观于象外，得之寰中

岑向梅

【摘要】中国画讲求托物言志、寓理于情;讲求言简意赅、凝练节制;讲求形神兼备、意境深远，强调知、情、意、行相统一。要让学生理解“以形写神”，就必须先学会赏析中国画，通过赏析，理解画家要表达的深刻内涵，读懂其内在含义，开阔学生的眼界，提高学生的理解能力和审美情操。

【关键词】中国画;鉴赏;初中生

“中华优秀传统文化是中华民族的精神命脉，是涵养社会主义核心价值观的重要源泉，也是我们在世界文化激荡中站稳脚跟的坚实根基。”这是习近平总书记在2014年主持召开文艺工作座谈会上的重要讲话，中华优秀传统文化是中华儿女的根，是民族兴旺的源。

我国历史悠久，源远流长，优秀传统文化有很多。中国画两千多年以来，在中华大地长盛不衰，可以堪称中华优秀传统文化的代表之一。究其因，在于中国画“讲求托物言志、寓理于情，讲求言简意赅、凝练节制，讲求形神兼备、意境深远，强调知、情、意、行相统一。”重视情感表达，内涵深远，讲求意境与艺术情趣，充分体现中国人的儒家思想和智慧。

党和中央重视传承与发展中华优秀传统文化，教育界义不容辞，在“双减”政策背景下，中国画日益受重视，在很多中小学，甚至幼儿园都开展了中国画教学或“创意水墨”，这是喜闻乐见的事情。中国画不拘泥形式，笔法可繁可简，入门容易，深得幼儿喜欢，在幼儿园和小学阶段学习中国画，可以掌握水墨的基础技法和简单的造型方法，幼儿大胆下笔，无拘无束，整体画面效果热闹、丰富，但是幼儿的国画只停留在表现方面，要真正理解中国画的内涵，深入探索中国画，就要从初中开始。

根据著名心理学家皮亚杰的观点，12岁开始的少年儿童正处于“形式运算阶段”，不再拘泥于具体、现实的事物，开始形成抽象概念及思维，进行逻辑推理，能够理解符号或图形的暗喻、借喻等，有一定的概括、归纳能力。在美术的角度，15岁的青少年开始踏入真正的美术大门，进入“成人美术”范围。但是这个时候的学生正处于“痛苦”的阶段，一方面不再向小学生一样心无旁贷、随心所欲地画画，另一方面没有纯熟的绘画技巧和适当的表达方式作为支撑，表达心中所思所想，眼高手低。

中国画表现的既不是具象写实事物，也不是纯粹的抽象主义，是介乎于抽象与具象之间，我们可以称之为“意象”，齐白石提出的“似与不似之间”，李苦禅提出“以神取形，以意舍形，最后终能做到形神兼备，言简意赅”。由此而见，中国画非常适合初中阶段的学生学习。根据学生的年龄心理特点，初中阶段的中国画学习在水墨技法的基础上“以形写神”，但是，要让学生理解“以形写神”，就必须先学会鉴赏中国画，通过鉴赏，理解画家要表达的深刻内涵，读懂其内在含义，开阔学生的眼界，提高学生的理解能力和审美情操。

要进行中国画的赏析，首先要甄选适合中学生赏析的优秀中国画作品，所谓适合，是有一定的代表性，表现内容与思想，情调要健康，艺术水平要高雅。作为引导的教师，需从积极的、正面进行引导，尤其是一些艺术形式与思想内容之间存在比较复杂问题的美术作品，要正确地鉴别，给与恰当的评价与指引。因为美术鉴赏不仅开阔眼界、增长知识，还可以陶冶情操，提高个人艺术修养以及审美能力，是“美育”的重要组成部分，这种审美教育，不仅可以端正学生的审美观念，提高审美水平，更重要的是潜移默化地影响青少年的道德品质。

中国画寄情于笔墨，学生理解不易，我们可以参照美国乔治亚大学教授、著名美术理论家和批评家费德门（Edmund Burke Fdldman）提出美术鉴赏的四个程序：

一、叙述（description）

直接陈述画面上所呈现的东西，不需要探讨其中意义和内涵，画面画了什么东西，展示的是风景还是人物或动物，人物或動物在干什么，简单直白。如果是抽象画，就指出展示了什么符号，什么颜色，有什么形状等。对于中国画，可以在阐述表面事物的基础上，描述点、线、面。

二、形式分析（formal analysis）

根据作品的内容，分析其造型的特点、色调的处理，空间的表现、构成的原理等，并探讨各因素之间相互依存的作用与方式。中国画形式感比较强，因此，在形式分析方面更要详细，具体分析其造型、笔墨的运用、构图、虚实等。

清代初期著名画家恽南田说：“有笔有墨谓之画。”直接道出中国画的主要表现形式。中国画经过长期的磨练实践，在运用笔墨造型，表达情感等方面，形成一套成熟的、完善的、具有民族特色的艺术技巧，并且达到很高的艺术造诣与艺术境界。初中学生由于在小学阶段尝试过笔墨的初步运用，对笔墨并不陌生，因此欣赏中国画的时候，在笔墨分析方面要具体、到位，才能让学生感悟更深。同时，可以让学生尝试模仿名画中笔墨的运用，从而加深感受。

