大提琴在交响乐团中的演奏要点

李娇娜

（佳木斯大学音乐学院）

一、交响乐团表演对大提琴演奏者综合素养的基本要求

大提琴是交响乐团中十分重要的演奏乐器，其音色浑厚饱满、情感浓烈，并在交响乐团表演中扮演者各类“角色”，对于提升交响乐表现力、感染力具有重要意义。但交响乐不同于独奏，不仅要求大提琴演奏者娴熟应用演奏技法表现好自己的声部，还需要其与其他器乐相互协同、相互配合。尤其是在日益繁荣的交响乐团表演下，大提琴演奏者需要具备高度的演奏能力，可配合其他声部形成和谐、统一的音响效果。为此，大提琴演奏者需要把握交响乐团中的演奏要点，坚持不懈地提升自身演奏能力、表现力与配合能力，以更为专业的演奏为交响乐增色。

一名合格的交响乐团大提琴演奏者需要具备以下综合素养：①优秀的个人技术。交响乐团表演中包含重奏与独奏，大提琴演奏者需要具备高度的音乐感知力、节奏稳定性，能够结合实际的演奏需求，灵活运用多种演奏技巧、音乐表现方式，保证自身演奏音色优美、把握音准。在重奏时娴熟运用演奏技法使得旋律整齐、层次鲜明。在独奏时注重表现作品情感、传递作品内涵，奠定交响乐的基调。并且要保持身心放松状态，注重自身呼吸与演奏旋律间的一致性，以此打造出优美动听的音色。②良好的音乐修养。交响乐中大提琴演奏实则是对音乐作品的二度创作，若想准确、深刻地表现出作品的本质内涵与浓烈的情感，大提琴演奏者便需要具备良好的音乐素养与深厚的文化底蕴，能够对音乐作品进行深入分析，从音符中探寻其透射的哲理与哲思，以此在演奏中丰富音乐表现力。大提琴演奏者可以在日常习练中以作品分析为起点，收集与作品相关的资料，了解作品的创作意图、诞生的时代背景、主要内容与核心思想，在此基础上，经过反复的联系找到表达情感、寓情于声的最佳渠道，以此达成声情并茂的演奏效果；③优秀的合作能力。大提琴演奏者需要快速把握指挥不同动作的意图，找准起始时机，当出现错误时，需要及时采取措施进行调整与改进，避免自身的演奏影响其他声部。在演奏实践中，也需要注意聆听其他乐器的声音与自己的演奏声音，注意声音的协调性，当出现不和谐情况时及时调整，改变演奏方式，以此提升自身的合作与配合能力；④强大的心理素质。交响乐团大提琴演奏者需要在配合其他声部的同时，避免受到外界因素的干扰，保持良好的心态应对突发情况，解决问题并表现出音乐的感染力。实际演奏中会出现诸多情况，心理焦虑感、不安感、紧张感等都会影响演奏水平的正常发挥，因此，强大的心理素质、高度的注意力以及积极的心理状态是交响乐团大提琴演奏者必备的素养。

二、大提琴在交响乐团中的演奏要点

（一）指法运用要点

在交响乐演奏中，为保证大提琴演奏的流畅、自如，演奏者需要掌握基本的指法运用要点：①同指换把指法。适用于演奏节奏较快、阶梯进行的乐句，可有效应对交响乐演奏中因频繁换把导致演奏不流畅，或因反应过慢影响演奏效果的问题。但同指换把技法的局限性在于其具有一定的痕迹，因此建议在半音间进行换把；②异指换把指法。其适用于不同音程距离的换把中，为交响乐大提琴演奏中最为常用的一种指法，演奏者是否能够对其进行灵活应用，体现了演奏者视奏能力的高低。尤其是同音换把中的异指换把指法运用，要求演奏者以不同的手指在不同的把位上演奏同一音高，可以调节音色、推动音乐情感及情绪的递进，并且增强音乐的表现力；③空弦、泛音。在演奏快速乐句时，大提琴演奏者可借助空弦、泛音进行换把，如在手指脱离泛音位置后，因琴弦的震动尚未停止，其音响依然会持续一定的时间，利用该时间进行换把可消除换把演奏的痕迹，提升大提琴演奏的流畅性；④揉弦演奏技巧。在交响乐团的大提琴演奏中，揉弦指法较难，主要原因在于该技法对手指的灵活性、手指间的配合等提出了较高的要求。但揉弦技法也是交响乐团大提琴演奏中的常用技法之一。在演奏实践中，不仅要注重日常训练、保持身心放松状态，还需要结合实际需求控制好演奏的力度与速度。在面对强音与低音的转换时手指灵活弹奏，以较快的速度奏出强音，适度提高振幅。在演奏弱音时，要放慢速度，适度降低振幅，以此形成揉弦技巧，助力大提琴音色特点的彰显；⑤音准把握技巧。把握音准是交响乐团大提琴演奏中的基本技巧之一。在实际的演奏中，经常会出现手腕压住拇指的现象，究其根本在于未能以拇指指端触碰琴弦，导致在演奏中灵活性不足。为改善此种演奏现状，需要注重拇指柔韧性的训练，把握好每个手指所对应的琴弦，在快速演奏中手指间完美配合，再加上每个手指对音符的准确把握，可以使演奏音色优美动听、音响效果饱满灵动。

