舒伯特中提琴作品《a小调奏鸣曲》第一乐章演奏技巧研究

甘韬

【摘   要】随着国家的快速发展，人们的生活水平逐步提高，这也导致人民对精神层面的需求愈发迫切，因此音乐在生活中的重要性也逐渐体现出来。中提琴虽然一直以来并不是一个频繁出现在人们视野中的乐器，但在时代的浪潮下也出现了越来越多的中提琴演奏家和理论研究者，助力推动中提琴在专业领域内与非专业领域内的发展进步。本文就对中提琴作品舒伯特《a小调奏鸣曲》第一乐章的演奏技巧进行简要阐述。

【关键词】演奏技巧  中提琴  舒伯特

中图分类号：J605 文献标识码：A  文章编号：1008-3359（2023）24-0099－06

现在大家常听到《a小调奏鸣曲》的演奏形式大多是由钢琴、中提琴、大提琴、低音提琴或者古典吉他所演奏。本文主要以分析中提琴演奏为例，作品自身有一定的难度，再加上中提琴演奏形式是改编而成的，所以在演奏上的技术难度较大，演奏者对于跳弓、重音、揉弦、力度的控制、左手颗粒性演奏、拨奏拉奏交替的技术难点等需要熟练地掌握，同时保持手指的韧性、灵活性、耐性，不仅技术上需注意，在情感上也要完全投入，融合浪漫主义的抒情性和作者自身性格的忧郁，才能完美诠释作品内涵。

中提琴作为弦乐组中的乐器之一，有着醇厚的音色，能触人心弦，不仅在西方国家广为流传，在中国也越来越为人熟知，备受欢迎。现在，许多的中提琴演奏家出现在大众视野，中提琴的学习者也日益增多，随着乐器的生产及系统性教材的涌现，使得中提琴艺术得到了长足发展。《a小调奏鸣曲》就是这样流传至今，作为舒伯特晚期的经典之作，备受许多演奏者青睐。

一、《a小调奏鸣曲》创作背景

舒伯特的《a小调奏鸣曲》是由六弦吉他型大提琴（阿佩乔尼）这种乐器的作品改编而成的，是1823年维也纳人施陶费尔发明的乐器，是一种用弓子演奏的乐器，舒伯特对于这种乐器十分感兴趣，并为他创作《a小调奏鸣曲》，这首曲子由三个乐章组成，正是因为这首经典作品，阿佩乔尼才被世人了解。

这首《a小调奏鸣曲》是舒伯特晚期创作的，曲子寄托了他的太多情感，曲中充满悲伤和抑郁之情，在本该欢快的旋律之中，也带有一丝哀怨，体现了舒伯特对他一生的哀怨和疾病缠身的苦楚。舒伯特用音乐的形式抒发自己丰富而深沉的情感，走进曲中，仿佛在诉说内心往事，通过音乐表现出情绪的起伏变化。

二、《a小调奏鸣曲》演奏技巧

任何樂器想演奏一首好的乐曲，需要注意各个方面细节。中提琴的琴身较大，演奏起来相对吃力，音量也相对较大，其音色应该是饱满圆润的，似大提琴那样低沉，也似小提琴那样清纯明亮，所以中提琴的演奏重点应放在音色上，在把握其良好的音色后，再对演奏技巧进行练习。

中提琴的音色特殊，它属于最接近人说话声音的乐器，有磁性而且很温暖，所以它是乐队的中音区域，它成了管弦乐团的“腰”，同人一样，腰是支撑身体很重要的部位，是乐团的中坚力量。虽然主要为伴奏声部，但也是乐团中必不可少的，可以使乐团的声音更完美地融为一个整体，在乐团或室内乐合奏中，中提琴与小提琴相比，其难度基数要低些，主要起到渲染音乐气氛、在和声中充当中音声部等承上启下的作用，以烘托小提琴或大提琴为主；在中提琴练习曲或者独奏乐曲中，也不乏许多高难度的乐曲，中提琴与小提琴相比，中提琴的弦跨度较大，需要更大的力量，揉弦以及换弓都有一定的难度，所以笔者认为中提琴的技巧演奏难度更大。由于中提琴的琴箱大、弓子长、琴弦跨度大、琴弦粗，所以发音稍迟缓，左手要更加用颗粒性的指力按琴弦，需要更多的力量和稳定清晰的运弓才能有震动的发音，手臂需要更大幅度地弯向身体一侧，以便运弓得以平稳，右手运弓也会幅度变大，对于演奏家来说是更加难以掌控的。只有做到左手和右手的完美配合，不断加强练习，左右手默契融合才能完成好中提琴演奏。