构图是绘画艺术美的重要表现，根据要表现的思想内容，在平面上布局表现对象的位置和相互关系，由个体组成整体。中国画的构图有一定的规律，但也变化万千，讲究疏密关系，讲究对比、节奏与均衡，尤其是“留白”，是中国画构图的一大特点。中国画“虚实相生，无画处皆成妙境”，画面中的空白是一种另类的表现形式，成为构图中重要的一环，让人有无限的想象空间，构成深远的意境，使画面打破一定的空间与时间限制。山水画如此，花鸟画也如此。齐白石画虾不画水，没有人会质疑这虾不是在水中。

如，南宋著名山水画家马远《寒江独钓图》（图一），画面中只有一叶扁舟，一个渔夫，寥寥几笔的微波，其它一大片空白，这“空白”表面上是“虚”，事实上是“实”，表现了空旷渺茫、寒意萧条的意境，烘托渔夫凝神贯注地垂钓的静谧神气。

三、解释（interpretation）

根据内容与形式，推测美术作品的内在含义，或者探讨画家要表达的观念，当然，这个解释建立在了解画家本身的性情与经历，以及所处的时代背景之上的。这个解释程序对中国画尤为重要，中国画“以形写神”“形神兼备”，其中的“意”是中国画的精髓，也是读懂中国画的关键。

元代画家王冕在一幅墨梅图（图二）中题诗：我家洗砚池头树，朵朵花开淡墨痕。不要人夸好颜色，只留清气满乾坤。借梅抒情、以梅自喻，表达自己淡泊清高、鄙薄流俗，独善其身的人生态度。

“八大山人”的花鸟画独具个性，更具借物抒情的意味。《荷花小鸟》（图三）画面上孤石倒立，残荷斜挂，一只缩着脖子瞪着白眼的小鸟站在石头上，孤寂冷傲。如果不了解朱耷的生平，不知道他经历的国破家亡，不探究他哭笑不得的痛苦内心，就读不懂他的画，“在极凝练的形象、极著萃的笔墨之中，得到深刻的体现。那是徘徊排侧的吁叹，是内心深谷巨壑里隐隐的呼喊”。

四、评价（judgement）

通过比较的方式进行评价，在一定范围内进行横向或纵向对比，深入分析内容、形式与内涵是否协调与统一，从而对作品进行理性的判断，这是前面三个阶段的总结，是美术欣赏的升华。下面以吴昌硕的《桃》（图四）作为鉴赏例子来归纳应用以上四个程序：

第一阶段叙述画面所见，用墨色表现枝干及叶子，粗枝大叶，左下三只桃子，右上两只桃子，用西洋红、藤黄点染，笔墨苍劲浑厚，颜色亮丽不俗。画面左上落款：“三千年结实之桃 晓露先生正之 戊午春吴昌硕。”后有“吴俊之印”“吴昌石”两枚印。画面右下角有“归仁里民”方印一枚。

第二阶段进行形式分析：在构图上采用左低右高的“S”形构图，似欹却反正，中间及右边两枝干自下而上，打破规整的局面，斗大的桃子在浓密的叶子中或虚或实，上下呼应，丰富的墨色与浓烈的红黄色相互牵制，浑厚古拙又不失生意盎然。

第三阶段，解释。吴昌硕中年开始学习绘画，吸收明清名家徐渭、石涛、朱耷等的精华，师承任伯年。绘画与书法、篆刻等方面造诣极高，其作画用笔苍劲有力，得力于石鼓文，以及用行草笔意融入篆书，用书法的笔墨手法应用于绘画，提高画面的表现力。在设色上，大胆采用鲜艳、强烈的色彩，如“西洋红”，墨色与颜色相互对比，厚重强烈。吴昌硕认为：绘画应该追求形似以外更高的东西——“气”，这“气”建立在他的生活经历、个人修养、学习等之上的。在题材上，不是凡花野草，却是饱满硕大的“琼山玉桃”;在思想上，把富贵与清高统一起来，“富贵神仙品，居然在一家”，一改明清时期孤高冷清的旧情趣，表现出吴昌硕对人生、对物质生活的肯定态度，表达一种热烈、蓬勃向上的情感。

第四阶段：评价。纵向对比明清时期作品，横向对比吴昌硕的书画印作品，整体画面诗书画印融为一体，重视传统，但不盲从，“古人为宾我为主”，改变明清时期标榜孤高冷逸的情趣，体现苍劲热烈、大气磅礴的审美效果。

以上美术鉴赏程序由浅入深，从表面到内在，层层深入，既符合中学生的认知能力，又符合中国画的特点。这已经不是单纯的欣赏，而是具有艺术再创造的性質，是一种艺术的提升，我们在日常中国画教学中，有针对性地、渗透式进行鉴赏，让学生深入理解中国画含蓄蕴藉、丰富多采的内涵，从而更好地传承与发展中华优秀传统文化。

参考文献：

[1]李苦禅.《八大山人画册》序言[J].美术，1982（1）.

[2]赫伯·里德.通过艺术的教育[M].吕廷和，译.湖南美术出版社，1993.

[3]尹少淳.美术及其教育[M].湖南美术出版社，1995.

责任编辑  李  源