（二）节奏判断要点

节奏判断是交响乐大提琴演奏要点之一。在交响乐演奏中，大提琴演奏者需要观察指挥的每一个动作，从中捕捉乐团整体演奏的节奏变化，找准节拍转化的时机，并在指挥做出相应手势后予以反应。

其一，为节奏型弓法判断。在弦乐分谱上标记好模进型、切分型、复合型等弓法后，大提琴演奏者需要把握各种节奏型弓法的性质，找准其内在的节奏感，经过反复联系后在实际的演奏中及时快速的判断，根据整体的节奏调整自己的演奏节奏，把握好节拍的特点与变化规律，注意各类乐器之间的协调性，可有助于表现音乐细节及技法效果。其二，为谱面上的节奏判断。大提琴演奏者在视谱合奏初期，需要养成分节拍的良好习惯，针对复杂节奏型，可从另一维度对其进行划分，体会复杂节奏型的内在机理、音乐动机以及变化规律，在实际的表演中做好演奏处理，制定出与之相适宜的指法，选取与之相契合的演奏技法，才能保证交响乐演奏整体节奏和谐、旋律协调。例如，在《谜语》变奏曲第七变奏中大提琴声部中，其节奏看似简单，但其音符在每一小节节拍中，都在变化着位置，对于此类复杂的节奏型，大提琴演奏者需要把握其节拍变化的规律，保证在演奏中不会丢失节奏重拍。

（三）呼吸调节要点

音乐是人类语言的高级状态，与语言相同，均有着长短不一的句子、抑扬顿挫的语气、饱满而又深刻的情感。也如语言的发音一般，需要依靠呼吸进行断句、调整语气、积蓄情感。在交响乐大提琴演奏中，如果演奏者忽视了音乐的呼吸及生命力，在对乐句的处理不到位，便会使得演奏出的音乐缺乏律动性，给人以呼吸困难之感。为此，大提琴演奏者需要把握音乐呼吸的要点，处理好乐句的划分，并以音乐的呼吸流畅、自如地表现出音乐的情感。

首先，反复聆听与感悟音乐作品，在内心上认同每一乐句的含义及其与整体旋律之间的关系，在乐句划分上，一要注重乐句的不同划分方式，体会其细微的差距，以此从音响效果、表现力两个方面，选择出最为适宜的乐句划分方案；二是要格外注重顿音、跳音等，虽然这些音不相连，但并不意味着其不属于同一乐句中。因此，在乐句划分中，要围绕其内容、旋律线条、节奏特点等予以准确处理，把握好乐句之间的衔接、承接与转折，处理好各个乐句的情绪与情感变化，以此提升自身的演奏技能；其次，要理解乐句间的呼吸规律，例如，在演奏《天鹅》大提琴声部时，需要思考作品的内涵与其塑造的音乐形象，以“深沉的呼吸”体现出天鹅的高贵华美，体现出乐句之间的连接形式，适度降低演奏的速度，与作品的音乐形象、音乐内容相统一，可为受众创造更为真切的审美空间。最后，应保证自身的呼吸与音乐呼吸相契合，如在演奏快速乐句时，应调动自身情绪加速呼吸，将自身代入到音乐的情境与情感氛围中，才能够达成主客观的辩证统一。

（四）音乐表现要点

交响乐大提琴演奏，实则是对音乐作品内涵的表现及对作品的二次创作，而小提琴演奏者肢体语言所呈现的情感及情绪力量与娴熟演奏技法下流淌出的旋律、节奏等结合为有机整体，便是最佳的二次创作境界。唯有小提琴演奏者认识到演奏与作品表现的本质——二次创作，才能够对演奏充满热情。为此，大提琴演奏者需要将自身的生活阅历及感悟、对作品内涵的理解、对演奏技法应用的不同尝试融入演奏中，将静态、抽象的乐谱转化为独具魅力及个人风格、具有感染力与表现力的多元化音响效果，在把握大提琴发声机制、音色特点的基础上，以多种处理方式、表现形式等赋予作品时代性内涵，并且在与其他声部配合的前提下，凸显出大提琴特有的音色、音乐思维。这就要求大提琴演奏者秉承与时俱进的理念，避免走入因循守旧的无趣，逐渐开阔自身音乐艺术视野，站在交响乐团演奏整体视角，不断进行演奏创作。同时，要深化自身的文化底蕴与艺术修养。音乐的创作源于对美的感知，在交响乐团大提琴演奏中，演奏者以自身的理解与感悟对乐谱进行声响化处理，再现作品的内容与内涵。若想融汇情感、演奏技巧与独特音色，便需要有着高度的音乐感知与艺术素养，能够发现常人难以观察到的思想精神，可以将其经过音乐处理后转化为动人的旋律，唯有如此，才能够达到良好的演奏效果。