（一）呈式部演奏要求

《a小调奏鸣曲》作品以“中速的快板”为整曲定下速度基调。在演奏过程中，除了注意演奏技巧和音乐表现外，也不能忽视乐曲整体的速度要求。乐曲开头由钢琴引入，意味着“故事”的开始，随后中提琴进入，开始展开自己的叙述，奏响主题，这揭示了乐曲的核心思想，并为整个乐曲奠定情感基调，既忧伤又抒情，深深地抓住听众的内心。“中速的快板”要求并不是过于迅猛，而是在中速的范围内给予演奏者一定的表现空间。这个速度要求在整个乐曲中贯穿始终，要求演奏者在保持速度的同时，能够准确地表达乐曲所要传达的情感和思想。乐曲的情感表达兼具忧伤和抒情的特点，深深地触动着听众内心。在演奏过程中，演奏者需要注重表现乐曲的情感变化和音乐结构。通过恰当的音色、动态的控制和细腻的表现力，将乐曲中的情感层次逐渐展现出来。同时，要注意与钢琴的配合，保持良好的音乐默契，共同呈现出乐曲魅力。

1.揉弦的演奏技巧

揉弦是弦乐器最具表现力的演奏方法之一，除了快节奏的演奏中可以忽略揉弦，大多数乐曲都离不开揉弦。在适当的地方加上揉弦，效果会比没有揉弦的乐句在声音上要生动得多。在该作品中，揉弦是很常见的，但多数不是大幅度高频率揉弦，一般在低音区演奏时揉弦的频率较低，速度较慢、比较缓和；在中高音区域，随着音域提高，揉弦的频率和幅度也随之增加，音域越高且揉弦的速度加快。中提琴的音色深沉而有内涵，与舒缓的揉弦融合在一起，使音乐更加富有感染力，音色更加浑厚有共鸣。在揉弦时需要注意揉弦速度快慢、揉弦幅度大小，准确掌握不同乐句和不同乐段的风格特点，这样的揉弦运用才是有效的，并且能使作品锦上添花。

以乐曲开头为例，在钢琴伴奏结束后第10小节处开始，进入全曲最优美的旋律（见谱例1）。

谱例1：

万事开头难，在进入之前演奏者就需要开始揉弦，否则会进入得很生硬，失去旋律的美感，第10～13小节处都要进行揉弦，不能松懈，旋律是流动的，可以揭示核心思想，奠定全曲的感情基调，忧伤与抒情并重，深深抓住听众的内心。在不同的节奏型里揉弦的速度和幅度也是有所不同的。该乐曲笔者建议选择用手腕揉弦的方式，揉弦的时候左手放松，使音的频率、力度、节奏一致，时值长的音大幅度地揉弦，时值较短处则可以快速地轻揉，要在节奏内完成揉弦，例如11小节处的三个八分音符揉弦，笔者建议选择用手指揉弦的方式，因为八分音符时值较短，揉弦频率不变的情况下，可以减小揉弦幅度，加快揉弦速度，此处谱中出现连线与断音记号，这使得演奏时值更短，所以手指揉弦是最佳选择。

