论舞蹈创作中编导的心理机制

罗成芳

〔摘要〕本文主要从舞蹈创作者的心理思考出发，进行分析、研究，寻找能够有效反映创作本意、准确表达思想主题并突出作品个性特点的思路和心理过程。

〔关键词〕舞蹈创作编导心理机制

一、舞蹈创作现状及存在的问题

近些年来，随着我国社会经济大发展，国内文化艺术呈现出大繁荣的景象，各种舞蹈比赛层出不穷，全国层面的就有文化部的全国舞蹈比赛、中国舞蹈家协会的“荷花奖”舞蹈比赛、CCTV电视舞蹈大赛以及“桃李杯”全国舞蹈院校的比赛，各省的就更多了，几乎每个省都有。在这些大赛的促进之下，舞蹈创作生产数量也随之大幅度增加，于是就出现了众多的舞台艺术作品。这些作品从艺术性上来看比以往有较大提高，演员的舞台表现力、编导的创作手法均大有长进。可是，如果冷静下来观看、分析便会发现作品的“时代”风格特征明显，这个风格在一定程度上是舞蹈艺术发展的成功标志，可又不免使人有雷同之感。为什么会出现这样的现象呢？大家都知道艺术作品核心是对“真、善、美”的追求，通过创作者不同理解以及构思产生表现手段、方法的不同，但本源“真、善、美”是核心，也是最终的落点。可就是因为都知道，往往就会丢失源泉，不能由内而外，从现象走向另一个表象。因为在全球化的进程中，所有的资讯可以快速、便捷地传输，有利于大家快速全面地掌握时代的风向标。那就是每当一场大赛结束，总会评出一、二、三等奖若干，这些获奖作品在一定程度上就是优秀的标准。在这样的背景下，众多的创作者会不约而同地去向优秀的作品取“经”，学习它，甚至是模仿它，于是乎明显的“时代”风格就会潜易默化地效仿。再加上比赛周期频繁，留给创作者的时间有限，为了能够获得好的成绩，降低失败的机率，向之前获奖的作品看齐，至少那些作品是有代表性的。于是创作者在忽略“本源”的心理作用下，在多种要求的制约、牵引中就会走上一条以模仿、追求风向为创作过程的心路历程。在这种心理之下，运用动作发展变化的编创技法大行其事、泛滥成灾，那么，雷同就自然而然了。

现有的问题大致有以下几点：1、多数作品创作手法相似，独创性不够，这种相似体现在舞蹈的段落结构基本都是用相同、相似的手法进行处理，使人看上去会有似曾相识的感觉。2、思想、情感深度不够，作品所需要表达或抒发、歌颂的主旨没有在巧妙的构思中完成，颇为生硬地表现主题，有些还会出现简单粗暴的方式。如舞到高潮时，不能靠舞蹈本身表现，用演员的喊声推动作品，这是舞蹈倒退的表现，因为创作者没有方法用肢体语言表现，推动情感的升华就只能依赖于较为直接的喊声刺激观者，忘记了前人的总结：咏歌之不足，不知手之足之舞之蹈之的道理。3、舞蹈动作编创上崇尚技法，依赖技法，思路是一味的出新，总是要将动作变化到无穷，连接上永远的顺畅，导致手段丰富，表达有误，结果看不懂的现象。

二、舞蹈创作的心理过程及方法

针对以上现象，找到舞蹈编创核心，从而理出创作过程，这可以给舞蹈艺术发展提供一个必要的方法，也可以有效避免以上问题的出现。这是编创的方法也是编导的心理思考过程，强调“一生二、二生三、三生万”一环扣一环，环环紧扣，有因有果，创作出符合编导本源的作品。

首先，设定主题（作品最终审美理想）。编导需要找到最想要表达什么、抒发什么、说什么话，这里一定要注意是“最”。只有在最的情况下，情感才是饱满的，才有可能在后期的编创中有效地表现。如若不然，信手拈来的主题很有可能就是之前看到过的、听到过的，因为人的头脑思维总是会将熟悉的东西最先反应出来，那么这种思维就会有依赖性，将思维引向你所熟知的地方，就会默默带领着你前进，重走他人之路，创的新意就得不到释放，作品必将陷入雷同的怪圈。创作者思考主题的过程如同给洋葱剥皮，要一层一层，去掉感知的表象，直达情感的核心。这是一个非常艰辛的过程，是思维的最高境界，将所有已知事物经过思考，转化为体现有自身的特点、具有不可替代性、是你存在根本的思想情感。将以往之所见、所听全部抛于脑后，头脑中只有你自己的想法，产生创作新意。此新意也是未来整个作品所要表达的主题思想。要有明确性，是核心，看不见摸不到，但创作者和观看者及演员是可以感知到。后续的编、创、排及呈现过程都将会紧紧围绕它进行。如近年东北师范大学音乐学院舞蹈系王舸、韩真创作的舞蹈作品《中国妈妈们》，该作品一经推出便引起国内轰动，无论是专家评委、专业人士还是广大观众均对此作品有很高的评价，称之为“难得一见的感动”。作品主题是表达母爱，这也是创作者最初动机。整个舞蹈紧密围绕着“母爱”进行，可是在中国的舞台上表现母爱这一主题的作品多不胜数，怎么样和他者有区别呢？不至于陷入雷同的境地？通过创作者的采风了解，结合自己已有知识，经过综合思考，产生了通过中国母亲这一群像表述一个没有国界，甚至是超越爱恨的伟大母爱形象。这样的主题一定离不开创作者自身的思考，带有明显的独创性，是区分于他者的典型代表作。在作品进行到高潮时，音乐中响起稚嫩童声：“老玉米，金黄黄，养育了异国的小儿郎，我捧着玉米回头望，地里站着的是我娘……”，字字清脆，感人肺腑。观众会在此时将所有的一切全部忘记，进入到创作者所营造的氛围中感知作品的主题。

