论音乐社会学视角下音乐表演艺术的独特性

摘要：目的：文章在前人研究的基础上，分析音乐社会学是如何通过音乐表演等方面融入音乐之中的，研究音乐的正确传播渠道以及对社会的影响，旨在为高校音乐表演专业的学生提供参考。方法：分析音乐表演的基本特征，列举不同类型的音乐表演风格，分析舞台表演的必备因素以及与音乐社会学的结合，旨在使表演者从中获得启发，促进优秀音乐作品的二度创作。结果：在音乐社会学视角下分析音乐表演艺术，能够完善音乐表演专业学生实践成果体系，如舞台表演、音乐表演等；能丰富人们对音乐社会学的认知，深化对不同时期音乐风格的了解。同时，促进音乐教育与传播方面的人才培养，使人们对音乐美学的姊妹学科——音

乐社会学有更加深刻的认识。结论：表演者通过音乐表演，能丰富表演经历，同时拓宽音乐理论知识，真正做到实践和理论相结合。优秀的二度创作不仅能深刻还原创作者的意图，还能在此基础上融入自己的风格，从而造就独一无二的音乐表演。

关键词：音乐表演；二度创作；音乐社会学

中图分类号：J604.6 文献标识码：A 文章编号：1004-9436（2024）18-00-03

1 音乐表演的学科界定

何为音乐表演？笔者认为用乐器来演奏的器乐可称为纯音乐表演，人声演唱的声乐称为人声带有语言的表演［1］187。原始的音乐是无所谓表演的，是为了满足人们的生活需要而存在的。音乐具有诸多社会功能。音乐起源于人的劳动，人们为了协调劳动动作、消除疲劳，创作出了许多如“杭育杭育”这样的口号，音乐就此诞生。

1.1 音乐表演的形态类型

在错彩镂金的音乐殿堂，音乐形态琳琅满目，大致可划分为三种类型，即本体型的器乐艺术表演、复合型的声乐艺术表演以及综合型的综合艺术表演。

1.2 本体型的音乐表演——器乐

所谓本体型，指由纯乐音构成的表演艺术，包括器乐的表演艺术。其是通过吹、拉、弹、打、拨等演奏方法在时间上的流动创造的乐音形象。

本体型还体现在纯音响的呈现上。所谓音的本体，是就一种乐器而言的，只由一种音响构成，只包含了乐音的成分。本体型的器乐还体现在色彩纷呈的音响中，如弹拨乐器的行进、拉弦，吹管类乐器的口风等，这些构成了本体型的器乐。

1.3 复合型的音乐表演——声乐

所谓复合型，即不止一种音。如果说乐器的构成只有乐音，那么复合型的声乐除了乐音，还有语音成分。简而言之，就是除声调外，还有歌词的加衬。歌词是有确切含义的，能够表达正确的思想内涵，加上乐音的演唱会更有表现力。

1.4 综合型的音乐表演——戏剧、曲艺、影视、舞蹈

综合型是指音乐融合了多种艺术形态的创造性因素，共同完成总体的艺术创作任务。如话剧、歌剧、戏曲等载体，音乐在介入时的作用不尽相同。音乐是为了揭示人物内心冲突而存在的。

音乐介入影视艺术中，主要以画外音的形式出现。影视中的器乐往往作为背景、情境、人物的表现，发挥渲染气氛、交流情感等作用。

舞蹈被称为人体生命律动的艺术，主要借助人体有节律的形体动作来表演。舞蹈自诞生起就与音乐密不可分，音乐的出现使舞蹈的综合形态有了听觉与时间艺术的介入，从而提升了表现力。

2 音乐表演的必备因素

音乐表演不仅仅是作品的阐释，每一次表演都应具有独特的内涵与灵魂。音乐表演是一种社会性行为，服务于表演者和听众，具有创造性与独特性。

2.1 完形的把握与准确的感知

如何造就优秀的音乐表演？需要音乐表演者具备什么？笔者认为，对乐曲整体的把握和准确的感知应是第一步。许多演奏家都强调对作品的整体感知能力。著名指挥家吉·康德拉申曾说，“作曲家把新作品弹了一遍，我听头遍时，就已经大体上感觉到在曲式方面应做些什么了”。所谓完形心理学，即对作品的初步感知是建立在以往的艺术心理定式之上的，如沃尔夫林认为西方古典艺术以及巴洛克时期美术作品的美是建立在其以往对美术的鉴赏能力之上的。演奏者对作品的整体把握，不仅包括作品完整的曲式结构，还包括对作品的织体框架、调式、调性、结构等的把握上。例如，门德尔松的钢琴小品《无词歌》op.30 no.3，从结构上看是单三部曲式，全曲是以和弦进行为主的织体，旋律具有一问一答的韵味。把握这首曲子的符号形式，关键在于准确掌握织体不同的和弦。

