音乐专业舞蹈形体教学之探索

陈 菁

（ 苏州科技学院 音乐学院，江苏 苏州 215009 ）

近年来，随着舞蹈艺术在音乐表演中的比重不断加大，音乐专业的舞蹈教育受到各高校的重视。然而，音乐专业的舞蹈教育既不同于舞蹈专业，也不同于音乐专业，目的是要培养出能唱、能跳、能演、能教的高素质音乐综合型人才。因此，在课程设置与教学方法上，既要符合音乐艺术的特殊规律，又要充分发挥舞蹈艺术自身的美学特征，广泛吸取国外音乐专业舞蹈教育经验，又要充分发挥舞蹈艺术在音乐表演、教学实践中的作用。

一、芭蕾形体训练的价值

（一）芭蕾能够培养学生的气质美

在音乐专业舞蹈形体教学中，芭蕾基本功训练被列为基础教学，这是由芭蕾独特的训练价值所决定的。

芭蕾是文艺复兴时期诞生于欧洲宫廷的高雅艺术形式，属于贵族文化。在芭蕾美学的原则中，讲究线条美、姿态美、心灵美、气质美、力量与速度美、服饰美等。这种“唯美”艺术的训练能增强学生的自信心，培养审美意识和优雅的气质。

一个音乐表演者的举止言谈、形象气质应该成为美的导向，让观众感受到美，因此，音乐专业学生的气质训练尤为重要。

（二）芭蕾能够培养学生的形体美

形体美是音乐专业学生的基本素养。它不仅能反映出学生的文化素养和审美追求，而且是表达思想感情的重要手段。芭蕾形体训练可以使学生克服涣散、松懈、拘谨、呆板、造作的不良体态，使其具有独特的线条美。这是由于芭蕾形体训练和其他形体训练相比所具有的独特性。

芭蕾的形体训练特点可以用四个字来概括，即：“开、绷、直、立”，这是由芭蕾独特的美学原则所决定的。

所谓“开”，即是向外展开，无论是手位还是脚位，包括膝、胯、胸、肩，统统都要向外展开，给人一种开朗、坦白、大气的视觉感受。“开”的训练能够最大限度地挖掘学生原有的线条，延长身体，扩展动作，增强学生的形体表现力。同时训练要求以科学为基础，不可强度太大。

所谓“绷”，是指关节肌肉的收缩，表现为绷脚面，绷膝盖，以及脊柱和颈部的肌肉收缩。“绷”，能改变身体原有的松懈状态，将身体与腿部线条最大限度地延伸，从而产生和保持“开”的动势。这种“绷”与其他训练的“绷”有本质的区别，不容易造成肌肉僵化。

所谓“直”，是使头部、背部挺直，颈椎顺直，全身向上挺拔，从而改变学生原有的自然状态。

所谓“立”，是指头、颈、躯干、四肢，在“开、绷、直”的状态下实现一种整体的挺拔向上、傲然挺立、重心向上引的基本状态，其中还有一个重要的特点是脚尖直立旋转，从而实现三维空间、全方位的挺立。而那些松懈、轻狂、造作、拘谨、呆板的毛病必然在克服之列。

综上所述，芭蕾形体训练的“开、绷、直、立”，所有关节肌肉的收缩绷紧，包括肩、胸、手臂、脚踝、胯部均开放，可以改变学生不良的身体姿态，从而培养舒展大方、健康高雅的形体美。

二、中国古典舞蹈训练的价值

（一）中国古典舞的“精、气、神”能够培养学生的内在神韵

中国古典舞是在继承了历史悠久的中国戏曲艺术的基础上发展而来的。中国古典舞的基本功训练将学生的“精、气、神”作为训练的首要要素。而音乐表演，十分重视人物性格的刻画和演员的气质神韵，要求学生创造人物形象时要精力集中，全神贯注，不仅要形似，而且要神似，是否具有“精、气、神”是衡量演员内在气质的重要因素。

“精”，就是精神，培养学生在表演过程中思想、精力集中，全神贯注。

“气”，就是指呼吸，使学生在表演过程中学会运用气息，调节呼吸，控制呼吸，使语言、动作达到轻捷利落。

“神”，就是要求学生形神兼备。中国古典舞的“神”不仅是描其形，更要传其神，体现出人物形象的神情、神韵。

中国古典舞“精、气、神”的训练，能够培养学生表演时精神、气息、神韵的融会贯通，达到浑然一体的艺术境界。

（二）中国古典舞的“手、眼、身、法、步”能够培养学生的形体表现技能

音乐舞台表演艺术有一个显著的特点，就是注重整个身体的全面协调。通过身体各个部位有目的、合规律、主次分明、协作有序的组合律动来表达内容和塑造人物形象。中国古典舞蹈训练十分注重运用整个身体的各个部位，特别重视“手、眼、身、法、步”的表情、表意和造型能力。

“手”是中国古典舞内涵、境界的体现，在音乐表演过程中也极为重要。这是由于演员在表演中手的活动特别多，“手”不仅有其实用性，而且在表演过程中可以补充表情，特别是表现某种强烈的情感时常需借助手势。中国古典舞蹈训练中特别重视手的训练，并创造出许多手的舞姿，如：云手、幌手、托掌、按掌、山膀、单指、剑指、兰花指、荷花掌、劈掌、冲掌、摊掌、虚掌和实掌等。

