当下多元戏剧发展与嬗变——以开心麻花团队作品为例

□王凌云 张航航

1905年，中国第一部国产电影《定军山》充分体现了中国人对电影的初步理解，“影戏”可谓是电影与戏剧最初的结合。在中国电影成长过程中，丰厚的传统戏剧文学遗产为中国电影创作提供了题材与灵感，与此同时也造就了一批优秀的表演与舞美人才。

戏剧是以“表演”为核心的综合性艺术，电影则是以“影像”为核心的综合艺术，戏剧的现场演绎与电影创作的画面呈现，均属大众艺术的电影与戏剧，由此划分出了电影观众与戏剧观众。戏剧与电影艺术相互竞争，观众成为两者争抢的对象。

从20世纪中国电影出现伊始，关于戏剧走向末端的话题层出不穷，然而直到100多年以后的今天，戏剧非但没有被电影所取代，更在不断突破与改变，伴随信息时代的崛起，找到了自己的新定位。

“表演是人类的本能”，用动作和语言来推动一个故事自始至终都是表演的最基本呈现方式。戏剧的优势在于“现场表演”与“双效交流”，这是电影电视艺术所无法替代的；若处于剧院之中，能够明显地感受到，舞台上演员的一言一行都可能随时激起台下观众的情绪与反应，演员不仅存在于剧情之中，同时也存在于剧场之中，对台下的反应是有明显感触的，观众是一个客观存在，对演员的影响无法排除，所以观众的反馈关乎演员的情绪与表演质量。

这种观演关系的即时传达与反馈，是及时且有效的，同时也是一种激励与压力，能够在无形中促进演员演技的提升。

一、新时代下戏剧精神内核

文艺创作应与时代同频共振。科技的不断发展，带动着创新，如今在新媒介环境下，戏剧舞台已不再是文化传播的唯一途径，短视频、社交软件等多元新兴文娱产物如雨后春笋般涌现出来，与其让观众被这些新产物分流，不如让戏剧文化充分利用新媒体，与时代同步，结合舞台科技的发展、数字媒体等技术，丰富戏剧表现，全方位提升戏剧传播价值，确立戏剧文化传播新观念。

2011年10月国家提出建设“文化强国”长远战略，促进了国民文化素质教育不断提升。当下，国有剧团与民营剧团并驾齐驱，尤其是民营剧团逐渐明确自身定位，国内话剧的发展趋于向好，在求新求变的艺术实践中，逐渐调整其演出形式及作品内容，逐步探索出一条符合当下市场体制的专业化模式，将戏剧艺术性与商品性结合。

其中，喜剧产业异军突起，开心麻花团队、雷子乐笑工厂、“新笑声客栈”俱乐部、大碗娱乐在欢声笑语中成为我们熟知的喜剧创作团队。

随后，依托喜剧团队所开创的《笑傲江湖》《欢乐喜剧人》《喜剧总动员》等节目也逐步增多，沈腾、贾玲、张小斐、艾伦、魏翔等喜剧演员也成为高点击率的热点人物。

开心麻花团队从2003年成立至今，坚守戏剧品质，逐步成为民营剧团中的佼佼者，其风格迎合当下观众品味，从最初的舞台剧《甜咸配》，到剧院热播作品《爷们儿》《乌龙山伯爵》，再到话剧改编电影作品《夏洛特烦恼》《羞羞的铁拳》，以及春晚作品《扶不扶》《投其所好》和《热带惊雷》等节目竞赛作品，都积累了一定的口碑，确保了幽默爆笑的效果。那些经过打磨的成熟喜剧作品，最终搬上电影荧幕，确保了电影票房，坐稳了麻花团队的口碑。

开心麻花团队的舞台作品风格独特，故事的起承转合顺畅，人物性格鲜明，让观众能够随时入戏，话剧《夏洛特烦恼》中的夏洛、春晚小品《扶不扶》中的郝建、舞台剧《热带惊雷》中让·雷扎、《羞羞的铁拳》中的艾迪生、电影《西虹市首富》中的王多鱼，都确立了自己鲜明的人物形象符号，代表了麻花团队的形象。

1.台词构造

在开心麻花团队的舞台作品中，台词的设置也摒弃了堆积网络段子的手法，而使用的是较为大众化、口语化的日常用语，依照剧情的推动与发展，构成诙谐幽默且犀利大胆的台词，不少台词一度成为喜剧经典，在让观众感到轻松与愉悦的同时，也兼具深刻的思想内涵。

