绘画作品中的节奏表现研究

摘 要：绘画艺术作品体量庞大，不同时期、不同地域的作品风格各异，欣赏起来会有比较高的门槛，如今的绘画作品丰富，质量参差不齐，那么如何欣赏作品就显得尤为重要。不妨回归绘画作品的本质——从画面本身欣赏其好坏。绘画作品都是相通的，用其共通的特点去分析会事半功倍，其中的节奏就是绘画作品共通的特点。探讨绘画作品中的节奏表现，阐述节奏在绘画艺术作品中的重要作用，总结不同画种、不同艺术家在绘画作品中节奏的表达方式，并着重对水彩画的节奏表现方式、方法进行分析。

关键词：水彩画；节奏；绘画

不知从何时开始，绘画等艺术作品不再容易读懂。19世纪照相机的出现对“再现”绘画的冲击巨大，从而出现了一批又一批的艺术家不断探索绘画的表达方式，各个艺术派别也如雨后春笋般的出现。当然刚开始的探索还是较为纯粹的，即尝试绘画除了还原与再现是否还有其他的可能性。随着时代的发展，艺术家不满足于架上绘画，并且派生出诸如装置艺术、行为艺术、观念艺术、影像艺术等不同的作品形式。再后来“求新求异”成为一些艺术家追求的目标，如何吸引人的眼球变得重要起来，这个时候的艺术就开始变得“难懂”了。其实欣赏绘画艺术作品并没有过高的门槛要求，好的作品有其共性，把握共性去欣赏作品，则会事半功倍。

一、节奏是绘画艺术作品的灵魂

优秀的绘画作品中，画面布局经营、点线面构成、黑白灰关系、色调笔触等都是非常值得推敲的，或许可以将这些内容简单地概括为节奏。“节奏”一词早在古希腊时期就已出现，古希腊文为rhy thms，含有程度、程序、匀称活动之意。在中国古代，节奏与古代的音乐、舞蹈有关。现代音乐中节奏指的是音乐中交替出现的强弱、长短等合乎一定规律的现象。绘画中的节奏则是指点、线、面等元素，以一种相同或相似的形式按照一定的规律交替出现的构成。在音乐、美术等艺术领域，节奏是最基本的元素。狭义的节奏是音乐术语，而广义的节奏贯通人的日常生活、艺术境界。

本文所讨论的节奏并非一个单纯的概念，而是形式感的一个因素，且与秩序、布局、对称、均衡、韵律密切相关。人的节奏感受能力属于人类从史前发展至今的能力，对音乐作品与美术作品节奏的感知都属于人脑机能的反应，区别在于前者是通过人的耳朵，后者是通过人的眼睛感知到的。欣赏一幅作品就要从画面的节奏出发，用心去感受。艺术是相通的，了解艺术要深得根源，这样才会事半功倍。目前，艺术领域存在诸多不良现象，这需要群众提升自身的素质，比如明白高质量的作品所具有的共性，带着这个共性去欣赏艺术作品，才能不被牵着鼻子走。

二、不同画种表达节奏的方式不同

在绘画作品中，不同的画种会通过不同的方式来显示节奏。素描作品通过造型语言的变化、黑白灰的关系、画面疏密的布局、线条本身的意味、构成的形式感等来表现节奏；色彩作品在素描的基础上多了颜色这一属性，于是就多了很多种表现方法，比如颜色的纯度对比、冷暖衬托、色相选择等方法。色彩作品大类中也细分为很多不同的画种，各画种形成的节奏感也不尽相同。油画发展到现在，其技法种类非常丰富，除了颜色上的节奏之外，还有笔触、厚度、肌理等节奏表现形式。版画中，艺术家通过不同的版种选择来控制大的节奏方向，通过各种方法使作品看起来更有节奏感。比如，石版画在绘制之前运用不同粗细的砂子打磨版面可以印出不同纹理，也可以在绘制过程中用最基础的特种铅笔或是油性材料在版面上留下痕迹，当然也可以在制版过程中（石版画在绘制后使版面更稳定的一个步骤），控制酸的浓度去腐蚀版面来改变原有的画面节奏。综合材料绘画对于画面的节奏处理则更自由，可以利用任何有利于表现的材料，其厚度、肌理、造型、干湿、浓淡、用笔等都是艺术家不断探索实验的重点。中国画中也是讲节奏的，并且中国画的绘画节奏有着自身的知识体系和独特的艺术魅力。“气韵生动”为谢赫“六法”之首，作品的好坏首先看是否有气韵，气韵则包含节奏、韵律的概念。中国画重视笔墨，讲究用线，其“书画同源”也说明了中国画中运用了“书写性”的一些方法，比如选择弹性不同的毛笔，控制墨的干湿、浓淡来绘制画面，并且线条的起承转合、轻重缓急、干湿浓淡也是中国畫中表现节奏的重要方法。当然，纸本绘画所运用的方式毕竟有限，无非根据材料特性来选择更适合的方法。中国画作为水性材料绘画具备这种材料呈现的特性，和西方水性绘画的表现方法有一定的相似性。此外，中国画也会运用构图来表现节奏，像“马一角，夏半边”“疏可走马，密不透风”等足以说明。

