乐中有舞舞中有乐——浅谈音乐与舞蹈的联系

■徐行

乐中有舞舞中有乐
——浅谈音乐与舞蹈的联系

■徐行

舞蹈自古和音乐就是一体。据史书《礼记·乐记》记载：“凡音之起，由人心生也。人心之动，物使之然也。感于物而动，故形于声。声相应，故生变。变成方，谓之音。比音而乐之，以干戚羽毛，谓之乐。”可见在我国古代“乐”字包括音乐和舞蹈两种含义，舞蹈离不开音乐，音乐在舞蹈中占有非常重要的位置。无论是从外国或中国舞蹈艺术发展的历史来看，舞蹈艺术中舞蹈本身的进展和音乐的进展也总是相辅相成。在舞蹈艺术总的概念中，音乐是与其不可分割的。

从艺术的特征来看，舞蹈和音乐均在时间的推移中展开主题，刻画形象。音乐旋律的低昂起伏，如同舞蹈韵律的高低变化；和声色彩的对比，就好似各种场面造型的变换。舞蹈和音乐，两者均依靠结构、节拍和节奏组织起来，但正如《乐记》所说：“诗言其志也，歌咏其声也，舞动其容也。三者本于心，然后乐从之”发自内心的歌和舞同是时间艺术，同样善于表现感情活动过程，这一共性为舞蹈和音乐共生提供了可能性。

音乐是听觉的艺术，它能独立存在，但很抽象，看不见摸不着；舞蹈是视觉艺术，可看不可听，具有美丽的形象，丰富的造型。然而，仅仅靠舞蹈本身是难以独立的。音乐能把舞蹈造型组织连贯起来，给予舞蹈以生命，它是舞蹈的灵魂。舞蹈依附于音乐，好比鱼儿离不开水，犹如骨肉相亲。反过来看，舞蹈将音乐形象具体化，亦为音乐增色，它可以帮助观众从视觉到听觉都得到美的满足。二者交相辉映就更加光彩夺目。因此可以说，在任何类型的舞蹈中，音乐是舞蹈的内涵，舞蹈是音乐的外延。这就是二者共生的必然性，我认为舞蹈依附于音乐，包括伴奏音乐以及演员通过动作节奏——强弱慢快——体现出来的内心的音乐。

舞蹈与音乐的关系不能简单的理解为谁先谁后，谁解释谁，谁高于谁，因为它们都有着各自的特点和规律，两者既独立而又相互联系。当它们同时出现于舞台上时，应该把各自的特点和形式统一在舞蹈所规定的情节和人物的感情中，为完成作品规定的任务而协同工作。如果解释的话，只能是它们共同解释作品的主题思想，脱离具体的情和景的内容，过分的强调某一表达形式，都会走极端。艺术的美贵在协调统一。

舞蹈创作中把舞蹈和音乐结合的很完善的作品，人们一致认为要数英国编导杰诺姆·罗宾斯，其代表作品是根据与他不同时代的“钢琴诗人”肖邦的一首玛祖卡乐曲创作的一部芭蕾《聚会之舞》，表演时，钢琴与舞蹈演员同现台上。罗宾斯在这部作品中不是用单纯的模仿音乐的手段和模式，而是既运用音乐的一些手法，又进行巧妙的演绎，从而既使舞蹈动作摆脱了音乐规律的束缚而自行发展，又不违背音乐的精神；舞蹈和音乐在这部作品中，可谓水乳交融，融为一体，从这个实例看，音乐与舞蹈即使是形式，时空上的分离，但其内在的联系依然存在。

音乐与舞蹈，二者不过是一种对真、善、美这一内容的表达形式，这种形式具体的归结到作曲与编导身上，无论作曲与编导采用何种形式，手段上的展开突破，最终都要归于共同的主题内容上。抛开任何客观的具体和个体的事迹，要使这二种形式达到最终的和谐统一，贵在内容的充实与升华，否则，空中阁楼式的表达手段，犹如着身于死者身上的时装，无论其多么华贵、时尚，葬礼的步伐对它只能意味着消失、灭亡。

音乐节奏在芭蕾课堂上的体现

芭蕾舞课堂的训练离不开音乐，其动律的基础是音乐的节奏，动作是根据音乐的节奏，在不同的空间和时间里表达它多样的舞姿和造型。如果舞者不顾音乐节奏去舞蹈，就不能使观众得到视觉上和听觉上的完美统一。

