分析油画创作中的光与色——以当代油画为例

尚琳琳

一、光与色的自然发生

（一）光的分离

光到底是什么？光又是如何赋予世界色彩的？自然科学展开的一系列研究，使人们对光逐步有了更深刻的认知。牛顿认为，光是一种微粒，而惠更斯提出，光是一种波动。没有光，就没有色彩。17 世纪，牛顿发现了光的色散现象，二十几岁，就轻易地破解了彩虹的秘密。由此光产生了色，人们的认识从感性上升到了理性，画家们在运用色彩的时候有了明确的科学依据，在油画创作中也更加有的放矢。

（二）色的定义

光赋予了物体颜色，可见光的颜色有七种，那么究竟什么是颜色？为什么我们可以看到颜色?在油画创作中又是怎样定义颜色的呢？所谓颜色，不是客观事实，而是大脑当中的主观模型。颜色实际上是我们对光的感知，打个比方，就是物体反射的光线信号在大脑里旅游，游客们首先到了视网膜，在这里按大小个坐上大巴，变成神经信号，顺着视神经大道抵达外侧膝状体，再换小车顺着视交叉直达位于后脑勺的目的地——视觉皮层，我们脑海里的图像就是在那里生成。前几年，一条裙子引起了全球的热议，这条裙子看似普通，却登上了2015年颜色话题榜的全球热搜，这条裙子到底是什么颜色？不同的人给出了不同的答案。根据当年国内外测出的数据表得出，较多的人看到的是白金色。看到白金色的人，色觉感官系统与大部分人相同，而看到蓝黑色的人，色觉感官要优于常人，因为这件衣服的真实颜色就是蓝黑色。但这一切并不影响艺术创作，古典写实主义的画家就注重物体的固有色，追求抛开一切环境影响造成的假象，追求最真实的颜色；印象派则喜爱环境色，强调直接感受和总体印象，根据光谱来调配颜色；患有视觉障碍或视觉超常的画家，如德加、莫奈、草间弥生、康定斯基等，他们所创造出的色彩却是我们从未看到过的精彩世界。也许他们看到的世界才是最真实的，这也给艺术带来了更多无尽的可能。也许正是视觉系统的差异，让莫奈的睡莲多开了一种颜色，为德加笔下的少女蒙上了一层雾，奏响了康定斯基千颜万色的和弦。

丹纳在《艺术哲学》中写道:“艺术与科学相连的亲属关系能提高两者的地位；科学能够给美提供主要的根据是科学的光荣；美能够把最高结构建筑在真理之上是美的光荣。”查理士·亨利又在理论上建立了光、色彩与美学的结合，把光与色彩的研究运用到了艺术法则上。在油画创作中，光与色不再完全依存于客观存在，而是根据画面的需要而设，我认为，光与色是营造画面氛围和塑造画面体积的重要手段，是构成画面形式和生成画面关系的独特语言，同时又渗透出画家或浓或淡的情感变化。

二、光与色在油画创作中的作用

（一）从创作者角度来看

1.形式的表现

光与色能够表现作品的外在形态，是画面最鲜明、最撼动人心的部分。创作者在安排画面构成时，往往需要反复斟酌，以便利用光与色将作品恰如其分地呈现与表达，企图达到形式与内容的完美统一。周培德说：“光线只有转变为色彩，才能达到他所追求体现永恒价值的绘画；只有用色彩来替代光线，才能去除光线的偶然性而成为用理性编织的画面表现结构。”要想将丰富的光色效应和饱满的主体形象完全凝聚于方寸的画布之上，色彩的布局发挥着极为重要的作用。第一，平衡画面，使作品具有均衡感。盯着红色看久了会看到绿色，这是人眼视觉的一种自动调节机制。也就是说，若想让人的视觉感受到平衡，舒适，那互补色的运用当仁不让。第二，分割画面，体现出作品平面装饰性。博纳尔说“绘画必须首先是装饰的。”中国最有影响的女画家之一——闫平，集众家之所长，画面色彩无拘无束，鲜明、简洁、充满张力，只用色彩就可以诠释光、形、美。第三，调控画面，增强画面的节奏感和韵律感。节奏可给任何一种绘画增加深度和兴趣，这种表现，不仅靠构图，对物象的光色变化的描绘也能使画面充满节奏感，画面节奏掌握好，作品就会产生韵律，呈现出音乐般的美感。第四、渲染画面，体现画面的空间感和氛围感。在西班牙现实主义画家洛佩兹·加西亚中后期作品中，总是笼罩在温柔的光线下，用矜持的色彩或表现着自己私密的空间，或表现着城市遥远的空间。而中国的罗尔纯老先生，用纯粹的色彩，通过冷暖的强烈对比，也阐释着空间的表达。

2.内容的承载

光与色能够帮助创作者更好地展现作品内容，首先在题材上，如果你想描绘历史事件题材，歌颂伟大英雄人物的斗争精神，那么大多数创作者会选择画面使用更多的红色。其次，在主题的确立上，也有一定的意义，李广德教授的作品《无名草》，小小的桌面上放着一颗用军旅罐头培育的无名草，使用大面积的蓝色做背景，突出了对和平，宁静的向往。

