光芒，当走近时才发现是画作倒置了。第二天早上把画放正后，昨天晚上的那股美竟消失了。这件事给康定斯基莫大的启示：“画面的形象与色彩依附自然主题时，观赏者总会在画面上寻找他画的是什么，而忽略了形象和色彩固有的特质与功能。若将形象与色彩从自然的主题中解放，则会发挥它的特质和功能。”从此，他的绘画摆脱了传统绘画的束缚，从具象的桎梏中完全解放出来，给20世纪画坛以前所未有的崭新视觉冲击。

二、克罗齐的“直觉说”与康定斯基的“内在需要”

克罗齐的表现主义理论深受黑格尔唯心主义思想的影响，在西方学界被誉为新黑格尔主义者。在哲学上，他和黑格尔一样，强调“绝对精神是世界的本源”。同时他还在黑格尔的哲学观点上加以修正并提出“唯有精神存在，精神创造了一切，精神赋予了精神的对象以规定性的东西（本质）”。

克罗齐的美学理论核心是“直觉即表现”，这个命题的提出是由他的哲学观所决定的。他认为直觉分为两种：一种是生命冲动的绵延；另一种是观照上的直觉，是对对象和生命体的顿悟。克罗齐对直觉的研究深刻而透彻，在理论中他把直觉分为四个层次：第一层面是感受，第二层面是印象，第三层面是赋形，就是他所说的直觉即表现，第四层面是意象。在第三层面的基础上，他又进一步把直觉分为四个方面，使他的直觉说具有更加宽广而深层的内涵：第一，直觉是知识，直觉具有价值。从直觉的产生看，直觉是由想象而来；从直觉的内容来看，直觉是关于个体的，而不是普遍性的；从直觉的对象看，针对地是个别事物而不是个别事物间的关系；从直觉的结果看，直觉产生的形象化的意象，而不是概念。第二，他的“艺术即直觉”的理论，强调形象思维在艺术创造和审美鉴赏中的重要性。克罗齐认为，直觉是心灵赋予杂乱无章的、无形式的质料、物质以形式，是心灵主动的赋形活动，不受外界刺激。第三，“直觉就是表现”，强调了主体心灵在审美创造活动中的决定性作用。这里的表现指使无形式的印象从感受的昏昧状态进入到心灵观照的明朗状态。直觉即表现，直觉即赋形。第四，强调艺术自身的主体独立性。直觉是在内心完成的，不需要外在媒介。除了上述的美学观点之外，克罗齐还列出直觉即表现即艺术的定义所包含的五个否定要点。首先，艺术不是物理事实，艺术是心灵活动。克罗齐认为：“不存在自然美，都是经人加工后的才是美。”他说：“审美的事实在对诸印象作表现的加工之中就已经完成了。”当人的主体对物象进行赋形之前就已经完成了审美，所以说直觉一瞬间即审美。其次，艺术不是功利活动。艺术包含快感，但快感不是艺术的本质或功能。艺术不是认识活动，它传达的是一种直觉。第三，艺术不是道德活动，不能用道德标准衡量艺术，艺术是排除功利、理性的。艺术做不到教育人的活动，不能迎合低级趣味。第四，艺术不是概念或逻辑活动。概念具有普遍性，而艺术具有特殊性。第五，艺术不能分类。由此可以看出克罗齐的美学理论核心是直觉即表现，表现即艺术。直觉强调内心，不表现出来。

康定斯基说：“绘画有两种，一种是物质的，一种是精神的。”他作为抽象绘画的先驱，他认为：“抽象绘画不单是‘造型的’，也是‘精神的’，而色彩与形象只是用来表现‘精神’的符号罢了。”他宣称色彩与形象二者需由心灵深处来感受，并依照“内在需要”来创作。康定斯基曾总结出一整套的有关抽象主义艺术的理论，主要包括两个方面：其一，艺术不是客观自然的摹仿，而是内在精神的表现；其二，艺术表现应是抽象的，而具象的图像有碍于精神的表现。他认为：艺术家“必须观察自己的精神活动并聆听内在需要的呼声……内在需要所要求的一切技法都是神圣的，而来自内在需要以外的一切技法都是可鄙的”。康定斯基所说的“内在需要”，想必是指艺术家所体验的表达精神的冲动。他把“内在需要”归纳为三个必要的因素：个性的因素、风格因素和纯艺术因素。在这三个因素之中，他认为最重要的是第三个，他说“只有最完善的艺术的要素将永世长存”，“第三要素在作品中占优势的人，正是伟大的艺术家”。（图1）