三、艺术家表现画面节奏的方法

不同的艺术家表现作品节奏的方法不同，如印象派画家莫奈擅长用颜色之间的关系碰撞出柔和且真实的节奏，给人一种稍纵即逝的感觉。莫奈的代表作品《日出·印象》利用精妙的光线变化展现了日出时码头的迷人景色，整幅画面中的各种物象用“含糊不清”的笔触来绘制，配合着艳丽的互补色调，给人既朦胧又耀眼的感觉。新印象派代表画家修拉则喜欢用“点”来表达画面的节奏，利用不同的点的形状、颜色、明暗等来编织画面，给人一种沉稳高级的感觉。“现代艺术之父”塞尚认为：“线是不存在的，明暗也不存在，只存在色彩之间的对比，物象的体积是从色调准确的相互关系中表现出来的。”于是，塞尚重视表现色彩，强调色彩和物体之间的整体关系。毕加索擅长用色彩和线条，根据颜色的属性进行布局，在其“蓝色时期”经常运用蓝色去表达画面色彩，使画面充斥着忧郁、压抑的感觉。此时的题材多为底层人民，运用流动的线条表现人物的动态和表情。例如：作品《弹吉他的失明老人》的整个配色阴沉，蓝绿色和深色背景将大的格调定了下来，人物花白凌乱的头发与纤细瘦弱的身材给主题增加了不少悲剧色彩；作品《熨烫衣服的女人》运用充满创造性的线条将人物的疲惫感表现得淋漓尽致。

四、水彩画初期节奏的表现方法

水彩画表达节奏的方法与其他画种类似。作为水性材料绘画，水彩画在具备其他画种的特性之余，还有一个较为独特的性质，即透明性。水彩画的颜色覆盖力较弱，但具有独特意味，历史悠久。古埃及墓室壁画中便发现了水彩画的雏形，欧洲中世纪的手抄本装饰画也是运用水彩材料绘制，文艺复兴时期大师略施淡彩的手稿也可归类为水彩的形式。德国版画家丟勒将色粉与阿拉伯树胶、蜂蜜和甘油等材料混合，用水作为调和剂，这种材料色彩透明，叠加起来可达到特殊效果。

18世纪至19世纪，水彩画才发展为一个独立的画种。水彩画非常适合描绘英国烟雨朦胧的自然環境，于是英国成为现代水彩画的发源地，众多艺术家在此开始使用更加便捷的材料去描绘风景，诞生了众多的艺术大家。例如康斯太勃尔开创了英国风景描绘写实派画风，擅长描绘英国的潮湿空气、斑驳阳光及淡雅的云彩，其作品意味浓厚，有很强的古典风格，其绘制方法也多沿用油画的语言。透纳的水彩作品气势磅礴，作品中没有生硬的水痕与笔触，巧妙地将古典主义的细腻与印象派的奔放糅合在一起，使得画面有极强的视觉冲击力。美国艺术家萨金特在颜色的表现上有独到之处，他不拘泥于细致完整的形体刻画，而以较为放松、灵活的笔触配合着物象特征将内容提炼出来。其《耶路撒冷风光》无疑为一幅成熟的作品，这幅画的内容比较简洁，如果单纯从细节上去找看点，那么就有失艺术作品欣赏的初衷，我们要回到“节奏”二字去分析。

这幅作品首先运用两对互补色——蓝和橙、黄和紫，使画面更具冲击力。然后通过绘制时的笔触属性来调整视觉中心位置，即中间紫色部分最平整，天空部分笔触较为细小且运用干画法，地面运用饱和度较高的中黄色来处理，再用湿画法绘制树和村庄，使视觉中心集中在形体最完整的地面位置，整个空间节奏感油然而生。画面也利用了颜料的肌理处理节奏，画面中间部分用了非常厚的白色颜料绘制云彩，以至于已经有了裂痕。

