歌曲演唱二度创作的几个环节

■张其萍

歌曲演唱二度创作的几个环节

■张其萍

歌唱艺术是一门表演性的艺术，它是作者与观众（听众）之间的桥梁，是声乐作品转化为音响流动形态，并直接与欣赏者发生审美交流的重要环节。声乐艺术审美价值的体现，必须依靠其表演环节的再创造，才能与欣赏者建立起审美关系，才能实现声乐艺术最终的审美价值。所以，演唱者对歌曲的表达就是歌曲演唱的二度创作。因此，演唱者在演唱过程中，除了要解决发声上的问题外，还应该特别注重歌曲的整体形象。对作品做出正确诠释、对音乐有足够的想象力和创造力。具体讲，就是要在歌曲演唱的二度创作中把握好以下四个环节。

1．注意熟悉了解分析作品。熟悉作品是演绎歌曲的第一步，只有对作品内容（包括旋律和歌词）充分了解，才不会在理解作品的深度上有负担。一首歌曲如果严格按照谱面的要求，一板一眼地去表达，用齐唱的形式就很容易做到，也不会让人反感。可突出个性表现的独唱形式是不会被这种单一规范的表达方式所束缚的。熟悉每一个音符、熟悉每一个乐句和熟悉每一句歌词是必须做到的。因为只有这样，在演唱过程中才不会出现音准节奏和歌词方面的障碍。这也是为歌曲二度创作打好根基的必要条件。

熟悉作品并不只是对作品表面的词曲了解，它应该是对作品进行更深层次的剖析。对原作的准确把握和理解，能充分体现歌者的艺术修养。多明戈曾说过：“为了更好地为作曲家服务，你还必须是音乐家，因为要真正地歌唱，你必须深刻而细致地研读总谱，谋求解开它所包含的全部秘密，明白乐谱背后与旋律线条之间的所有细节。”

在整体把握和真实再现上，“石惟正就声乐表演的整体把握和真实再现作了如下的分析和论述：1.了解作者的基本情况以及该作品的写作时期和历史背景。2.用简练的语言说出该作品的内容主题。3.明确该作品有几个音乐主题，他们是怎样呈现、发展、对比和再现的。4.弄清该作品的词性布局和曲式结构。5.分析该作品的多声的织体特点，包括和声、复调的语言特点。6.分析和理解该作品中感情的基调、情绪的起伏、发展和转折的脉络。如是歌剧、清唱剧或影视插曲，就要熟悉剧情、人物的性格以及戏剧冲突的造成、发展、和解决。上述要求，正式声乐表演真实性再现的必需过程，没有这一细致、准确、完整的研读和分析理解过程，获得表演的真实性将无从谈起。”

也就是说，脱离作品的创作内涵，脱离作品的创作背景，没有熟知和仔细分析作品的重要过程，作品的表达将是空洞无味，它没有真实感，更没有说服力，是不会与观众（听众）产生共鸣的。

2．注意歌唱技巧的稳定。一首歌曲的演绎过程，对于观众（听众）来说它应该尽量没有遗憾。这就要求歌者在作品表达过程中，声音状态要稳定。在这一点上，发声技巧娴熟、心理状态良好的表演者是没有障碍的。但在现实生活中，具备完美条件的人总是少数，多数人都正处在不断学习、不断改进、不断探索的阶段。更何况艺术是无止境的，就算技术再完美的歌唱家，为了长久地保持自己的良好状态，也需要坚持练习，不断巩固。提高演唱技巧，对歌者来说是件长久的事。但在技巧还有待提高的时候，我们也不能回避自己的缺陷。量体裁衣是比较实际的，为了使作品听起来更顺畅，大胆的技术尝试一定要在完全有把握的时候再用。如果没有十分的把握，高难度的技术技巧只会画蛇添足，还有可能破坏掉歌者千辛万苦营造出来的氛围。

所以，在歌曲的二度创作过程中，歌唱技巧的稳定性很有必要。歌者应该根据自身的嗓音条件和能力范围，来确定用什么样的声音状态贯穿整个作品。这时发声技巧越熟练，创作的过程中对声音控制的负担就越小。对于作品的演绎，每个人都希望做到最好，但各自都有不同程度上的技术缺陷，心理恐惧也是技术缺陷的一种。在生理和心理都没准备好以前，不要尝试自己能力范围外的发声状态，保持歌唱技巧的稳定性，对于歌曲的演绎过程起着不可忽视的作用。有把握的去运用自己的声音是非常稳妥的，也是很实在的。为了作品的完整性，保守一点是可以理解的。大胆而没有把握的尝试应该留在舞台背后，等到越过技术障碍了，再把它放到作品里也不迟。当然，对于录制唱片的演唱就可以一遍一遍尝试，只要在声音状态允许的情况下，把尝试变成现实也是有可能的。但技术的提高还是要靠科学的学习方法、靠勤奋的练习和经验的积累。跨越自身能力的尝试最好在短时间内，因为长时间技术的不稳定一定会造成嗓音上的破坏，这是不可取的。

