小提琴演奏和表演艺术研究

王福云

小提琴是人们耳熟能详的弦乐器，共由四根琴弦组成。在演奏时，一般由演奏者一手持弓，一手固定琴身并适当拨动琴弦，使弓与弦在摩擦的过程中发出动听的旋律。小提琴在世界各国均具有较高的知名度，且已成为现代管弦乐队弦乐组中不可或缺的乐器，被誉为现代交响乐队的支柱。通常情况下，演奏人员需以一侧下巴支撑琴身，故舞台演奏小提琴是对演奏者技法和耐力的双重考验。

一、小提琴演奏技巧简析

在演奏过程中，需要在下列数个方面注重对技巧的掌控。

（一）握弓和运弓的技巧综述

（1）握弓：①如上文所述，持弓手为右手。演奏人员需要将大拇指的指尖处紧紧与螺旋套（即弓根）贴合；②右手其他手指无硬性要求，只需保证能够稳稳地执掌弓杆，并使手背处自然地呈现出弧形态即可；③手指前端可适当弯曲，目的在于使弓杆被食指、中指、无名指的指端处包裹；在此种状态下，拇指与中指应该呈现出恰好相对的状态；④小指的指尖可轻松地放在弓杆上，在演奏时，可根据实际需要，分别向前后移动（一般情况下，上弓状态时，小指向前端移动，下弓状态时，小指应向后移动）[1]。按照上述握弓技巧，演奏者呈现给观者的感觉是：右手十分优雅且自信地握住琴弓，否则会令人产生笨拙、不协调之感。

（2）运弓，即右手控制琴弓摩擦琴弦的过程。不同的运弓速度、透过琴弓施加于琴弦之上的压力，接触点位的选择，三种因素叠加之下，决定小提琴演奏千变万化的声音。此间的技巧在于：①分弓：如果一弓只演奏单一的音，则需要保证该音的清晰、完整；②连弓：连续演绎多个音，需建立在演奏者对乐曲以及小提琴发音方式的娴熟程度上；③顿弓：保证每个音清晰的同时，还需使观者能够听出音与音之间有“断开感”；④跳弓：使弓毛与琴弦之间拉开距离[2]。上述四项运弓技巧为演奏小提琴最基本的技法，演奏者必须经过大量的练习后方可掌握。

（二）小提琴音准的把控

音准既适用于歌手在演唱时所发出的音高，也适用于乐器演奏时的音高。通常而言，能够与一定律制的音高相符合，即为音准。以小提琴为代表的弦乐器如果长时间处于演奏状态，或是乐器周边的环境温度逐渐上升，均会导致琴弦更加松弛。在此种状态下，弦乐器的音色必然失准，如果未能及时调整，将会严重影响演奏效果。一般而言，如果演奏过程有钢琴伴奏，则应以平均律为准则；如果无钢琴伴奏，则需使小提琴偏离平均律，趋近纯律或五度相生律，方可满足音准的要求。

（三）揉弦及把位的技巧分析

（1）揉弦：演奏弦乐器时，如果在乐曲行进至适当的时刻，对琴弦进行揉动，会极大地提升生动性。决定揉弦技法是否高明的核心因素在于如何控制手部速度、力度，进而使揉弦效果达到最佳状态。在练习时，演奏者肘部的带动式揉弦以及手腕处的一般式揉弦均不可或缺。具体而言：①基于手腕进行前后揉动时，主要发力点在于手腕，带动手指的关节进行揉弦。需要注意的是，演奏者手指与琴弦的接触位置不可在手腕的作用下发生移位，否则，不仅无法获得揉弦带来的效果提升，还会使整体损害整体音色。②练习手腕揉弦时，应当循序渐进，可先从3 指开始，逐渐减少手指数量。③手臂揉弦的难度更大，需在掌控手腕揉弦的基础上加以练习。此种方式的舞台表现价值在于：提升乐曲动听程度的同时，还可以增加舞台表现力，带动观者的情绪。

（2）把位：左手手指的位置并非永久不动，要求演奏者根据乐曲的进展进行更换。目前，效果较好的把位方式为空弦换把、同指换把等，需避免滑音的产生。

二、提高小提琴舞台艺术表演质量的有效方式简析

（一）小提琴舞台演奏性质分析

1.小提琴的本质属性探讨

现代小提琴由30多个零件组成，主要构件为琴头、琴身、琴颈、琴轴、琴弦、琴弓、面板、侧板、音柱等。其中，琴弦共设有4 根，按照从高音到低音排列分别是E 弦、A 弦、D 弦、G 弦[3]。小提琴的琴身即为共鸣箱，总长约为35.5cm，主要由设计成特定弧度的面板、背板、侧板粘合而成。一般而言，面板的制作材质为质地较为柔软的云杉；背板及侧板为质地较硬的枫木；琴头及琴颈等均为枫木，指板为乌木。现代小提琴可分为电子小提琴和木琴两种，常规意义普遍指代木琴。最为普及的演奏方式在于：①演奏者完成对琴头下方的弦轴的调整后，左手手掌支撑指板下方，手指放于纸板上方；②将琴身尾端的腮托对准下巴，依靠头部与左手臂的力量共同支撑琴身；③右手持有琴弓，控制其与微调器及琴桥（琴马）下方处的琴弦进行摩擦，从而产生声音。在舞台表演中，除了小提琴演奏出的乐曲外，演奏者右手拉动琴弓、左手手指的变化均为演奏的一部分。比如演奏者在乐曲进展至高潮状态时，右手拉动的频率显著增高，左手手指几乎完全进入“跳动状态”，配合节奏紧凑的乐曲，必然能够带给观众无与伦比的视听盛宴。

