音乐创作的实用性方法与写作技巧之管弦乐篇——针对非专业音乐院校作曲专业方向学生

孙璐莎 （暨南大学艺术学院音乐系 510000）

音乐创作的实用性方法与写作技巧之管弦乐篇
——针对非专业音乐院校作曲专业方向学生

孙璐莎 （暨南大学艺术学院音乐系 510000）

前言

在高校中，作曲专业方向（包括与之有关的电子音乐专业方向）的学生大致分为两类。一类学生中考就进入专业音乐院校附中的高中部学习作曲，且从小就开始学习钢琴，俗称科班出身，而高考时这类学生的选择依然是专业音乐院校；另一类学生是普通高中毕业，由于热爱音乐，在高考时会选择综合类大学艺术学院的作曲专业方向。专业音乐院校与非专业音乐院校最大的区别在于课程安排不同。专业音乐院校的文化课比例很小，而非专业音乐院校的文化课比例非常大。综合类大学艺术学院作曲专业方向的学生既没有高中三年循序渐进的专业课功底，又不能在大学时把全部精力和时间放在专业学习上，他们毕业时还要与专业音乐院校学生达到相等的专业水平，与之竞争。因此，他们的专业课学习会感到力不从心，尤其是创作方面会与专业音乐院校学生形成明显的差距。针对非专业音乐院校学生（以下简称学生）的现况，本文从分析与写作两大方面对此类学生的管弦乐创作提供实用性帮助。

一、分析

分析是任何形式的艺术创作都必须经历的训练环节，可以学习到前人如何把专业理论转化为实际创作，对于管弦乐创作来说也不例外。在管弦乐创作之前需要完成的课程有和声、曲式与作品分析、总谱读法、复调、配器、音乐作品赏析等，课程内容繁重。如果学生具备附中三年的扎实功底和大学期间的全部精力，较好的完成以上课程内容也不是必然的，更何况本文针对的非专业音乐院校学生只有入校后才开始相关专业课程的训练，且还有大比例的文化课割分精力，流行音乐的泛滥和专业知识的匮乏又导致学生对管弦乐作品缺乏兴趣。因此，分析管弦乐作品的思路要有所变动。

首先，选择画面感清晰或有小标题的管弦乐，如穆索尔斯基的《图画展览会》、圣桑的《动物狂欢节》等，尤其是一些有鲜明的个人风格的作品，如斯特拉文斯基的《火鸟》，会刺激学生强烈的创作欲望，学生往往在赏析这些作品时，受到作品所营造的音乐氛围的感染，触动学生的灵感，激发创作激情，使他们对管弦乐作品的创作有了崭新的认识，并会试图打破常规，尝试用属于他们自己的音乐语言来完成他们的个性作品。

其次，基于学生的读谱能力差，而一首管弦乐曲的完整分析是一项很大的工程，因此分析作品尤其是大型管弦乐作品时，可以把作品划分成较小的曲式结构，如单乐段和单三部曲式，取其最能打动学生的一部分来进行片段式分析，或针对要了解的创作信息选择片段，如乐器组合最有特点的一部分，和声最具色彩的一部分或最能震撼人心的高潮部分等等，有针对性的片段分析使一些有难度的曲目变得简单化，开阔学生的创作思路的同时也有助于学生把“作曲四大件”的理论融会贯通。

再次，分析时强调“音程思维”会事半功倍。简单的说，把声部进行都简化成音程关系来分析。如果和声在学生的专业能力范围内，那么可以按照正常分析；如果是印象派以后的作品，那么以音程叠加的方式去分析纵向和声会使分析简单化，学生不再为能力有限而放弃对一些喜爱的作品进行分析，可分析的曲目范围得到扩展。

最后，运用图像记忆法背谱。管弦乐创作（包括流行管弦）是集“作曲四大件”（和声、配器、曲式与作品分析、复调）的精华，汲取前人的创作经验而完成的，因此，背总谱非常有帮助。然而，本文面对的非专业学生的基础薄弱，背总谱非常困难。把总谱以图像构图为轮廓去记忆，会比单纯的背谱要有效的多。人类的视觉记忆比听觉记忆更加深刻，而图像的整体记忆要比分散记忆更加深刻。学生可以挑选出对自己创作有较深触动的管弦乐片段总谱，把它当做一幅画来记忆，而不用背一条条的声部走向再进行组合。