演奏作品的第一步便是整体感知，完形能力不是一日谱成的，需要音乐表演者日复一日地练习，多注意乐曲中的表情记号。音乐表演者拿到曲谱时，应把注意力放在有差异的段落，善于分析作品抑扬顿挫的走势。整体把握强调表演者对艺术家的作品有概括能力，对作品的各个结构和层次了如指掌，不会陷入钻牛角尖的圈套。

2.2 舞台表演实践的重要性

丰富的舞台表演经验有助于增强听觉、运动觉、想象等综合运动的敏捷性。“纸上得来终觉浅”，优秀的音乐表演者应不断提升自己的视奏能力以及临场发挥能力，从而深化对乐谱的理解，真正具备“一目十行”的表现能力。斯洛博达在谈到自己设计的实验时说道，有实践经验的被试，会以自己的经验弹奏其他音来代替故意印错的音，使音乐的进行更加合理。优秀的音乐表演者应熟悉作品的调式调性，对不同作品的行进烂熟于心，这样即使面对发挥失常的情况，也能自如地应对，从而提升自己对作品的感悟和呈现水平。而这都离不开舞台实践经验的积累。

3 社会学视角下音乐表演的呈现性思考

音乐表演的最终目的和任务就是通过演奏和演唱来抒情［1］188。通过乐音的流动，展示出器乐或声乐形象，抒发生动、鲜明、极具感染力的情感。要达到打动人的境界，除客体方面的条件外，主体的修养也至关重要。

3.1 强调音乐与社会的互动关系

新西兰音乐学家克里斯托弗·斯默在《作乐——音乐表演与聆听的社会意义》中［2］着重论述了音乐表演艺术。他认为音乐表演是一种传达性行为，他关注的并非音乐本身，而是基于对社会的认识与理解。他对音乐表演和社会的关系进行了重新定义，认为音乐表演中需更多关注文化因素，才能更好地表达和诠释音乐，从而获得身份认同和个体诠释的意义。

3.2 关注音乐姿态语言

在音乐表演艺术中，表演者可以通过音乐姿态语言来表达对作品的认知与领悟。这种姿态语言的个性化诠释可以更好地揭示音乐的社会意义。斯默以戏剧为例，总结了歌剧中的性别主题和英雄主题这两种不同题材的区别，如偏女性化的角色会伴随着半音化的主题动机，从而彰显女性阴柔的一面。表演者通过演绎姿态语言，可以揭示社会的性别问题。音乐表演中的姿态语言是多样变化且开放的，会根据不同的音乐形式、不同的环境以及表演者的不同群体而有所不同。表演者应具备气韵生动的演奏姿态。气韵生动是中国古典艺术理论中的美术用语，可以泛指艺术作品的形象表现，具有丰富的神韵与浓郁的韵味［3］。这里所说的神韵，是气韵的升华，是指在演奏或演唱时所表现出的自然含蓄的韵律。表演者应将美术理论融入音乐学科，各个门类都可以相互借鉴、补充、融合。表演者应处理好“虚”和“实”的关系，实现气韵生动，虚实合一，神形兼备，处理好表演的内容和形式的关系，通过外显的表演所呈现的应是作品最深层次的意蕴。

3.3 寄托自身情感

笔者认为，音乐寄托的情感无论是对演奏者还是欣赏者而言，都是不尽相同的。艺术家演奏时的情感，可能引发欣赏者不同程度的共鸣。进行二度创作的音乐表演艺术家要在实践中深入体验作品内在的意蕴，从而使不同听众产生不同的共鸣。