2.小提琴舞台艺术呈现的特殊性分析

小提琴舞台艺术呈现的特殊性在于，小提琴本身仅仅是一种乐器，不具备任何情感。但需要演奏者将自身的情感、心绪等“注入其中”，构建兼具表演性和形象性的独特舞台艺术。首先，如上文所述，演奏者上肢的肢体语言，如右手拉动琴弓时，“进退”的频率必须与乐曲呈现出的频率高度一致（如果缺乏统一性和协调性则表明演奏过程必然出现中断现象）。其次，小提琴这种乐器源自西方，而西方世界的舞台表演强调“结合音乐讲述故事”，由此诞生的舞台剧、歌剧等艺术形式，其令人赞叹之处在于，演唱人员唱出的歌词，很可能受语言限制而无法听懂，但透过乐器传递出的旋律，观者也会感受出大致的含义。因此，小提琴舞台艺术实质上可纳入情感艺术演绎范畴，除了听觉享受之外，观者还可通过对演奏者上肢传递出的“语言”进行对照，真正融入舞台[4]。

（二）影响小提琴舞台表演效果的多元因素分析

1.演奏者自身生理因素的影响

根据前文介绍的小提琴演奏姿势，左右手臂的大臂处均长时间处于伸直状态，小臂长时间处于弯曲状态，加之腮托顶于下巴处，如果一首乐曲的持续时长达到数十分钟甚至数个小时，则对演奏者的耐力必然造成极大的考验。此外，在演奏小提琴的过程中，演奏者后背肌肉虽然处于视觉盲区，但该处的运动量比之前端有过之而无不及，演奏过程中，演奏者的肌肉出现疲劳甚至拉伤，均会导致演奏水准下降。

2.其他主观因素造成的影响

第一，演奏者对小提琴演奏技法的掌控程度。所有乐器均要求演奏者具备一定的天赋，但能否“变现”取决于演奏者是否花费大量时间和心思，在十数年甚至数十年的时间内刻苦训练。

第二，演奏者对舞台整体的控制力。在舞台演奏过程中，特别是独奏时，演奏者需要具备强烈的自信心，将自己视为舞台的绝对掌控者，即乐曲旋律、肢体动作带给观众的强烈震撼，均出自于自身。

第三，乐曲是否具有系统性的“带动能力”。在一些多种乐器混合演奏的曲目中，基于小提琴的音质，需要在乐曲进展至特定的时刻，以令人沉醉的旋律出现，不仅能够令观者感受到整体性，更能分析出小提琴的作用。比如在《经典咏流传》第二季中，知名音乐人鲍比达以现代流行音乐旋律为唐诗《游子吟》配乐时，将钢琴、古筝、长笛、小提琴容纳其中。在第二乐章结束之后，向第三乐章转进的过程中，出现一段长达20 秒的纯音乐时间，鲍比达进行了如下设计：首先，运用古筝的清脆声音，使乐曲整体产生灵动、轻快之感，彰显出母亲在孩子成长时的温馨、欢快；其次，紧随古筝之后，长笛传递出完全相同的旋律，但由于音色的变化，听者会感到孩子从幼年期成长至青少年，具备无限活力；再次，小提琴紧随其后出场，依然是相同的旋律，但增加了一丝厚重之感，乐曲的高度已经上升；最后，钢琴加入，带动其他乐器，对作品进行升华。由此可见，乐曲本身是否具备带动性，也会成为小提琴是否能够融入舞台环境，提高演奏质量的因素。

3.客观因素的影响

第一，舞台整体的设计效果对于小提琴演奏者造成的影响。舞台的布局确实会影响演奏者的感觉。故演出开始之前，演奏者应该与现场导演充分沟通，确保演奏效果。

第二，台下观众对于小提琴的演绎效果以及乐曲整体产生何种回馈信息。乐曲本身携带情感信息，还会在很大程度上容纳对演奏者的解读。因此，台下观众在聆听过程中给出的反馈是否达到演奏者的心理预期，很可能影响后续的演奏水准。

（三）解决影响小提琴舞台演奏效果的有效方式

无论观众给出何种反馈，演奏者必须从自身做起，只有全面提高自身综合能力，才能不断提高对舞台演奏的掌控能力。具体方法为：

第一，注重对基本功的训练。基本功是决定一切的先决条件，如果演奏能力不过硬，其他条件均无从提起。第二，注重对乐曲整体意境的深度赏析。前文提到，演奏的乐曲实质上是创作者及演绎者情感的载体。一首乐曲能否打动观者，首先取决于演奏者自己是否真正注入了情感，对乐曲的整体意境是否能够做到深度赏析。第三，加强应对突发事件的能力。舞台演奏过程中会出现各种各样的意外。比如一些素质较低的观众很可能打闪光灯、突然大喊大叫等，作为小提琴演奏者，在任何情况下，均需心如止水，保证动作不乱、节奏正常。

三、结语

小提琴演奏需要一定的天赋，即双手的协调配合，能够迅速明确高深演奏技巧的原理，进而通过持之以恒的练习，不断提高演奏水平。但日常练习与舞台演绎存在本质性的差异。演奏者眼前呈现出何种画面，一旦出现失误如何迅速调整，乐曲旋律呈现出的情感是否会引动心绪变化，均是舞台带来的考验。因此，演奏者必须不断克服困难，向观众呈现出最好的自己。