2.重音的演奏技巧

重音在意大利语中统称为“Nota Buorw”，根据不同乐段风格特点的需要，重音演奏的方式也是多变的，不同的乐句中有的需要强奏，有的需要中等力度演奏，而有的短促且很弱，以下笔者列举一处中等力度的重音。但要注意无论运用哪种重音，都应注意其音质，演奏时不能刮奏，更不能过度用力压琴弦发出噪音，所以对于重音的掌握需要研究其巧妙的方法。无论是在乐团中演奏，还是个人独奏，都应该了解重音的读谱方法和演奏方法，在不同的弓法和时值里，完美呈现，应在正确的位置、正确的拍子上将重音做出来，并和旋律完美融合，41～43小节处分别出现重音记号（见谱例2）。

谱例2：

例如谱例2，第41～43小节处，分别出现重音记号，这就是中等力度的重音，又称“强调重音”，这种长音符与中强力度重音，需要把重音的音头演奏得强一点，然后随着旋律渐渐弱下，这种重音常表现旋律中特别重要的音。重音要用较长的弓段演奏，不要压弓子，右手食指突然发力，且将弓子稍重一点，再靠加速弓速完成。要注意的是，重音记号前后两个音不要断开，只是意识上被断开，所以最好可以左手保持揉弦，根据拍子的长短进行演奏，但不能有音符之间断开的声音。所以在练习的过程中要对重音的演奏技巧足够重视，分析其不同重音的力度，以及对于琴弦力量的控制。

（二）展开部演奏要求

进入展开部以后，调性进行一次改变，转入F大调，由拨弦作为呈式部与展开部的过渡，在和声中用分解和弦为钢琴伴奏，起到承上启下的作用，为再现部的出现做铺垫。

1.拨弦的演奏技巧

拨弦谱面常见标记为“Pizz”，拨弦最常见的是用食指拨弦和中指拨弦，通常用食指进行拨弦演奏。该乐曲的拨弦有拨和弦与拨单音，下面笔者以个人演奏经验进行分析（见谱例3）。

谱例3：

例如谱例3中第71～74小节均为和弦拨奏，和弦的拨奏方法和拉奏有相似之处，都是从里往外，均匀而有力地进行演奏，用食指拨弦，其他手指握住弓子，不要让弓子触碰到琴弦发出拨弦以外的声音，食指向外侧倾斜，拨弦时向面前方向拨，拨指板大概两三厘米的地方，这里的共振效果是最好的，声音响亮，此处也是琴弦较柔软且容易进行拨奏的地方，若是太靠近琴頭则会太干硬、刺耳；若是太靠近琴码方向，则会使声音小而虚弱。拨奏和弦的时候手指与琴弦呈45度角，快速离弦，否则就会出现死板、生硬的声音。采用准确的拨弦方式才能使呈现出来的声音更清晰、明亮。

例如76小节处开始，持续5小节单音拨弦，不能像拨和弦那样从上而下过度用力，此处应该注意拨弦的时候食指不能勾弦，自然伸直，八分音符时值较短，右手食指轻微用力，清晰地拨奏出每一个音符，左手需要配合揉弦。

此处还需额外注意，拉奏和拨弦的转换不要有缝隙，拉奏换拨奏时，要注意演奏够时长，不能因为急于换拨奏而缩短拉奏音时值，左手快速找准三和弦位置，右手也要快速进行转变，自然地完成转换。81～82小节处由拨奏转为拉奏，右手需要注意的是在拨奏过程中要握好弓子，不能改变手型，否则在转换的过程中容易出现明显痕迹。

2.力度控制的演奏技巧

力度主要是指在乐曲中音的强弱程度，也是力量的强度，此处的力度控制技巧主要是对于乐曲渐强的掌控，此处也是乐曲的最高潮，107～118小节处是乐曲的高潮点（见谱例4）。