五、水色交融是水彩画节奏表现的独特方式

水彩画发展至今已经非常成熟，其表现节奏的方法有章可循。首先在水彩画中，“水”非常重要，在完全干燥的纸面绘制和打湿之后的纸上绘制是完全不同的，甚至打湿之后等半分钟和等一分钟之后再绘制的效果也是不同的，这种水色之间互相交融即水彩画表达节奏的一种非常重要且独特的方式。其次，水彩画也会用到色彩共同的表现方法，即色彩本身的属性，控制颜色的色相、纯度、明度、冷暖来调整节奏。最后，笔触也是水彩画中非常重要的语言，使用不同硬度的笔刷，以及不同形状的笔头、不同粗细的纸纹，蘸取不同浓度的颜色，绘制出的效果都截然不同。艺术家根据水彩材料的特性来表达画面的空间、虚实、强弱、主次，从而完成画面，这样的画面从形式上看是完整且丰富的，从节奏上看是有层次的。

塞尚也创作了一批水彩作品，其色调和他的油画作品相似。塞尚的水彩作品《波托瓦兹广场》运用一贯的薄画法，在简洁的素描稿上略施淡彩，没有运用过多的水彩语言，但认真品味时能够感觉到整个画面的节奏是很紧凑的，每个物体在塞尚的处理下都变得必不可少。水彩作品《花园》运用近乎琐碎的笔触编织着画面，颜色与颜色之间互相叠加，产生比较不错的效果。相比而言，雷诺阿的水彩作品则更加华丽。他在《树木间的道路》中，运用枯笔将杂乱的树叶表达出来，并且在大的节奏上又能体现两棵树的层次，左侧树多了几处赭石色般的暖色绘制暗部，使两棵树变得不同。这幅作品中，环境的处理相当放松，几乎是用小笔触吸饱水分一气呵成，而道路部分则用了简洁的大笔锋带过，整个画面详略得当，节奏舒服。英国水彩画家威廉·罗素·弗林特的作品《布雷托诺附近的秋天》在处理时运用娴熟的技法，充分利用纸纹的特性，将远处树的部分表现得淋漓尽致，在处理近处树干时运用干画法将枝干留出来，其空间节奏安排非常舒服。不同位置的树干也有区分，在形状上作者精心布置，中间树干形状复杂，由左向右倾斜，与左侧树形成区分。右侧树干若隐若现，充分表达出树叶的茂密，即使在画面近处也不抢中间树的中心地位。

这些作品形式上很美，不难欣赏。美国水彩大师萨金特的作品在处理上运用更多的技法，其节奏更紧凑，层次更丰富。作品《一条小运河》绘制的是两条船停在运河码头上，运河两边耸立着高楼，天空晴朗的景象。这幅作品运用速写般放松的笔法将场景再现出来，先将天空部分简单设色，绘制远处房子时趁湿将房子细节完成，呈现出朦胧的感觉。左侧房子较为简单，运用暖色铺出大色块即可，从节奏上来看这一区域较为放松，明度较高，纯度较低，且外形松动，自然而然成为“陪衬”物体。再看画面中心的船只，在颜色上重且冷，直接与其他地方拉开差距，在造型上非常严谨，船只的边缘在绘制的时候速度也慢了下来，与左侧房子节奏拉开差距。水中的倒影更是可圈可点，在不失整体倒影形状的同时将边缘虚化，写意意味浓郁。笔法张弛有度，用色区分鲜明，造型详略得当，干湿恰到好处。绘画作品在欣赏时就可以顺着这个思路去看。在欣赏抽象主义作品时要懂得不要看作品画的是什么，而是感受画面有什么。欣赏抽象主义作品就是要感受点、线、面本身的魅力。例如俄国抽象表现主义先驱康定斯基的作品，如果看他作品中画的是什么，可能一无所获，但如果从“节奏”二字入手去分析，或许能看到很多内容。康定斯基的作品往往围绕点、线、面去探索，比如他在1910年创作的《即兴》，从画面的构成上看不够紧凑，也没有哪一个区域是表达的重点，即所谓的“平均”，当然这幅作品是康定斯基实验时的作品，也是艺术家试错的过程。康定斯基1923年创作的《构图8号》面貌完全不同，面对画面，观者可能不知道画的是什么，但能感受到欢快的节奏。观者或许不需要去读康定斯基的著作来了解他赋予作品中颜色、点、线、面的意义，也不需要了解他的观念，甚至不需要了解他的生活背景，只需要面对画面静静地欣赏，感受画面之上跳动且欢快的“音符”即可。

六、结语

水彩画作为从西方引入的画种，在中国发展已经有一百余年的历史，它以独特的魅力散发着光彩，也逐渐被更多的人青睐。在当今大环境的影响下，越来越多的人在被动接受着所谓的艺术作品，然而自己并不知道如何去评判该作品。虽然现在的艺术作品体量庞大，但依然可以进行评价，“节奏”则是非常重要的评判标准之一。观者需要去感受绘画作品中的节奏，从而在形式上读懂绘画。

参考文献：

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作者简介：

谢典，硕士，黄河交通学院助教。研究方向：水彩、版画。