浅谈陶瓷造型与装饰的美

李 晶，冯雪迎

（江西省陶瓷研究所，景德镇市，3330000）

“新平治陶、始于汉室”。“瓷都”景德镇制瓷历史悠久，瓷器精美绝伦，闻名世界，2000多年的制瓷史，更是在宋代御赐殊荣，即以宋真宗皇帝年号景德赐给景德镇。历经元、明、清三代的发展，成为全国的制瓷中心。尤其是在明清两代，景德镇陶瓷制作工艺得到了很大的发展。景德镇的瓷窑分为官窑和民窑，官窑专为皇室提供瓷器，工艺复杂，花面繁复无比。宣德年间以青花为主。其“瓷、色、画”三绝的赞誉，就是对宣德青花的评价，成化年间，瓷器的装饰表现手法又有所不同，分为“斗彩”和“填彩”两种，其装饰性强，风格秀丽清雅。清代在釉色方面，种类更为丰富多彩。彩绘方面，古彩、粉彩、珐琅彩，都达到较高的水平，清代的不同年代也有不同的品种出现，康熙年古彩是重要的品种，色彩浓艳，层次分明，又称“硬彩”。雍正年间，粉彩最有成就。色调柔和，笔力精细工整，也称“软彩”。乾隆年间，珐琅彩成为彩绘方面的重要品种。其装饰极力追求华美艳丽的风格。表现出这一时期陶瓷多追求富丽，繁密精巧，细腻之风。其间景德镇民窑也得到蓬勃的发展。民窑的产品多以简洁、凝练的笔法绘制，以实用器为主。 民国瓷器是指清朝覆灭的1911年至新中国成立的1949年之间制作的瓷器。民国瓷器大体可分为仿古瓷、日常生活用瓷两大类。仿古瓷从前代青花、五彩、粉彩器模式而生产，多为达官贵人所定烧。如徐世昌定烧的仿雍正官窑器等。仿古瓷基本上代表了民国瓷器生产的水平。日常生活用瓷多为质地粗松的青花、五彩和粉彩等日常生活器皿。民国瓷器虽然继承了晚清瓷器的风格，但与晚清瓷器仍有明显不同,其造型较晚清瓷器纯朴自然，以简单和平直的造型为多见，如琼式瓶、灯笼瓶、扁壶、方形瓶、圆形瓶等。