芭蕾舞动作随着音乐节奏的起伏变化，而形成的动作姿势，造型上力度的强弱，同时还形成速度快慢、时间长短、幅度大小、动作圆滑钝拙等诸方面的对比规律，正是这种对比规律形成动作不同风格特点在节奏上的动态规律。音乐节奏还是形体动态的感情力度的基础，是组织舞蹈律动的形式，是规范动作的强有力的纽带，因此音乐节奏对芭蕾舞动作的指示性，决定了它在芭蕾艺术中的地位。

音乐节奏的快与慢对诸多方面产生了影响。首先，对肌肉产生的影响，众所周知，构成人体全部材料中肌肉是最多的。人类的一切活动从日常劳动，竞技体育直到大脑思维，肌肉都是最直接的劳动力，肌肉在人体上的合理分布以及肌肉本身的绝妙功能，能使人有意识的完成各种动作。因此，肌肉素质好坏对于一个芭蕾舞演员来说是非常重要的。然而，肌肉素质的能力，一半来源于舞者的自身条件，但后天的培养也是至关重要的。动作正确的用力方法和动作所要训练的能力，是在音乐的节奏中完成的。所以在教学中必须要求学生按照教师所安排的节奏严格训练。一个学生肌肉能力的增长完全是在音乐中培养的，一个不听音乐，永远四平八稳的人是不会有好的肌肉能力的，也不会有演员所需要的表演激情的。比如在训练时如用3/4节奏的慢板音乐做Demi Pile动作2小节一次，经常会出现1就蹲下去，da da两拍静止不动，这时肌肉静止运动处于休息状态，然后一下子就立直没有在节奏中使肌肉再伸一下，使肌肉真正使上劲。这样的Pile训练出来的肌肉是僵化、没有柔韧性和力量的。因此在慢的Pile时，必须在音乐中把每一个音符填满，调动起肌肉的积极性，使其真正最大程度的运动，从而使肌肉获得有效的锻炼。又如扶把动作中的Fondu，教师总是强调学生用主力腿膝盖来合音乐，而动力腿则是用脚背和脚尖来合音乐。不听音乐的学生，一下子就弯着腿，在蹲的静止上等音乐，或是一下子伸直了，起不到伸拉肌肉的作用，这样练出来的肌肉是僵的，没有柔韧性，后果也是我们可以预料的！

其次，音乐节奏对情感产生影响。音乐节奏使动作力度的强弱、速度快慢、幅度大小产生了有机的变化，导致了抑扬顿挫，轻重缓急含有感情象征的各种动作出现，可以说音乐节奏是体现动作情感力度的基础。芭蕾舞演员在舞蹈时表现特有的情感，一切动作的变化，如果没有乐句的长短和音的强弱固定性的配合，也就组织不起来味道语言的起伏，从而使舞蹈表达情感的功能受到阻碍。因此，音乐节奏是激发芭蕾舞演员感情的钥匙，一切富有感情节奏的音乐，能激发舞者的情感，在音乐中的各种慢板快板等一连串的音乐旋律节奏，均体现舞蹈形象和感情色彩，它是演员掌握舞蹈动作的符号。又如离把练习中的Adagio是以训练舞姿的基本形态和各种连接变化舞姿，以求得重心稳定的组合。有时教员安排节奏时，把舞姿的静止时间处理较长，这时伴随着音乐不能只做死板的肌肉动作，要教会学生们用心去合音乐，用心和神去把舞姿无限舒展，注入生命。主力腿也要在音乐中把力量伸入“地下”，在和地球的反抗中求得挺拔和稳定。从某种意义上来讲，静止的合音乐要比动的过程合音乐难度大，这是一种内功，是心和神的节奏感，是人体每一个细胞里的节奏感，要在静止的音乐中贯注自己的情感，并将情感宣泄得淋漓尽致，与程式化的动作和流畅的音乐融为一体。如果具备了这种能力，舞蹈便有了生命力。