麻花团队的作品既有对现实社会的讽刺，也有对热点的批判与思考，然而这些大胆且犀利的台词并不是赤裸裸展露在舞台之上，而是带有委婉的隐喻，以诙谐且巧妙的方式表达出来，让观众思考片刻后，能够迅速达到共鸣。

例如在《夏洛特烦恼》中，马冬梅与坏哥哥陈凯的一段对话——马冬梅：“站住！是不是只要我答应跟你钻小树林，你就能放过夏洛？”在这段台词中，“小树林”委婉地表达了在成年人世界中“失去贞洁”的意味，让观众误以为马冬梅为了夏洛的前途，被迫和坏哥哥陈凯钻了小树林被玷污，但随剧情的反转，观众会发现，坏哥哥陈凯被彪悍的马冬梅在小树林里狠狠地教训了一顿，观众就会破涕为笑，也避免了未成年人难以理解的尴尬。

2.人物形象

在开心麻花团队作品中，人物角色也较为鲜明。戏剧作品的主题由剧中人物承载，其人物角色的思想、命运与性格都传达着作品的主题思想。

在麻花剧作中，精心构建小人物，注重突出生活中普通人的经历与感悟，而这些小人物都有一个共同之处，那就是在生活窘境中的挣扎，试图改变现实。面对荒诞的生活，只有奋起反抗，才能改变人生轨迹，这样的设计才能让人物承受生命之重，引人入胜，而题材也大多是贴近现实的事件，去挖掘可贵的人性闪光点，凸显积极的普世价值。

例如，在线下话剧《李茶的姑妈》和《夏洛特烦恼》中，姑妈想要逃离上流社会生活，夏洛则是穿越上流社会明白了平凡的可贵，最终梦醒长夜，回归人生正轨；在电影《西虹市首富》中，男主王多鱼拥有了一夜暴富的机会，接着开始探讨如何在一个月内合理有效地花光十个亿，以继承三百亿。这成了男主角王多鱼苦恼的根源，也成了诸多乱象的根源。

3.主题延伸

在开心麻花团队作品中，作品主题几乎都能品尝出或多或少的批判意味，主创人员以喜剧为载体，将时代问题、社会热点融入故事，主题大多关于梦想、爱情、亲情、友情以及生死，直击社会问题。

在舞台作品《热带惊雷》中，首次将作品主题聚焦生死上，以一种黑色幽默的方式点明“反战”主题，让观众在大笑后，思考着生与死的严肃问题。《爸爸爸爸爸爸》是一个以“防拐”为主题创作的舞台作品，两个假扮小学生的成年人和一位假扮人贩子的老奶奶，在校园门口展开了一场小学生与人贩子的较量，剧情反转后，催人泪下，沈腾扮演的被拐孩子家长吐露肺腑之言，展现了小品主题，结尾的一曲《防拐歌谣》将气氛推向高潮，不少观众产生共情、为之流泪，作品诠释了主创团队强烈的社会使命感与责任担当。

二、戏剧作品跨媒介改编与传播特征显现

21世纪以来，随着时代与科技的发展，电影已然成为消费者精神娱乐首选。随着互联网行业的兴起，影视行业对优秀作品的需求也随之增加。而电影与戏剧作品都具有叙事性的特点，除去对文学作品、游戏、动漫等艺术形式的影视化改编外，同属“时间”与“空间”艺术的话剧已然成为影视化改编的最佳选项。抛开镜头语言、影视技术、后期剪辑等方面的差异，话剧成熟的剧本成为其影视化改编的优势。

将近20年的舞台演出，也为开心麻花团队积累了一定的粉丝群体，为了寻求发展，开心麻花团队开启多板块全面发展模式，致力于打造多元化娱乐文化产业，并在多领域拓展“麻花”业务，投身到音乐剧、电影等领域。除了30余部舞台作品以外，“麻花”电影作品也受到了社会各界的关注。从舞台走向银幕，这一跨媒介的传播转变，也会开拓新的受众群体，实现1+1＞2的功效。话剧剧本的影视化改编要做到在不破坏原有作品精髓的同时，还要构思出符合银幕的演绎方式，这种改编方式难度不亚于新的剧本创作。

开心麻花无论是舞台剧还是其他艺术作品，都秉承“原创”态度，第一部“开心麻花”电影《夏洛特烦恼》于2015年国庆档前后上映，该电影一经上映便赢得良好口碑，这离不开3年舞台剧演出打下的基础。作为仅投资2000万元的小成本电影，且在无任何流量明星、大腕、电影特技的参与下，单凭过硬的剧情与爆棚的口碑，得到了超过14亿元的票房，一度成为当年国庆档的“票房黑马”。随后，开心麻花团队又将《羞羞的铁拳》《驴得水》《李茶的姑妈》《半个喜剧》等舞台作品相继改编为电影，取得一定票房。