建国后，我们伟大的陶瓷工作者们，继往开来，创作出来更多的精美的陶瓷作品。被广大陶瓷爱好者喜爱并收藏，并出口到世界上很多的国家和地区。

我们在创作前，对选用的瓷坯或白胎。首先考虑它的器型，器型在陶瓷创作中至关重要。艺术陶瓷的器型比较多，简单的讲，虽说是外轮廓线对称的两根线，但是它的变化，可以组合成各种的造型。有直线型、圆形或是曲线型等。例如我们对直线型花瓶创作时，考虑到直线型花瓶，给人一种直立挺拔感，所以我们在装饰时就可以选择如竹子、萱草、兰花等，特别适合肚径比较小的瓶子。如果装饰肚径大的，圆形或椭圆形的花瓶，就可以选择花头大的花卉。如牡丹，芍药，芙蓉等。它们比较适合饱满的花瓶，在人们的视觉中心能够完整的呈现出来，圆型瓶通常给人一种端庄大方、稳重的感觉，而反之，花瓶器型比较硬朗，也就是外轮廓线转折角度方正的，比较适合画山水、神仙人物、刀马旦等。就不适合画柔美的的花卉、仕女等。器型和所绘制的内容要协调，首先会给人在心理上就有种美的感觉。其次，在绘制过程中，我们也要观察它的主要装饰点在什么地方，比如一件上部比较饱满，下部线条比较收缩的花瓶。我们装饰的时候，就应该把绘画的主体放在花瓶的上部，这样既符合人们视觉习惯，同时因为创作的面积比较大，便于创作者发挥自己的特长，更加精细的刻画事物，使所绘制的事物层次分明，色彩鲜艳，虚实结合，立体感更强。充分体现出创作者的绘画技巧，又可以表现出创作者的思想和创作意图。反之，当花瓶下部比较饱满，而上部线条比较收缩时，我们就应该把画面的主要部分安排在花瓶的下部，如果我们把装饰的主题安排在瓷瓶上部时，就不能凸显出画面的主体，也有违于人们的视觉心理。这是艺术瓷绘画装饰的一般规律。当然极少数情况下，我们也可以反其道而进行创作，给观赏者以新颖独特的感觉，但要运用的巧妙，有好的构思才行，否则就不会产生美的感觉。绘画如肉附于骨上，只有完美的骨架，才能创作出美丽的陶瓷作品。如笔者在创做的每一件作品时，往往会根据陶瓷的器型，色釉瓶的色彩，以及绘画时所须表现出来的意境，经过仔细思考和反复琢磨，然后进行创作。往往是陶瓷的造型，决定着画面的构图，从哪里起势，到哪里收势。都要做到心中有数，技法上是采用何种综合装饰手法。或用雕刻坯体，施釉后，釉上加以彩绘。都要在心中有所计划，在大脑中提前构思好，按步骤的把它表示出来，就能创作出自己满意的作品。在创作中，整件作品所表现出来的意境和情“趣”也是非常关键的。以我们创作的这件《金秋》300件花瓶为例，花瓶是修长的造型，在顶部和底部“开坛子”，也就是在花瓶顶部和底部以雕刻花卉，施以影青釉。留出中部的空白部位施以白釉。使它成为装饰的主要面，因为瓶子的造型比较修长，所以在题材的选择上，我们选用了本地较常见的植物菊芋，我们俗称洋生姜，这种植物在景德镇市郊周边的田埂上，或别人家庭的庭院内，到处都有散落的生长，它植株修长，在秋季时，顶部开出橘黄色，形式菊花的花头，在金色的秋天里，随风摇曳着，花型很好看，同时它的根也是一种美味菜肴。作品表达的是一种对故土家园的思念。它描绘的是在庭院一角，几只白鸡栖于洋生姜之下。我们在绘画时，对洋生姜的花头的俯仰，叶片的大小、转折和前后层次关系，进行深入细致刻画。这样使画面主体一目了然，整体用金黄的背景色对白鸡进行了烘托，细致入微的对白鸡的羽毛进行刻画，在上色时施以极谈的赭色。使画面的主体几羽白鸡更好的突出来，在主体色彩上大胆的运用了金黄色调，表现出金秋时节收获满满的感觉，整件作品色彩丰富、华丽。在细节处理上，谐调而不失变化。主体层次感强，从而使作品更加的具有观赏性。

图1 《韵》 作者：李晶 冯雪迎

陶瓷虽说是工艺美术技法与绘画相结合的，但要求器物器型，功能、意境、画面的完美结合才是一件好的作品，笔者认为技法在花一定时间，都能学习并且都能很好掌握的，但是创作出新颖的，有自己风格的作品实在是太难了，时代不同，观赏者对它的要求也不同，如何能引起观赏者的共鸣，才是我们这一代陶瓷工作者的最高要求，创作出一些好作品，他不光能使人赏心悦目，也使人能受到一定的启发。艺术陈设瓷属于商用结合型的制品，它侧重于满足人们，对其生活和工作的需要，例如室内空间环境置放的各式灯具，书房和画室必备的工具，营造室内外清新氛围的花器，修饰个人的饰物，馈赠和收藏的礼品。（如中国人喜爱的生肖瓷、盘等。或富有祝福、吉祥意义的画面的瓷瓶、瓷盘等）。在旅游场所及各式网点销售的工艺品 （如当地名胜古迹中有代表的景观 、景物等旅游纪念品）。纯审美的陶瓷作品又有稍微区别，往往有其鲜明的个人特色式风格。其功能的含义是注重审美功能和文化功能，当然也有必须与之相应的形式统一起来，艺术陶瓷作品在创作设计时，它是基于人的生理需求，随人的视觉、触觉和应用而产生的作用。如何在如此纷繁复杂的生活中，让人们从焦虑烦躁的生活状态中解脱出来。欣赏一件陶瓷艺术作品，不失为一种解压方式，如同饮一杯香茗，品味、把玩和欣赏它，使人的心境得到一种净化和升华。