谱例4：

从107小节处开始，乐曲一点点走向高潮，并标注渐强，乐曲的走向逐渐向上，十六拍的揉弦幅度需要随着力度的渐强变化而变化，要计算好时长，不能急于渐强，也不能过晚开始渐强，最好控制在四拍出现一次强弱明显变化，从弱到中弱再到强，但注意的是力度不可以超过mf的力度，111小节处保持力度不变，112小节处是第一个小高潮点，mf的力度，右手食指发力，在音头处有一个爆发点，会使音乐效果听起来更震撼，小附点第一个音也不能松懈，要比mf更强，为后面渐强的音乐表现做铺垫，再搭配揉弦的合理运用，会使音乐呈现翻倍效果。

在113～117小节处，还出现了更强的力度记号，所以揉弦时切记在幅度大、速度快的基础上，要为后面音乐的渐强留有余地，115小节处才是最强的爆发点。高频率大幅度的揉弦需要注意的问题是，声音不能毛躁，即使力度变强也要注意音质，四连音的演奏要清晰，力度不能松懈，每一拍的时值要饱满，揉弦要充分，让手指在琴弦与指板之间充分摩擦，发出结实又深沉的声音。

（三）再现部演奏要求

再现部与呈式部大致相同，速度回到原速，是很规整的创作手法，在细节上有所改变，为乐曲的继续发展起到推动作用。

1.和弦的演奏技巧

和弦指的是一定音程关系的一组声音。将三个或以上的音，按照三度或非三度的叠置关系，在纵向上加以结合，就成为和弦。和弦从调性意义上去领会，表现出的音乐特征也有所不同，在演奏和弦时要仔细去听和弦的音响效果与和声关系，一定存在有回响且和谐的声音，在音色上更加饱满、圆润，在听觉上能给人以美的享受。147～148小节处出现和弦，此处的音准需要注意（见谱例5）。

谱例5：

例如147小节第一个和弦，两个音用一个手指按弦，两个音都用到二指，将手指稍微放平，接触面积增大，让手指可以均匀地接触二弦和三弦两根，接触不均匀的话，会出现和弦不均匀的情况，或者出现某一个音听不清的情况。演奏时不能过度用力，手指不要绷得太紧，否则会使左手变得僵硬，演奏者容易疲惫。

和弦的音准问题是致命的关键，音不准，听起来是令人痛苦的，失去了演奏意义，无论做任何装饰技巧和音乐处理都是白费力气，所以把音准作为基础，掌握良好的练习方法尤为重要。在练习之前确定四根弦已经校正音准，先将和弦分解练习，准确找到其中的每一个音，再按照双音进行练习，听辨其和声，正确的音准是有和谐共鸣的，听起来无杂音，饱满。

在演奏和弦时，从低音向高音演奏，三和弦的演奏先演奏根音和中音两根，演奏后手指自然松开，再演奏中音和高音两根；四和弦的演奏一般先演奏低音和三音，再演奏五音和高音，若是该和弦时值较长，则可以在最后两个音演奏后加入揉弦，会使和弦更饱满。无论是任何一种和弦，都要使每一根弦充分振动，不能忽视任何一个音符，否则会失去和弦的共鸣效果。

2.左手颗粒性的演奏技巧

将四分音符平均分成四个十六分音符，叫“音符均分的特殊形式”。四连音的颗粒性与清晰度是该乐曲演奏中的重点之一，在较快的速度下，曲中出现许多处连续四连音。左手的重要性是最不容忽视的，过轻或过重的按弦都会影响发出的声音，过重按弦，会使演奏者手臂僵硬，容易疲惫，导致左手手指失去其按弦的灵活性；过轻按弦，不能充分按压琴弦的话，就不能使其完全震动，会使声音不清晰、发虚，则失去练习意义。163～167小节处出现连续的四连音演奏（见谱例6）。

谱例6：

例如曲中163小节处，虽然有连弓的标记，但也不能使音符黏在一起，要有颗粒感，在快速的连续四连音中，缺乏独立性的手指则会显得更加混乱不清，听不清演奏音符。164小节处出现“p”，但此处声音不可以发虚，即使是弱奏也要颗粒感分明，只是在前1小节的对比之下较弱即可，每一个十六分音符的第一个音都要发一下力，突出旋律走向。167小节处出现较多的变化音，在掌握正确音准的前提下，逐渐加强，力度不能松懈，清晰地演奏出每一个音符，连续5小节的较快速度的四连音容易使演奏者左手手指疲惫僵硬，所以要针对性训练左手灵活性。