我们不难看出，“麻花”已然确立了独有的风格。“麻花”戏剧作品的跨媒介改编，进行了适当增加和删减，来实现影像表达的完整性与流畅度。

1.从“场”到“镜头”的变换

电影艺术属于画面的拼接组合，以“镜头”为单位，时空跨越不受舞台限制。话剧则是以“场”为单位，主角、配角的行动也完全暴露在舞台上，观众的视点不受控制。但在电影中，镜头能够主导观众的视点，通过镜头的展示，引导观众关注创作者想要凸显的情节，可以带领观众审视主角的生活与环境，一目了然，与舞台需要调度场面相比，电影可以高效展现创作者想要表达的情节内容，同时也会加入电影镜头语言的思考，赋予更大的画面张力。

2.舞台布景的改变

在舞台上，空间是有限的，布景具有一定局限性，具象性的布景可以通过简单实物展现，例如《夏洛特烦恼》中的教室可以用简单的桌椅、黑板布景。而一些稍显繁杂的布景则会以虚拟化的方式表现，例如《李茶的姑妈》中的海岛是通过帐篷与灯光呈现，游艇是通过台词来交代。

在电影镜头中，则可到真实场景中进行拍摄录制，电影的真实性要比话剧舞台更强。

3.表演上的转变

戏剧与电影的不同，还体现在舞台表演与镜头前表演上。台词和肢体动作是两者在人物塑造上的最大区别。话剧相对于电影而言叙事性更强，因为“第四堵墙”的约束，在舞台上演员的肢体动作、台词、面部表情以及情绪的收放，都会相应放大。

台词有助于演员生动地诠释舞台人物形象，非常考验演员表演艺术的基本功。舞台上常展现角色的大段台词，以抒发内心情感，直面台下观众，这类台词极具爆发力和感染力。但若放在镜头前，通过荧幕展示大段台词就不是非常合适，此时就要根据电影情节和发展的需要对台词进行删改，能用画面表达出的内容，就不会使用台词进行赘述。

另外，电影拍摄中声音收录不完美的，还可以通过后期配音弥补，而舞台表演则需要让观众清晰明了地听到台词，没有弥补的机会。这就是演员在舞台上与镜头前表演时台词方面的区别。

在人物肢体动作方面，镜头前的表演需要尽可能采用贴近生活化的动作，使用细腻的表演方式，突出微表情，可以给局部特写镜头；舞台上的表演则需要通过对肢体动作的放大来表达人物感情，与观众建立共情。此外，电影画面拍摄可以使用不同的景别与角度，根据后期制作需求和导演要求，可多角度、多层次地拍摄演员肢体动作，最终选出最符合预期效果的画面，且每一次动作都可以重复进行拍摄，稍微了解一些电影现场拍摄的也会知道，在拍摄一些镜头的时候，演员是缺乏对手交流的。然而，舞台上的表演是具有连贯性的，这就对演员肢体表演要求更高，从话剧的开始到结束，整场表演都是一气呵成的。这就是演员在舞台上与镜头前肢体动作方面的差异。

三、结语

综上所述，话剧剧本和电影剧本在诸多方面存在差异，所以不能直接将话剧剧本原封不动地搬到影视中，急于求成的制作必然无法成为成功的作品。电影是人民群众的重要精神文化食粮，是彰显文化自信的重要载体。开心麻花团队在话剧改编电影上较为成功，这与编剧团队充分了解电影语言与话剧架构的不同分不开，且通过一次次改编作品的成功，积累了丰富的市场经验，提升了剧本改编的质量。

此外，话剧表演和电影表演方式也不同。舞台喜剧中，演员直接面对观众。而在影视喜剧中，演员和观众不处于同一个观演空间。有的影视喜剧是通过蒙太奇剪接等后期制作才凸显出喜剧效果。这就对剧本、表演、台词、后期制作等都提出了更高要求。

当然，“麻花”作品仍有提升的空间。文艺界已达成共识，需要积极提升文艺作品的思想性，体现文化引导社会、教育人民及促进发展的功能。从这一点上来讲，“开心麻花”作品应该在体现更深刻的主题与思想性上下气力，积极传播主流价值观，深刻提炼生活、生动表达生活、全景展现生活，在满足娱乐性的同时，提升喜剧作品的内涵，全方位拓展品牌效应，以更多思想精深、艺术精湛、制作精良的作品服务人民，形成价值共振，提升文化自信。