现代艺术陶瓷的创作追求多元化，影响和决定现代陶瓷设计的关键，是现代人的生活方式和态度，正是因为现代人更为活跃多变的思维，工作和生活方式。形成了现代陶瓷的多维关注和定位的取向，对其共性和个性的认识和把握，很大程度上影响了作品的成功与否，如何充分利用陶瓷材质的各种肌理效果，进行艺术瓷的创作设计。如借鉴水粉、中国画的表现手法，以及利用材质，如油料的性能。融合各种技法，对陶瓷的画面的处理，使其产生的效果是写意、抽象、具象等，它都是作者对美好事物的追求和向往。如茶具的作用，它是盛茶和彻水的容器，它同时也是一件艺术品。它作为一种媒体与某种行为方式相结合，起着一种潜移默化的人际沟通与融合的作用 。绘者可以把美好的自然生物，长留在壶、杯、碟方寸之间，特别运用那些极富生命力的野花小草作为装饰题材，辅以自然生动的表现手法，其中大量丰富的色调，清新图形和新颖的植物纹样。跃然于陶瓷器物之上，如同画面中的绿色植物，绿色又可以赋予各种与大自然相关的意义。同时也是生命的象征色，象征与自然食物的生长，在我们国家，绿色代表着长寿和慈善的象征色，绿色是春天的颜色发芽，抽条变绿，意味着万物生长，它也意味着生机和繁荣，这在一定程度上缓和了人们的失衡心理。在当今的陶瓷作品中， 题材不限山水、花鸟、人物等，无不是超越前代，陶瓷艺术工作者们，夺天工之巧，技法精湛，以精细的笔法表达出对生活的喜爱，更是对我们当下富足生活的赞美。

在现代陶瓷创作中，“唯美主义”盛行，“唯美主义”就是以艺术的形式美作为绝对美的一种艺术主张 。这种美是指脱离现实的技巧美，在以学院派为代表的工笔花鸟画创作中，场面宏大，技法娴熟完备，制作精良，是其强项。但同时学院派对各种绘画门类的吸收借鉴的同时“做”的痕迹却越发不可收拾，陈陈相应进行繁殖，使工笔画创作形成一锅夹生饭，这边是其弱，命门便是失度 和无“趣”。我们在陶瓷绘画创作中，不是以照片的再现或写生稿的放大充实而已，陶瓷艺术作品的境界形成，在于取象万物，迁想妙得，达其性情，形其哀乐，常取自然之趣，而后悟天趣。澄心志，返本真，以陶瓷工作者本人的气质、学识、修养、阅历、思想、情感乃至整个生命，而灌注于作品中，故人的境界有多高？作品的境界就有多高，这种境界正如庄子所谓的“坐忘”，使心灵与自然的对话，身心在挥洒自如的状态中完成灵性与天地万物的交融，如此这般必须甘于寂寞，拒绝媚俗，然高山流水，知音犹在。神致隽逸的作品，往往自有其特有的风貌。只有醉心于绘者营造的充满生机的陶瓷绘画作品中，在一茶一烟中静静地诉说了自己的心灵体验。与花与鸟、与树石草木，与山川明月对悟，这样的陶瓷作品才值得品读，有笔墨处见生活，无笔墨处见灵性，一花一石皆有灵性，一鸟一蝶如坐阳春，画面虽不完美，但却真实的，有生机的。这样的处理手法，使其兼工代写，层次分明，耐人寻味，犹如八音妙响，绕梁三日，韵味十足，中国绘画讲究“气”，气既黑白、虚实、阴阳。陶瓷绘画作品也是一样。唯有“心养”才能去俗，唯有“藏修”才能变化气质，出尘脱俗，这样的陶瓷作品中才能透出古意，却兼具时风，蕴真含清。