二、写作

1.手写管弦乐总谱对学生的音响想象力要求非常高，如果学生的经验不足，几乎想象不出自己所写的作品音响效果如何，因此要借助一些打谱软件如Sibelius和Finale，或是一些编曲平台，如Cubase、ProTools等。这些软件的操作技巧，本文不赘论，需要注意几个问题。首先，在创作的过程当中，还是要遵循“先有谱后有声”的原则。“先有谱后有声”的意思是，先写出总谱，再用编曲软件把总谱输入电脑，然后播放，学生就可以听到自己所写的音响效果。学生四大件的功底本身不够扎实，如果全部依赖编曲平台，跟着灵感走，以MIDI键盘输入的方式使管弦乐创作“先有声后有谱”，那么这个作品会变成一个即兴集成品，缺少逻辑性和结构感，学生只有在“写”谱的时候才能充分运用所学过的专业知识和写作技巧；再有，用MIDI键盘输入的时候，学生弹出来的声部进行很可能是适合钢琴演奏，而并不能适合其他乐器的演奏法，会造成配器法混乱。因此，编曲软件可用于触动创作灵感的迸发和把总谱转换成音响，而不能作为管弦乐创作的唯一途径。

2.管弦乐曲如何开头是学生面临的重要难关。学生往往写了很多开头都不满意，经常快到期末时，由于时间关系，无可奈何

的挑选一个之前写过的并不满意的开头勉强完成。那么作为基础薄弱的作曲学生来说，如何能开一个满意的“好头”呢？首先，可以选择一个自己喜欢的管弦乐开头作为模板，用它的和声、织体结构或者乐器进入的顺序等其中之一项，套用在自己的作品上。有时光凭分析，学生很难把所学的知识融入到自己的实际创作中，这个方法可以有效的帮助学生拥有非常清晰的创作思路去完成作品，写出有足够信心发展下去的主题动机。其次，可以找一些视频，让学生用管弦乐队编制给视频配乐。“闭门造车”对于创作经验不足的作曲者来说困难重重，而视频的画面感及空间感则会激发学生的创作灵感。学生虽然对古典音乐的兴趣不高，但是一些电影配乐大师如约翰·威廉姆斯、詹姆斯·霍纳、久石让等的作品却深深影响着学生的音乐创作，因为“有影有声”。因此，以管弦乐队编制为视频配乐可以增强学生的创作能力，为学生创造写作的“环境”条件。

3.充分利用每一件乐器的演奏技巧，尤其是弓法多样化的弦乐器。学生在创作的时候经常会一气呵成的写完一个声部进行，虽然可以确保声部进行的流畅性，但容易忽略各个乐器的演奏法。一个有灵魂的声部进行需要充分发挥乐器本身的特性才算完美，因此在写声部进行时，每种乐器演奏法的详细标记要一并完成，不要后期填补。

4.管弦乐队的乐器种类很多，音色对比是管弦乐曲的特点之一。一个乐段结构内尽量避免只用一种乐器作为旋律声部。学生经常只用小提琴作为旋律声部贯穿整个乐段甚至更大的曲式结构，不懂得变通。旋律声部不是一定要在高声部，中声部和低声部都可以作为旋律声部，且高音乐器也不止小提琴，还有长笛、双簧管、小号等。一种音色如果长时间作为旋律声部，那么试着把旋律声部移到中低音区乐器上，或换一种同音区的其他乐器。还有一个值得注意的问题，如果一条完整的旋律用一件以上乐器前后完成，那么第一件乐器要停在重拍上，第二件乐器要从弱拍起连接。这样做的目的是为了让这条旋律更加流畅，使乐器交换的衔接点更自然。

5.依然需要遵循的传统和声的几点规则。学过和声的学生都知道，传统和声非常严谨，不可违背的规则繁多，其目的是为了达到音响上的尽善尽美。虽然学生比较喜欢尝试一些新的音乐语言，传统和声已经被彻底打破，然而，无论学生的音乐语言有多现代，有几点传统和声的规则还是需要遵守的。首先，如果是有调性的管弦乐，传统和声功能依然强而有力，那么和弦重复音的规则要遵循，尤其注意正三和弦的三音与七和弦的七音重复次数。三音重复过多会使该和弦变得单薄，不稳定，有经验的人一听就知道；其次，小节前后换和弦的问题。传统和声中“小节前后换和弦”是指四部和声中跨越小节线就要换和弦功能组，那么在管弦乐曲中，小节线前的最后一个弱拍和小节线后的第一个强拍要避免用同一个和弦，但可以用同一个和弦功能组的其他和弦，低音要改变。和弦与和弦功能组的概念是不同的，例如，主和弦与六级和弦是两个不同的和弦，但是都属于主功能组的和弦；然后，平行五八度和隐伏五八度的问题。除了刻意安排的声部重复的情况，管弦乐曲一定要注意两个外声部：最高声部和最低声部的走向，不要出现平行五八度，尽量避免隐伏五八度，以反向进行为主，使和声更加立体；最后，和弦外音尤其是倾向性强的和弦外音的解决要遵守传统和声规则。人的听觉是有期待的，倾向性越强烈对解决的期待越高。传统和声的很多规则都是为了满足人类的听觉习惯而存在的。