培养学生的“乐感”至关重要

在我们目前的舞蹈教学中，教员常常会碰到很多孩子不听音乐，节奏感差等现象，这是一个教师课堂教学中普遍会遇到的问题，这些统称为

对“乐感”的培养。而“乐感”和我们前面提到的肌肉能力一样，一半来源于先天因素，后天一样可以通过有利的方法进行弥补，因此后天培养是至关重要的。

舞蹈演员首先要对音乐的节奏有深刻的认识。学生第一次上排练场，钢琴伴奏老师已经给你上了节奏的第一课。学生在把杆动作和中间动作的基础训练时，最先接触的就是钢琴给予的节奏。节奏是什么？首先是将时间划分为长短相等的单位“拍”，再将“拍”组成为两个一组（二拍子）或三个一组（三拍子），再把长短不同的音符组织到拍子里来，就成了有艺术生命力的“节奏”。最主要的问题是如何能够使伴奏者与教舞者配合好，把“节奏感”的认识交给学生，使他们日后排练节目时，懂得音乐节奏与舞蹈节奏该怎样配合，为共同塑造完美的艺术形象打下坚实的基础。

音乐伴奏在此方面是主要的，可以帮助学生完成技术动作，使舞蹈动作做得更完美、更标准，这是钢琴伴奏老师所担负的重要任务。实践证明，要完成这项任务，则必须熟练舞蹈的性质、特点、规律和变化，在音乐的性质、处理、安排和运用中做到与之协调，才能获得理想的教学效果。如控制，这是课堂中最主要的环节之一，通过腿部和上身的控制，使腿静止在空间形成各种舞姿并充分表现出舞姿的美感。因此，音乐要选编艺术性较高，和声组织体较丰富的乐曲，通过美妙的音乐语汇，促使舞蹈更加优美、抒情、赋予表现力。另外，动作的特点要加强腿部和上身控制能力，因此要求音乐伴奏有起伏、有动力，要连续不断地把乐曲一气呵成弹奏完。经验证明，好的控制音乐，往往起着很大作用，更可以延伸动作的控制力量和时间，以最佳的水平把动作圆满完成。音乐采用4/4、3/4、2/4拍，柔板，慢板均可。可见音乐的节奏性与旋律线条在舞蹈训练中对动作的提示、身体的位置、情绪的变化都发挥着积极重要的作用。音乐的强、弱、高、低，旋律的起伏，都会在舞者的内心产生不同的形象思维和动力。因而，学生的动作也由此在质感上发生变化。作为舞蹈教师，首先做到所编的组合或舞蹈要与音乐曲目协调才能要求舞者合好音乐节奏，理解音乐的性质。动作韵律与音乐节奏融汇贯通，追求丝丝相扣。然而对于学生的要求来说，可以形容为听音乐就像遵守法律一样，不听音乐是违法行为。因为不听音乐就失去了对肌肉的训练意义。也就失去了上训练课的意义。作为教师，要强制学生听音乐，等到学生习惯听音乐做动作时，他就自然的进入了自由王国，会处理和表现音乐了。

既然“乐感”对舞蹈如此重要，那么培养“乐感”对学生来讲比培养“节奏感”更为重要。因为乐感是除了对动作节奏的平均分配之外，要更全面理解舞蹈音乐的内涵（包括旋律与曲式结构）才可以完成教学的任务。舞蹈大师吴晓邦早就著文批评只看重身体条件或片面追求技术的倾向，这只能出现那种游离于舞蹈人物之外的技术表演，不见动人的思想感情，失去了舞蹈人物的个性特点，缩小了舞蹈的表现范围，如果不重视或根本不用“乐感”表现舞蹈人物，最终只能成为一个“工匠”，而与舞蹈家的称号无缘。

“乐感”的培养，归根到底是一个艺术素质的培养问题。教师和钢琴伴奏者的亲密合作更有利于培养芭蕾舞者的艺术思维，不仅培养了他们的音乐素质，而且也培养了他们能自觉地理解音乐节奏与舞蹈动作的联系原则，养成动作与音乐节奏彼此吻合的习惯。因此舞蹈学校应当把学生的音乐教育提到应有的高度。作为芭蕾舞教师及演员，我深深感到我们应该重视和研究钢琴伴奏对舞蹈的积极作用，使舞蹈人才培养的辅助工作得到重视，让艺术的苗子在音乐的潜移默化的滋养下，逐渐做到乐中有舞，舞中有乐，声情并茂，为我国培养出更多有芭蕾造诣的艺术人才。