3.情感的抒发

光与色的强弱，冷暖都能体现画家的个人情感是如何迸发在画布上的，不同的色相，色调，可能表达了画家当时的创作心情。优秀的画家能够自然的做到客观物象与主观情感的转换，当他们遇到令自己心生澎湃，或引人深思的事物时，能够将色彩与情感产生联系，然后将情感毫无保留地挥洒和记录在画面上。赵开坤先生的画面色彩率真，长白山系列抒发了他对自然和生活充满敬畏并且饱含深情。詹建俊的创作，色彩奔放，情感激越，画风雄健而富有诗意，他说他主要追求的是表达精神的感情，在《潮》这幅画中，绿色的光在拿铁锹的新时代农民背后盘旋上升，衣角被风吹起在空中翻飞着，与背景形成呼应，色彩浓郁饱满，情感炽热。绿色象征着希望的田野，画家通过飞翻的上衣、涌动的绿潮、捍立的铁锹，表达着对新时代的美好憧憬。

（二）从接受者角度来看

1.感官的刺激

光与色是一种视觉语言，而人是一种“视觉动物”，所以画面的光与色最容易引起观者观感的共鸣。一幅美术作品的完成，不仅仅在于画家的构思，创作阶段，也在于接受和消费阶段。画家凝聚心血创作一幅油画作品，当这幅画挂进展厅，将要被人们驻足、观赏、品味、深思之前，最先映入观者眼帘的一定是作为形式语言的色彩。对于接受者来说，这幅作品已经是一个被完成的整体，一个兼具形式与内容的整体，但是，一定是通过画面色彩先刺激到感官，通过感受和理解作品的形式，才逐渐把握作品的内容。

2.意境的呈现

一种色彩的大面积分布，在一个色调的关系里变化，都比较容易在画面中呈现出一种意境，从而使观者产生情感上的共鸣。所谓意境，便是情与景的交融。画家通过光与色的变化，将情感倾泻到画布上，观者则通过这些色彩去感受画家的情感，在这个过程中，画家与观者得到了心灵上的共鸣。吴冠中先生的作品，大面积高明度的浅灰色块变化微妙，光与色完美融合，朦胧、淡泊，有种庄生晓梦迷蝴蝶的意境。尚扬的《黄河船夫》体现出另一种意境之美，画面笼罩在黄色的光与大气中，渗透着一股奋勇抗争的力量，有种浓烈的历史感和厚重的大地感。

三、影响光与色在油画创作中主观呈现的因素

（一）心理活动

绘画是一个有关意象的活动，绘画创作过程是一个把内心意象转化为外在客体形象的过程，在这一过程中，光与色是至关重要的内容，它包含着一种潜在的态度，是一种可见的情绪的表达，是心灵对内在状态的诠释。通常我们会通过一个人的作品去联想、分析作者。色彩与心理活动的关系还要追溯到远古时期，人类色彩意识的觉醒与生存环境联系紧密，祖先们为了生存下去，必须学会辨识自然中的光影、花鸟鱼虫、飞禽走兽、食物及有害物质，逐渐祖先的视觉感官系统进化得越来越成熟，以至于他们会把酸甜苦辣、喜怒哀乐与颜色联系在一起。发展到当代油画，影响油画创作中光与色变化的因素也越来越明晰，比如，记忆、联想、想象、情绪等。当我让孩子们用自己喜欢的颜色去表达酸甜苦辣的味觉时，孩子们不约而同地会通过记忆和联想去组织颜色。比如，大多数用黄色去表达酸，原因是记忆中柠檬味道很酸。有些画家喜欢听音乐作画，或者读完一本书创作，原因均是音乐或文学让他们联想或想象到了什么，急于宣泄在画布上。情绪是时时刻刻影响着油画创作的，一些个体在生活中十分焦虑，在色彩的选择上他们总倾向于比较保守的颜色，如:黑色，棕色，蓝色。不少画家都有所谓的“蓝色时期”，这与他们这一时期的情绪有很大关系。

（二）民族地域

不同的民族地域文化哺育了不同的绘画风格和绘画色彩，从而使作品能够更好地表达艺术理念和民族特色。就东方民族来说，我们认为黄色是最高贵的颜色，从赵无极的作品中就经常可以看到这种东方色彩，如1974 年所作《19.8.74》。一个长期生活在南方的画家很少去用黄土高原的暖黄色和北方凛冽的雪的光与色去表现画面，画家所处的地域环境、空间都会对他产生潜移默化的深远的影响。

（三）情感作用

色彩表达情感，情感也作用于色彩，若想得到一幅有个人“味道”的作品，创作者需要建立在情感的基础上去进行创作。当代的油画家越来越遵从自己的内心去选择色彩，所以，创作中所用到的颜色和实际并不相符，甚至截然相反，这样的色彩恰好给观者带来强烈的视觉冲击，引起观者注意，引起观者共鸣。

四、结语

相对来说，自然界中的光与色是客观的、理性的，油画创作中的光与色是主观的、感性的。主观来自于客观，理性指导感性，创作中的光与色影响着整个画面的形式、内容、情感、氛围和意境，视觉的真实不等于客观的真实，也不等于艺术的真实，光造就色，人脑影响光与色，画面中所表达出的光与色影响油画创作的最终呈现，想要画面具有生命力，主观能动地去协调画面中的光与色是非常重要的。