“眼”是心灵的窗户。准确、炯炯的眼神可以有力地表达角色情感，增强动作的语言性和感染力。反之，涣散无力的眼神，将使表演的动作散而无魂。眼神的表演不但取决于内心体验的准确性、深刻性，而且有赖于眼神的表演技能。中国古典舞中”眼睛”的训练包括：

1．眼肌和眼球的能力训练：舒眉展眼、摆眼球（横摆、竖摆、快摆）、转眼球（正转、反转、慢转、快转）、放光与缩光（慢放慢缩、快放快缩、快缩慢放、快放慢缩）等。

2．眼睛的表演练习：笑眼、哭眼、羞眼、迷眼、恨眼、睡眼、怒视、傲视、蔑视、环视、惊讶、畏惧、寻觅、回避、焦急、怀疑、惊喜、会意等。

3．眼神同音乐、动作相结合的训练：羞眼、怒视、盲视、畏惧、焦急、陌生等。

音乐表演的眼睛训练，是以眼睛为核心的面部、头部的训练，在过程中要避免面部表情脸谱化。

“身法”。中国古典舞中对学生“身法”的训练主要表现在人内心情感体验要与外在形体表现相协调、相随和，达到身心一致。这一训练对于学生在音乐表演过程中“身心合一”至关重要。

“步”。步法在音乐表演过程中不可缺少，一个演员如果不懂步法，也就是不懂表演，不会表演。中国古典舞的“步法”训练系统，主要包括静态：正步、八字步、丁字步、踏步、弓箭步等；动态：慢走、疾走、碎步、大步、小跑、快跑、圆场等。

综上所述，中国古典舞基本功训练是一套完整系统的综合训练形式，集“精、气、神、手、眼、身、法、步”等技巧于一身，通过训练，使学生掌握扎实的表演功力。

三、中外民族民间舞训练的价值

（一）中外民族民间舞训练能丰富学生的角色体验

民族民间舞蹈作为一种特殊的文化现象，在一定的社会环境与条件下形成了自己独特的风格与情感。不同民族的思想情感与其生活息息相关，来自于“人”自身的感觉与感情体验，是在特定的社会环境下形成的对生活的感受。不同的民族民间舞蹈，反映和塑造的人物形象也不同，有的柔情似水，有的风度翩翩；有的激越豪放，有的活泼舒展；有的幽默风趣，有的原始荒蛮；有的抒情欢快，有的节奏缓慢。民族民间舞蹈的训练无疑增加了学生对各种地域、各种人物、各种心态的角色体验。

（二）中外民族民间舞训练能培养学生以“情感”为主导来塑造人物

音乐表演需要学生用“情感”来塑造人物。而民族民间舞强调的正是感情色彩，民族民间舞蹈的情感是纯朴的、真实的，本质就是一个“真”字。它的训练以“情感”为核心，能使学生充满激情，返璞归真，避免学生在表演中机械模仿，迅速进人表现角色情绪的境地。

综上所述，民族民间舞蹈中的“情感调动”和“角色体验”对于音乐专业学生的表演是必不可少的，能增强学生表演时的情感表现力和对角色的把握。

四、现代舞蹈训练的价值

（一）现代舞的“放松”技术能有效地培养学生的舞台控制力

现代舞起源于西方舞者对古典芭蕾的一种反叛，随着现代舞的发展，其训练方法越来越注重解放身体的各个器官，重视身、心的开放与松弛。现代舞训练能够使学生内化其特有的自由气质、文化背景，特别是“放松技术”在现代舞中的运用，如玛莎·格雷姆的收缩——松技术，韩芙丽的跌倒——爬起体系等，放松的呼吸调节与动作律动，使学生体验到一种心灵的愉快。总之，现代舞独特且多样的训练体系，能使学生在进入角色时充分解放心灵、解放自我，达到音乐表演艺术的最高境界。

（二）现代舞的“个体意识”，能够使学生在表演中发挥个体特征

主体意识在现代舞的训练中是十分重要的，现代舞训练在强调动作规范化的同时，也重视动作的个人理解。学生在细致地体验动作的质感、量感，有了对身体的自我控制后，才能够真正把个性融进表演之中。音乐是实践性很强的艺术，要求学生具有强烈的表演、表现欲望，喜欢舞台，突出个性。这与现代舞对个性的追求相契合，因此，现代舞训练是音乐专业学生培养个性的重要途径。

（三）现代舞的“创新精神”，能够激发学生在表演中的艺术再创作

现代舞训练体系包括身体的基本技能训练和表演观念、意识、思维的训练。现代舞训练强调艺术的再度创作，训练过程以培养自我表达和创作的强烈欲望，丰富的想象力，对人物情感的敏锐把握，感受紧张、放松、主动、被动等心理体验为目的。现代舞所蕴含的思维方式有利于学生突破音乐表演的程式化，其与音乐表演相结合所实现的自由心境，能够加深学生对作品的理解和表现，回归艺术的本质，有助于优秀作品的产生。

音乐专业学生的舞蹈教育，有别于其他类型的舞蹈教育。在课程教学中，我们要根据音乐艺术自身的特点，结合舞蹈艺术的特有规律，为音乐艺术培养出高素质、综合型的优秀表演人才。

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