从光影角度来探析剧场艺术——以罗伯特·威尔逊的作品《沙滩上的爱因斯坦》为例

刘秋霞

（香港演艺学院 香港 999077）

罗伯特·威尔逊是一位十分成功的艺术家，外界对他的称呼有很多，比如：一位著名的导演、舞台建筑师、编舞、策展人、视觉和灯光设计师等，其中，其导演身份最为大众所知。迄今为止，他创作了许多大众耳熟能详的作品，比如，2004 年的《拉封丹寓言》、2013 年的《卖火柴的小女孩》等。特别是他1976 年创作的剧作《沙滩上的爱因斯坦》，被誉为后现代主义戏剧的代表作品，也被认为是他最伟大的作品之一。在首次演出近40 年后，《沙滩上的爱因斯坦》经由导演重新编排，于2012 年春天在蒙彼利埃开拍，2015 年秋天在韩国落幕，并进行了国际巡回演出。从演出的结果来看，这部作品的制作是成功的。

罗伯特·威尔逊曾经说过：“灯光在我的作品中占有特殊的位置。我认为，戏剧最重要的元素是灯光——这个元素帮助我们观看和倾听。戏剧是‘空间和灯光的建筑……’，无灯光则无空间。没有空间，时间就无法存在。”受此启发，本文将通过分析罗伯特·威尔逊的经典作品《沙滩上的爱因斯坦》来探索灯光在剧场艺术中的重要性，以及灯光在艺术创作中的独立性。

一、剧场灯光的起源与发展

对于“光”，我们并不陌生，我们可以将光分为自然光和人造光。在古希腊时期，人们便开始将“灯光”的概念运用于剧场。那个时期的剧场大多数是露天或半露天的，主要由乐池、景屋以及观众席这三个部分构成。借助于剧场的建筑结构，人们开始探索自然光在表演中的运用。希腊戏剧是从白天开始表演的，戏剧表演经常利用太阳的位置来设计光在剧场表演中的运用，将自然光融入表演，提升表演的时间及空间层次感。到了17 世纪的文艺复兴时期，灯具、蜡烛和手电筒被广泛应用于剧场艺术中。同一时期，尼古拉·萨巴蒂尼（Nicola Sabbatini）和莱昂·德索米（Leon de’ Sommi）发展了舞台照明技术，开始使用聚光机制和调光机制。此外，他们还开发了使用彩色灯光的技术，为之后灯光在剧场的应用与发展打下了坚实的基础。

18 世纪，随着启蒙运动的到来，灯光设计者们开始注重利用灯光营造氛围，他们开始尝试黑暗与灯光的强烈对比。到了19 世纪，灯光的使用发生了巨大的改变。1817 年，煤气灯开始运用于剧场，亨利·欧文爵士（Sir Henry Living）开始尝试使礼堂全部变暗，然后调节煤气灯的亮度和色彩来调节剧场灯光。同年8 月6 日，英国兰心剧场第一个开始以瓦斯照明舞台，这标志着舞台灯光的崭新时代。1879 年，爱迪生发明了白炽灯泡，把舞台灯光的应用推到了一个新的高度。到了20世纪，随着科技的进步和发展，各类舞台灯光设备层出不穷，使灯光不再只是一个辅助剧场表演的设备，而成为一个单独的艺术承载体。总的来说，灯光的多样性促进了灯光的独立性，现如今，灯光已成为一种具有独立表达能力的艺术装置。

二、灯光的作用

（一）用灯光来定义舞台上的空间

灯光的第一大重要作用是可以重新塑造和定义舞台上的空间，并使表演空间多样化。通过分析罗伯特·威尔逊的作品《沙滩上的爱因斯坦》，我们可以看到罗伯特·威尔逊是如何通过灯光来定义舞台空间的。第一，罗伯特·威尔逊喜欢用灯光肢解身体。比方说，在全暗的剧场中，用聚光灯定格在演员身体的某一个部位。从空间角度分析，这样的行为起到了放大空间和缩小空间的作用，使观众可以充分沉浸于导演所设置的剧本内。如果说，第一点是围绕着演员身体所制造的小空间，即缩小灯光范围，扩大人物行为，那么，第二点便是将演员置于大的灯光空间内，即“光影的几何学”。在罗伯特·威尔逊的作品中，我们常常可以看到“长方形”“菱形”“圆形”以及“三角形”等几何形状，这些形状都是通过灯光投射出来的。它们被投射于背景板上，有时，它们代表着“日出”“日落”“月光”，有时，它们是切分舞台的“沟渠”，用来向观众诠释两个不同的世界，可能是平行世界，也可能是有前因后果的事件；它们被投射到舞台地板上，像是在强调某一具体空间，亦是在限制演员的活动空间；有时候，多种灯光被同时设置，同一时间或先后出现在舞台上，舞台被灯光分解为多个大大小小的空间。如果观察得再仔细些，我们会发现，罗伯特·威尔逊为每一位出现在舞台上的演员，无论是有生命的演员还是无生命的演员，都设置了属于他们自己的定点光，即他们都拥有属于自己的舞台“灯光空间”。无数的小空间汇集在一个大的空间内进行艺术的传达，这是通过视觉来讲故事的关键一步。