一个正确的持琴姿势非常重要，好的手型和姿势是手指灵活性和独立性的关键，所谓的独立性就是可以任意下落手指进行按弦，不受限制。另外手指力量的练习也尤为重要，力量的练习是颗粒性的关键，在练习的时候可以高抬手指，手指自然弯曲，准确且有力量地下落手指，不得刮弦，当按压到琴弦上时，可以听到清晰的音高和手指与指板“碰撞”的声音，四个手指分别要在不同的把位、不同的琴弦上进行练习。

3.跳弓的演奏技巧

右手在握弓时将拇指朝向中指，当作一个支点，食指在弓上施加压力发出声音，通过食指的压力大小来掌握音乐强弱，小指起到平衡的作用。中指和无名指自然地放在弓上。握弓时必须保持弓子的运动自由，为了保持灵活性，演奏时右手放松，自然演奏即可，过度用力反而弄巧成拙。在提琴演奏中，跳弓是右手技巧中很重要的一项，其中最常见且使用最多的有两种，分为“自然跳弓”和“人工跳弓”。自然跳弓又称弹跳弓，或是快速跳弓，一般在曲子速度快时多有用到，在音乐术语中一般标记为“sautillé”。人工跳弓又称击跳弓，或是控制跳弓，一般需要演奏者右手有技巧地把控，在音乐术语中一般标记为“spiccato”。

178～179小节处出现连续跳弓的标记（见谱例7）。

谱例7：

例如谱例7中的跳弓就属于前文所提到的人工跳弓，因为此处速度为中速稍快，意为适中速度的快板，所以更适用于按照人工跳弓处理，这种跳弓可快速可慢速，强弱也相对好控制，可以演奏厚重或很轻巧的音响效果。

中央音乐学院赵薇教授在小提琴教学的理论书籍中，曾对其做出以下定义：“人工跳弓就是弓子离弦，从空中掉下，同时做横向运动，拉完这个音以后，弓又顺着反弹力离弦，等于弓在弦上走了一个下弧形，在这个弧形的底部或接近底部处触弦。这种跳弓的速度可以人为控制，弓段也可以根据音乐所需要的效果来选择。”在练习跳弓时，演奏者身体放松、右臂放松，自然地落在琴弦上，轻松地演奏即可，不要绷紧神经、过度紧张，跳弓本身就是一种省力的演奏技巧，只有心态和肢体协调放松，才能呈现完美的效果。演奏时弓子与指板平行，和拉奏一样的位置状态，人工跳弓更多是需要对弓子横向把控，每个人都有自己运动的习惯，要对自己的弓子了解，熟悉它的重量、它的弹跳点和平衡发力点，同一把弓子不同的人运用就会有不同的效果。练习演奏出的声音要平均力度，不能时而重、时而轻，控制声音需要多加练习，演奏出的声音决定音质的好坏，且最终决定跳弓的演奏效果。

（四）尾声演奏要求

尾声部分是乐曲的补充，调性和旋律都在主题素材上，乐曲一点点减弱、渐慢，将犹豫和伤感之情描写得淋漓尽致，掌握这一部分的主题，将乐曲表现得更饱满充实，为第一乐章画上完美的句号。

三、结语

舒伯特赋予《a小调奏鸣曲》深刻的内涵，用中提琴這种最接近人声的乐器演奏，更像是在诉说触动内心深处的声音。作者细腻而极致的创作与演奏家们倾情演奏相结合，以至于《a小调奏鸣曲》至今备受音乐家和听众的喜爱，在演奏过程中，不仅要运用正确的演奏技巧，而且要把握作品的内涵，把作曲家的音乐风格与创作背景相结合，用诠释中提琴演奏的方式呈现最真实、最完美的作品。

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