三、大提琴演奏者提升自身专业技能与综合素养的策略

（一）勤于习练，夯实基础

成为一名优秀的交响乐团大提琴演奏者，需要经历时间的积淀与训练的洗礼，唯有勤勉刻苦、坚持不懈才能赢得辉煌的成就。但在日常习练中，大提琴演奏者还需要探索出一种适应自身特性、符合团队表演的训练方式。其一为“唱”。这里所说的唱并非如专业声乐演唱者一般注重音色，其要点在于帮助大提琴演奏者把握音准音高，熟悉音乐的曲式结构、节奏型等。演奏者在日常习练中，可先哼唱乐曲，如果出现不能准确把握音高的情况，可以借助钢琴等乐器进行矫正，并在乐谱中标记出强弱力度标记、节奏型标记等。其二为“练”，除了要熟练掌握上文所述的指法运用要点之外，还需要注重练习手臂、手腕与手指之间的协调性，提升自身的身体素质，保证在大型交响乐表演中，保证大提琴演奏的流畅性与稳定性。

（二）保持专注，从容应对

大部分大提琴演奏者在个人技能与演奏技法上具有较高的造诣，但在实际的表演中，却会出现未能完全发挥或频繁出错的问题。造成此种现象的主要原因在于其并未将身心完全投入到演奏中，对自身表现水平、外界环境等思虑过多，注意力的分散将会导致身心不协调，进而影响到实际的演奏效果。为此，小提琴演奏者在日常习练与正式表演中，需要将注意力集中在实际的演奏上，关注音色、乐句表达、音乐的律动性，并提前在头脑中构想交响乐表现的效果，以此演奏出美妙、和谐的声音。同时，大提琴演奏者可将自身对外界因素的思虑转化为表情与肢体动作，以非语言符号向受众传递情感与情绪，增强受众对交响乐的沉浸感代入感。此种方式不仅能够增强交响乐的表现力，还可为演奏者复杂的心理状态、深厚的情感寻找一个载体与表达的出路，可缓解演奏者的紧张情绪，使自身通过练习与表演的实践形成强大的心理素质。

（三）做好准备，成竹在胸

其一，对音乐作品进行深入分析，不仅需要了解音乐作品的曲式结构、旋律基调、复杂节奏型，还需要了解作品的创作背景、时代特征、创作者的情感与思想等。尤其是演奏新乐曲时，需要根据日常的习惯划分好乐句，标注出相应的记号，反复哼唱后掌握乐曲的音乐要素与特征，经过反复练习后配合以娴熟的演奏，在实践中发挥自身的创造力与专业能力，在作品分析中提高自身的审美想象力，才能在演奏时做到成竹在胸。其二，需要对乐曲进行试奏。即使面对经常演奏的曲目，大提琴演奏者也需要做好试奏准备，在此过程中，不断尝试拨奏、揉弦。断奏等技法，树立二次创作的思想持续优化自己的演奏方式，在配合其他声部的基础上，增强小提琴演奏的表现力与独特魅力。其三，需要接受他人的指导，积极借鉴优秀大提琴家的演奏经验，经常性观看交响乐团的现场表演视频，从中汲取灵感、获取动力、积累经验、获得启示。

（四）良好配合，集体为重

在交响乐表演中，各个声部并无主次之分，也无孰轻孰重，而是共同服务于音乐作品的表现与情感的传达。因此大提琴演奏者既不能妄自菲薄，也不可轻视其他声部，而是要秉承平等的原则与其他声部相互配合，以集体的演奏效果为重，通过积极与其他声部演奏者、指挥的沟通增强凝聚力，使乐团成员朝着统一的目标奋进，进而在最大程度上，避免交响乐表演中出现节奏不协调的现象，保证交响乐表演具有和谐、协调的美感。同时，要在演奏前注意对整个演出过程的规划，积极参与到表演策划、组织等各个环节之中，通过日常的交流合作提高自己的合作能力，在讨论探究中有效解决实际的演奏问题。

四、结束语

在音乐事业繁荣昌盛的环境下，交响乐团表演也获得了长足的发展，对小提琴演奏者个人技能、音乐素养、合作能力与心理素质都提出了更高的要求。为此，小提琴演奏者需要把握交响乐演奏的要点，在演奏中娴熟运用各类演奏技法。同时，要加强日常习练、保持专注力、做好演奏前的准备，并与其他声部良好配合，在突出自身演奏能力的同时，注重表现作品的情感与内涵，以此为交响乐表演增色。