第二步，解释主题。通过结构，产生框架，再转化为身体动作语言。使观者能够进入氛围，在氛围中感知主题。在解释时需要考虑、关照共性，因为这种共性才是观者感知、理解作品的必然。可能是情感共性，也可能是动作符号所蕴含的文化旨意（如拥抱代表着两者之间的紧密情感）。这时需要考虑有效的结构和动作来诠释。这是舞蹈作品编创最为关键和复杂的时候，这一阶段需要创作者大量的脑力劳动和体力劳动，在不知疲倦中思考、练习、磨合所思所想，使舞蹈结构能够准确、严密并且充分地将主题包含，主题通过这样的结构可以清晰、全面地表现。同样如《中国妈妈》这部作品：引子（憎恨）———开端（接纳）———发展（养育）———高潮（感恩）———结尾（妈妈们的孤老），五个段落结构清晰明了地将作品主题母爱阐述。环环紧扣，层层推进，跌宕起伏将观众引入到感人至深的剧情之中。在舞蹈的主题之下，框架之中，将内容转化为身体动作语言表达，也就是舞蹈动作，这时需要仔细考量外化动作的准确性和必要性，避免过多技术层面的产出。准确性是最关键的，动作一定是有目的存在的，称为“无声的言说”。舞台上每一舞动均暴露在观众的视野下，通过直观的看转化为观者内部的思，这种转化建立在动作表达的基础上，故演员的动作必须是能够准确诉说情感，否则容易产生歧义影响到主题的表达。必要性是对创作者一个限制，限定所有的动作必须在主题框架范围之中。不能出现他处的舞蹈动作看似可以，挺好看、挺舒服、挺顺就用想当然的心理，这也是近些年较为多见的现象。演员在舞台所完成的动作必须有目的性并且目的性明确，达到直接且有效的功能。在以上因素的综合考量下，创作者就需要具有分身思考的能力，既要成为一名编导，根据要求编创动作；又要成为一名观众，站在观众的视角审视作品；还要成为一名演员，思考动作在完成过程中的优劣；编导在这三种角色之间不停转换，站在不同角度审视，思考选择出最好的方式创作作品。

第三步，确定舞种与形式。当以上两点已经在创作者头脑中明确之时，就可以进入到外在形式的思考，考虑是什么样的舞种，是什么样的舞蹈形式。民间舞、当代舞、现代舞、古典舞等均有各自所属，表现也各有优长，那就需要根据主题来确定。如表现中国古代经典文化、人或事以及典故的可能用古典舞这一舞种更为妥当，用当代或现代舞种可能就不恰当。再如群舞《中国妈妈》用当代舞表现就比用东北地区的民间舞要好很多，用群舞就要比独舞、双人舞、三人舞好。因为这是在今天的视角下表现中国的母亲群像，更可以上升为中国人的一种博爱精神，不是局限在具体哪一个人或哪一个地区的事，是一种大的情怀。当然不能一概而论，也会有例外，在主题之下，视角不同，流派、风格不同，舞种形式可能也就有所不同。

结语

这种创作思路就是从内涵入手，寻找内在的基因，基因组合排列发展到外延：作品结构及动作组织，在基因排序的基础上，构成有机的生命体，再来考虑舞种、形式如同给生命体穿上衣服。通过给某一种形式穿上舞种的外衣，舞蹈作品便可以走上舞台，迎接观众的欣赏。那么舞蹈编创所需要的编导个人审美理想“真、善、美”通过组织结构、动作外化便得以实现。从理性的角度出发构建感性的情感表述结构，在理性与感性之间游走、穿梭，寻找可以有效表达的动作语言，再穿上舞种与形式的外衣，编导创作的心路历程就可以实现最初梦想的“真、善、美”。（责任编辑杨建）