3．注意在细节处理上体现个性。歌曲的二度创作要先找准作品的整体基调，这一点从歌词内容、旋律走向，以及调性特征中就能得到解决。整个作品应该用怎样的声音形象去表达，歌者可以事先做出多种方案加以尝试。在充分熟知作品的内涵以后，对于演绎者来说，寻找最佳的表达方式就成了二度创作的关键步骤了。就像戏剧角色一样，同样的一个角色，不同的演员去诠释它，呈现出来的感觉是绝对有差异的。差异决定了个性，有个性的表达才能赋予作品灵魂，才能使作品鲜活，才能使作品更有生命力。

“著名华裔声乐教授赵梅伯先生就声乐表演的个性与方针及意义提出了自己的看法，他认为：个性是属于个人的，没有个性完全相同的人；这包括人的智慧、观点与表现。没有个性的艺术家永不会有惊人的成就，所以说个性是艺术家的本钱。好的歌曲是上佳的材料，声音是工具，技巧是方法，修养是本质，而个性却是原动力，所以缺乏个性的歌者是不能行之久远的。”在作品整体的大方向找到后，丰富作品的细节就成了歌曲二度创作的重中之重了。由于现代音乐对传统音乐的冲击，它的各种表现手法已经被人类社会慢慢接受，某些表达方式在若干年前是另类，是前卫，发展到今天却已经是很自然很平常的了。这也是社会发展和时代进步的象征。追求个性的时代衍变出适应这个时代的演唱法，它比传统意义上的歌唱状态形式更加灵活，更加丰富。从另一个角度来看，这种现象也带给演绎者更多可能的发挥空间。

细节上的处理可以有多个方面的体现。比如：歌词的细微处理（个别字的重音、个别词的语气、整体的语言形象和语感表达）；声音音色处理（明、暗、厚、薄、浑厚、圆润、轻柔、纤细、响亮、平板等等）；个别音的细节处理（装饰音、顿音、连音、强音和弱音等等）；旋律在节奏上的有限发挥（例如在乐感和节奏速度允许之内的切分处理）；歌曲整体大线条的对比处理（A段与B段的对比、再现段与陈述段的对比、内容不同的一二段歌词的情感对比等等）……在创作面前，大胆的、合乎情理的展开想象，如果抛开观众（听众）的接受程度，将会有无限的可能。这种观点可能有些夸张，但它能推动歌者的创新意识，也有可能提高大家的创新能力。在创作过程中，绝不能扼杀创作者的信心。一个优秀的歌者要懂得营造良好的创作氛围，往往创作的火花只在瞬间产生，个性的体现也需要灵感的撞击。

4．注意保持良好的演唱状态。保持良好的演唱状态，有助于即兴的发挥和灵感的涌现。因为，当歌者自然地进入兴奋状态时，可以通过重视表演增强整体的表现力，更能在短时间内进入演唱状态。兴奋的演唱状态对歌者非常重要，它可以在无形中解决很多问题。“兴奋是歌唱的基础……歌者具有兴奋状态时,精神振奋、信心百倍、胆子大、动力强、注意力指向集中。从生理上看,当我们兴奋时,腔体通畅；从审美来看,兴奋时的面部表情状态具有美感,自觉地排斥‘装腔作势’的丑态。从心理上来看,兴奋能充分调动神经作用，而且还能使声音轻松自如,情感投入，久而久之,就会养成一个良好的习惯。

演唱时良好的兴奋状态，是歌者需要保持的。有了兴奋的演唱状态，演绎者往往会进入忘我境界，这时候超常发挥是不奇怪的，很多即兴的发挥和灵感的涌现都是在这个时候产生。这种现象在舞台表演和录音实践中经常发生，很多艺术家很喜欢这种突然冒出的灵感源泉，也很愿意做这种即兴发挥的尝试。它说明兴奋的歌唱状态是多么重要。

总之：歌曲演唱的二度创作，应当尽量争取内在美与外在美相结合，声音美、表情美、形体美相统一，以更好的再现作品、丰富作品、完美作品。