在康定斯基看来，艺术与自然是两个独立存在的世界。一件艺术品的成功与否，最终取决于其“艺术”的内涵与“审美”的价值，而不取决于它是否与外在世界相似。他的观点与克罗齐的“直觉即表现”，“表现即艺术”不谋而合，强调了艺术的创作是要靠内心的直觉来表现。正因为此，他的画最终走向了抽象。

图1

三、科林伍德“艺术是情感的表现”与康定斯基“视觉的音乐”

科林伍德作为克罗齐的学生，他在克罗齐的思想理论基础上继承和发展了表现主义美学理论。科林伍德的美学思想核心是“艺术是一种富于想象力的情感的表现”。他的表现主义美学观点主要有三个方面。第一，艺术的本质是每一种活动都受到三种要素的指引，分别是理论的要素，实践的要素，情感的要素。艺术是一种活动，所以艺术是理论的、也是实践的、也是情感的。从理论上，艺术是想象；从实践上，说艺术追求美；在情感上，艺术是美的、享受的艺术；同时艺术又是特殊的活动，表现或艺术都不是一种技艺。科林伍德认为，艺术与技艺不同，技艺是包含目的性，包含计划和手段、预见；真正的艺术是表现的，不是再现的。表现是唯一，而再现不能表现情感。通过对三种要素的深层阐释和说明，能够更深刻理解他的艺术观：艺术的情感表现是个性化的情感表现；艺术的情感表现是非选择性的表现；情感表现不暴露情感；艺术表达的应是公众的情感。第二，科林伍德不同于克罗齐，他认为艺术可以分类。第三，关于自然美，自然有美的属性。他认为“自然的歌是天真无邪的歌，艺术的歌是经验的歌。”纵观科林伍德的美学理论，其脉络基本与克罗齐保持一致，但一些观点又有着他独到的见解。

康定斯基强调主观感情在创作中的主导地位，他认为音乐和绘画具有共通性，都是“完全抽象的艺术”，因此，他在绘画创作时运用与音乐类似的性质，去发现表现主义的主题，遵照艺术家的想法，通过色彩和线条、空间和运动，表现出一种内在精神的情感。康定斯基认为艺术家可以洞察到精神世界的本质，是因为艺术是心灵的活动，是绝少数人察觉的“心灵感悟”，是一种隐含在客观物象形式下的心灵的特殊形态。

1910年至1914年可谓是康定斯基绘画发展中的“戏剧性时期”。这一时期的作品风格被归为“抒情的抽象”，它们往往只是以某种极简单的色块或线条暗示出来，而且色块常涂在轮廓线外，这时线条、色彩及形状本身显然比描绘的故事重要得多。康定斯基抽象主义艺术观的产生，是受到音乐的启示。他认为，绘画应与音乐一样，寻求表现艺术家的内在精神与灵魂，寻求表现艺术的内在意蕴，不应该受到自然客观现象的约束。他说：“一个画家如果不满意于再现，而渴望表达内心生活的话，他不会不羡慕在今天的艺术里最无物质性的音乐在完成其目的时所具有的轻松感。他自然地要将音乐的方法用于自己的艺术。结果便产生了绘画的韵律、数学的与抽象的结构、色彩的复调，赋予色彩以运动的现代愿望。”按照音乐与绘画相通的观点，他的许多画都被冠以音乐的标题，如“即兴”、“抒情”等。康定斯基还曾形象地用乐曲的弹奏来比喻画家的创作，“色彩好比琴键，眼睛好比音槌，心灵仿佛是紧绷着弦的钢琴，艺术家就是弹琴的手，他有意按动着各个琴键，以激起心灵的和谐的震动”。可见康定斯基对音乐有着敏锐的感受力，同时也是一位想象力丰富的艺术家，他通过对音乐的想象，把自己的情感融入绘画的创作中，展示出他独特的内在精神与主观情感。（图2）

图2

四、结 语

第一次世界大战前后的硝烟刺激了表现主义的滋生，大机器的生产方式和机器辖制下的非正常人性的社会背景是表现主义扎根的土壤。而在现代科技对人的异化作用下，使人们在强大时代氛围中显示出的渺小，人情的沦落，宗教伦理的丧失，共同聚集成表现主义生长的环境，促使表现主义成为这个时代独特的标识。表现主义美学作为现代西方美学史上的一座里程碑，屹立于20世纪的艺术舞台之上，成为西方美学史上的一块瑰丽珍宝。表现主义绘画最初如未经雕琢的璞玉，经过艺术家们的认真研磨与潜心创作，最终使表现主义绘画在现代美术的潮流中崭露头角并傲立于西方艺术之林。可以说表现主义美学和绘画是表现主义运动的两股巨大势力，推动着现代西方艺术的发展。两者在一定程度上相互关联，相互融合，相互影响。表现主义美学提供了理论依据，表现主义绘画提供了实践证明。