在二度创作中，如果要深刻且完整地将作品情感呈现出来，使欣赏者获得审美升华，传情是音乐表演的核心。因此在演绎时，演奏者应将自己的情感融入其中，达到内心体验和体现的完美统一。内心的体验是无声的，没有体验何来体现。体现是外显的，二度创作者想要达到二者间的平衡，就要不断练习。音乐表演中的情感体验传达表现，不仅需要二度创作者精准且正确地掌握作品的意蕴，还需要演奏者结合自身的性格特点，展示出二度创作者在不同时代、不同民族背景下的表演体现和心路历程。这需要进行主客体情感流的相互交融，彼此作用，也需要演奏者设身处地地感受艺术家的创作历程，正确理解其所想表达的一切，升华主题，或通过他人的间接体验获得更多有利于表演的因素，带入当时作者所处的历史背景，与之同呼吸同命运。例如，钢琴家洪腾在弹奏贝多芬的《d小调奏鸣曲》时，刚开始处理的激情因素太多，又过分忧伤，他的老师范继森教授就要求他在此刻画一个斗士在战斗间歇独自沉思的形象，内心活动要异常复杂，说不出是喜是悲、是怨是仇，感情色调要在激昂中略显淡薄，激情内燃却含而不露。

3.4 音乐表演与音乐社会学的融合

相比和声、音符这些活跃在纸上的东西，人们更应该关注的是音乐的生活方式。音乐在人们生活中存在的方式，与人们的语言、环境、时代背景、风俗等息息相关。正如语言学家索绪尔所说，言语是个人的，语言是社会的，这些能指和所指共同构成了符号系统。符号是记载人们语言的表达形式，音乐中的形式存在有一定的规律。著名音乐社会学家西尔伯曼指出：“从勃拉姆斯的《德意志安魂曲》中，我们对19世纪下半叶的人能认识到任何东西吗？”可见，音乐表演应与社会历史背景相融合，将音乐社会学运用到音乐表演中，便是在演奏不同时期的乐曲时，应将不同时期的音乐风格融入其中，并注入演奏者对作品的理解，再加上作者的阐释，这样便能完整地再现作品本身的立意和内涵。例如，在演奏巴洛克时期的作品时，长笛专业演奏者应豪迈而不失情感，注意情感的流露应有的放矢。例如，在演奏《沙米那德小协奏曲》时，并不只是吹奏音响，而是要通过表演，将自己置身于作曲家的曲谱之中，想象沙米那德对心仪男生说不清道不明的情愫，随着音调的一步步升高，情绪达到顶峰。

3.5 个人风格和作品风格

优秀音乐表演的呈现，需要结合多方面来看待，表演者要在准确体验客体的同时，使自己独具的个性特点与之交融，达到主客体完美统一。表演者可以超越作品的丰富内涵，并结合自己所处时代的历史背景、风格面貌，赋予其一种全新的阐释。这种阐释应是独一无二的。不同民族的表演者在传达同一首作品时，风格不尽相同，意大利人更热情明快，英国人更真挚、质朴，俄罗斯人更豪迈奔放。例如，在演奏长笛作品《沙米娜德小协奏曲》时，作品本身的八度，曲调一步步升高，以及十六分音符之间的行进，都是作品本身的风格，感情的火焰一步步燃烧、绽放，寄托了沙米娜德本人对爱而不得的男孩的特殊情感。而不同的表演者所呈现的个人风格是不同的，如有的人比较含蓄，体现了对爱情的小心翼翼、惋惜；而有的人感情表达更为激烈，体现了对爱情的热烈态度，以及内心的悲伤、哀之情调。这些情感没有对错可言，无论是激烈还是恬淡的呈现方式，都是表演者结合自身心境和不同时代所赋予的情调。

4 结语

黑格尔曾说，“声音的余韵只在灵魂最深处荡漾”。音乐是人内心情感的外化方式之一，优秀的音乐表演应包含许多方面的因素，无论是气韵生动的有机贯穿、声情并茂的有机统一，还是结合音乐社会学视角来看待，正确处理好与三度创作的欣赏者之间的关系等等，都是十分重要的。音乐不仅应与时俱进，还应是深刻的。优秀的音乐表演应做好历时性和共时性的统一，正确还原作曲家的思想，同时结合自身对作品的理解，有的放矢地处理音乐情感，从而造就更好的音乐表演。

参考文献：

［1］ 周岚.音乐表演艺术形态的基本特征［J］.当代音乐，2021（9）：187-189.

［2］ 唐利.粤乐民间“即兴合乐”研究［J］.中国音乐，2024（2）：109-115，138.

［3］ 张萱.由“气韵生动”谈中国音乐的抒情［J］.大舞台，2012（10）：45-46.