6.纵向和声的和弦音如何安排。如果对管弦乐曲的纵向和弦音安排没有把握，那么有两个比较容易掌握的方法。首先，按照乐器组排列。例如，乐队高潮的时候，先在弦乐组的几个声部中安排好和弦音的分配问题，再把铜管组各个声部当做一个和弦的各声部处理；其次，按照乐器音区排列。例如，把在高音区的几个声部作为一个和弦的和弦音安排。这两种方法都可以有效地处理好各个和弦音的重复次数和声部位置。

7.大胆运用和弦外音。和声并不是越厚越好，和弦外音是丰富和声色彩的重要因素，很多学生怕用不好就敬而远之。其实和弦外音的的选择范围很广，只要符合人的听觉接受能力就可以达到可听性。在乐理中，不协和音程有很多，而在实际创作中，不协和音程的范围已经大大缩小，除了在同八度内的小二度和大七度以外，其他和弦在听者的耳朵里已经可以接受为协和了，而小二度和大七度的碰撞也可以经特殊处理做动机发展。在声部数量不多的片段中，横向线条如果注重和弦外音的应用，会增加线条的流畅性，当其他声部也有流动性的线条时，碰撞在一起会有意想不到的音响效果。

8.不要受调性、传统和声与曲式结构束缚。每个学生都希望能够写出有特点的作品，有调性及传统和声的条条框框容易阻碍学生的个性创作，而无调性音乐又缺乏可听性，那么可以尝试用调性游离。不要以乐段为单位一气呵成写完，可以以乐节或乐句为单位，打破TSD的进行模式，尝试用不稳定的和声或色彩性和声完成这个乐节或乐句，然后大胆运用音乐的整体表现手段变化重复，或衍展或改变调式重复，但一定要节省音乐材料，不要轻易加入新的素材，注意乐句的“呼吸节奏”，在变化后要有一定的稳定。这个方法既可以使这段音乐的和声及调式色彩丰富，动摇半终止和完全终止对学生根深蒂固的影响，为后面的音乐留下发展空间，又不会因为调式不稳定而使音乐混乱。模进是最有效的手段，也是驾驭不了转调的学生的首选。

9.和声背景的空间感如何构成。有些学生觉得第一小提琴的声部过薄，就会用第二小提琴重复第一小提琴的声部，其实增加和声的“厚度”并不是在同一个音区完成，就好像在同一条线上画多少次，这条线还是这么宽，在同一个音区重复，宽度没有改变，只是改变了力度。要增加和声的空间感，一定要考虑到音区及音色的因素，纵向开放式排列要比密集排列更加有空间感，即便是重复旋律声部，也要考虑用不同音色或不同音区。当声部线条不多的时候，要避免两个或两个以上的声部用同一个音区同一个线条进行，还要避免两个声部线条在流动中出现同音重合（包括八度以上的同音级音）。

10.在管弦乐曲的创作中，由于声部较多，织体形态不易过多，可以用几个力度平衡的声部构成一组织体形态（与6同义），如果有两组以上的织体形态，要注意节奏上的互补和与旋律声部的配合。固定音型包括节奏音型与和声音型两种，是织体形态中比较容易掌握的一种，它既可以在流动的和声进行中得到一定的稳定，又可以作为不用解决的和弦外音出现，丰富和声的色彩，从音乐的整体结构上来看，还可以使音乐得到统一，学生可以灵活运用。

结语

很多学生觉得，在创作中，学过的“作曲四大件”似乎无用武之地。其实，专业基础课程的根基非常重要，对学生的影响不单单是把理论用到实际的创作中，还有对音乐修养的强化。例如和声这门课程，在实际创作中很多学生已经完全放弃了传统和声的应用，但是，我们在学习和声的过程当中，学到的只有和声进行吗？非也。我们学习到的还有对音乐色彩的敏感度、由和声变化决定的曲式结构感及如何使自己的音乐达到理想的音响效果等等，很多单纯理论知识以外的受益都是潜移默化的，每一个知识点的获得都会影响学生的实际创作。经过长期正规的专业基础课和写作的训练，学生会不知不觉发现，即便是随“感觉”走写出的音乐，一样可以具有逻辑性、结构感和可听性，专业课的精华已经融入到创作的血液当中，这就是专业基础课程精神的体现。

非专业音乐院校学生虽然学习了“作曲四大件”，但由于专业学习时间短，驾驭管弦乐创作的能力非常有限，但优点是容易打破常规，不受学院派教学框架的牵绊。本文提出的内容旨在用易掌握且有效的方法帮助学生把所学到的理论知识融入到实际创作中，扬长避短，理清创作思路，使学生创作出忠于他们内心的有个性的管弦乐作品。