（二）用灯光表达情感

灯光除了可以定义舞台空间，还可以传达情感，这个功能主要体现在彩灯的使用上。或许是受他学习绘画的经历的影响，当观众欣赏罗伯特·威尔逊的每一部作品时，总感觉是在看一幅幅动态的画，每一帧、每一秒都可以拿画框单独框起来。他的整个创作像极了绘画的过程，而灯光就是他的颜料盘。他叠加使用多个不同色彩的灯光，以达到作品所需要的意境和画面感。他的作品《沙滩上的爱因斯坦》使用了大量的深蓝色的光和黄光作为主要背景色，火车上的凶杀案的故事基调色彩是深蓝色的，它代表着神秘的氛围，并表达了一种紧张的情绪，而接近结尾的那一大片黄光，由多个不停闪烁的黄色小灯泡组成，它像是海边由一粒粒黄色细沙组成的沙滩，也像是一场正在进行的暴乱，预示着下一场谋杀或是光明即将来临。总体而言，光可以决定我们如何看待一张脸——它可以传递性格或情感。

三、光与暗的对比——《沙滩上的爱因斯坦》

耿一伟在《光的无限力量--Robert wilsom》一书中反复强调：“光是罗伯特·威尔逊剧场美学的关键词。”在Robert 的作品里，“光”也是演员，和表演者一样重要，受此启发，本段主要从“光”的角度出发，以及光与暗的对比，赏析Robert 的经典之作《沙滩上的爱因斯坦》。

在剧场里，有暗的对比才会显示出光的存在，光和暗从来不是各自单独存在的元素。在舞台上，通过光与暗的对比，可以增强视觉效果，并达到用视觉讲述故事情节的作用，也就是灯光的“戏剧性”。从图一我们可以看出，在这个画面里，导演使用了大量的灯光设备。从视觉角度出发，这些光大概有几十种。有投射的光，也有设备自带的光，这些光的落脚点不是在人的身上就是在道具上。通过这些光亮的部分，我们可以清楚分辨得知导演想要强调的人物，以及人物的群体。而那些黑暗的空间，正是“人群”与“人群”的分界线。这样做的好处是，可以让观众快速地从二十几个演员中清晰分辨他们所属的群体和人物特性。如果将演员作为整个剧本的主导性群体，那么，图一的主角是“光”，而图二的主角则是“暗”。

说到舞台上的“黑暗”，观众似乎更容易记住“光明”的部分。在对光的追求上，罗伯特·威尔逊紧跟阿道夫·阿皮亚（Adolphe Appia）的步伐，整个作品的灯光都从三维角度出发，而不是把舞台仅仅当成一个二维平面。在他们的艺术思维中，“黑暗”与光明同等重要。回头看图2，图片中的大多数人都变“黑”了，只有4个人可见。在这张图片中，“光”成为背景，“光明”和“黑暗”之间的对比使它们各自扮演着不同的角色。广泛的“光线”有助于推进故事情节，并为作品营造氛围。大尺度的“光”起到了推进故事情节和夸大作品气氛的作用。在图2中，导演使用了大面积的黄光，一群穿着爱因斯坦服装站在黄光下的人，仿佛在提醒观众，黄光是海滩，而爱因斯坦就在海滩上。这种手法不仅阐明了主题，推动了故事情节的发展，而且在一定程度上传达了情感，渲染了作品的氛围。这主要体现在黄光中，就像一群“日出”的人站在日出的背景中，是一种“希望”情感的传递。另一方面，“黑暗”用于表达故事的背景并描述故事情节。在图2中，暗部是人，人是整个故事的领导者，这些人在整个场景中都是黑色的，与明亮的部分相对比，他们就像皮影戏，每个人都站在不同的画框里，拼接成一幅大图，仿佛在向观众解释爱因斯坦人生的不同阶段，也就是描述故事的背景。

四、结论

通过上述文章对灯光的分析，我们可以得出灯光的三大特性，即“辅助性”“独立性”以及“戏剧性”。外界赋予舞台灯光的定义有很多，但大多数都是在描述灯光的“辅助性”。其“辅助性”在于灯光的运用可以提升作品的质感与表达。像Robert一样在创作中优先考虑灯光，然后再进行其他部分创作的艺术家少之又少。在Robert的作品中，我们可以感受到灯光的“独立性”，并且，通过分析Robert的作品《沙滩上的爱因斯坦》中的灯光运用，我们也可以了解Robert使用灯光的一些特殊手法。比如，Robert会用灯光肢解身体塑造剧场小空间，或者用“光影几何学”分解舞台空间，增加整体空间的层次感。其种种手法和迹象都在向外界揭示，灯光在剧场表演艺术中不仅仅是辅助那么简单。在Robert的剧场中，灯光还具备“戏剧性”，其“戏剧性”主要体现在“光”与“暗”的对比中。

①Adolphe Appia（1862—1928），瑞士建筑师、舞台照明和装饰理论家。

②Nicola Sabbatini（1574—1654），巴洛克风格的意大利建筑师。

③Leon de’Sommi（约1525年）,意大利剧作家、导演、演员、诗人、翻译家、戏剧家。