浅析观察方式和审美观念对素描的重要性

摘要：素描是学习西洋绘画过程中的一门基础性学科，什么是素描？它是一种单色且不限材料的绘画，笔者认为，只要是不存在色彩关系的绘画，都可以称之为素描。素描不仅是造型的基础，它本身也具有艺术性。在笔者多年绘画学习的道路上，素描和速写作品的占比绝对是占据大多数的。笔者也深刻认识到，造型能力是一个艺术家绘画道路上的风向标和天花板，而锻炼造型能力最有效的途径就是素描和速写的训练。经过笔者对素描训练实践得到的经验和认知，笔者也总结出一些素描方法：一是素描训练中正确观察方式的培养，二是造型训练过程中方式和方法的重要性，三是建立正确的绘画审美观念。

关键词：素描 观察方式  审美观念

一、培养正确的观察方式

徐冰老师在一档节目中说过，素描是训练一个人的观察方式，是通過每一笔的处理，通过交换感受的点滴小事，使学习者从一个粗糙的人变成一个精致的人，一个训练有素、懂得工作方法的人，懂得在整体和局部的关系中，明察秋毫的人。那么，如何培养观察方式呢，我们要知道传统的造型训练都是在纸上实现的，也有部分会在其他材料上实现，但不管是什么材料，绘画艺术本身就是在二维平面上实现的，我们在绘画的过程其实就是将自己看到的或想到的三维世界的物象通过二维的平面去实现，所以，第一步就是观察。其实绘画的观察方式有很多，而这种观察方式的不同又会从你的作品中体现出来，就像人们看待一件事物的角度不同，从而也会影响他们对这件事物的认知，也正因为观察方式不同，艺术作品才会有不同的风格和趣味存在，比如，修拉的素描中，体现的是他对事物之间外轮廓的抽象关系和整体画面黑白灰素描关系的观察以及对整体的把握和微妙处理。他用不同层次的调子体现空间的深度和微妙的体积。而当我们看到荷尔拜因的素描时，就会发现，荷尔拜因用类似中国工笔白描一般的手法，通过精巧有弹力的线条的穿插和边缘线的处理去体现空间，包括文艺复兴时期很多大师的素描手稿也都以线为主去表现画面。所以，在学习绘画的过程中，一个正确的观察方式是极其重要的。

在笔者看来，好的观察方式是在造型的过程中可以充分看到画面的大关系、形状的抽象美，造型在空间上的延伸等。而且，任何绘画大师包括梵高、毕加索和一些有独特画面语言的艺术家，都是在能够熟悉并熟练掌握一个正确的观察方式的基础上，加入自己新的理解和体会，从而在艺术上做出不凡的成就。

有位老师说过，艺术家是用眼睛后面的大脑观察的。言下之意就是思维方式在学习中是何其重要，而我们的大脑是分左脑右脑的，左右脑的功能不一样，思维模式也不一样，左脑掌控语言系统，具有记忆推算和逻辑功能，而右脑则是掌控视觉系统，具有想象力与创造功能。左右脑的功能相互独立又相互影响，而我们在日常生活和学习中用的大都是左脑，所以在画画的时候就会有惯性思维，妨碍我们对客观物体的感受和观察。因此，我们在绘画过程中，一定要学会如何运用我们的右脑思维，把左脑思维和右脑思维相互调节好。并通过长时间训练使你的大脑、眼睛和手达成统一，从而掌握正确的观察方式，首先，在绘画的前期一定要学会看大的东西，什么是大的东西呢？包括整个物体或者人体的外形和他们本身在空间里的形体转折，颜色则可以暂时相对忽略。我们在画人体素描训练的时候，老师也会教导我们要跳着看，并且多分析和对比，去理解形体在空间中的位置关系。随着画面的逐渐深入就要慢慢去感受和体会形体在空间中的微小变化，我们的视线就要像蚂蚁一样在物象表面攀爬。

二、素描训练过程中的方式与方法

我们在素描造型训练提高的过程中，常用的方法就是写生和临摹两种，从写生的角度来看，笔者认为对造型能力最有帮助的就是人体写生训练，因为人是我们最熟悉也最陌生的，同时，人体是最优美而又最复杂的。通常来说，把最复杂的人体画好了，画一般别的东西就都不是问题了。画人体时，在大形的基础上我们要先了解人体比例，不要急于把解剖肌肉画出来，在一个不准确的大形和比例上，肌肉画上去也是不会好看到哪去的。并且，经过长时间这样的方法训练，在人体素描课的学习中，笔者的关注点也变得更加倾向于整体空间的表达和人体结构的抽象穿插关系中。在观察的时候，我们不要一直在一个点站着看人体，要试着去理解，有些看不明白的地方可以围绕着人体转换一下视角，把结构吃透了再去画。将大致的形体安排好以后，我们要试着去观察和感受人体模特的状态，不同模特的形体状态是不同的，我们要观察所画模特的体态特征，是胖还是瘦，是高还是矮，以及其姿势的动态，包括骨骼和肌肉的状态，是紧张还是放松，当获取了这些信息后，就要尽量把这种不同的状态表达出来。在表达的手段上，推荐尽量去用简单的线条，少上明暗调子，保持画面的干净，要尽量用最少的手段去表现形体的丰富性，具体可以参考丢勒、荷尔拜因、安格尔等一些大师的手稿。并且，在没有杂乱线条的干扰下，更能发现画面的问题并方便改正。

在前期的训练中，一定会出现反反复复修改的问题，有两种原因，一个是客观原因，人体模特毕竟不是雕塑，是会动的，即使是再敬业的模特，在每次休息过后也不能保证动作和上次一致，在不同时间，肌肉的状态也会有微小的差异。但笔者要强调的是更加重要的主观原因，为什么总感觉画不准？反复修改过后不知道什么是对的了，那说明还是观察不到位，怎么解决呢？我们可以在正式画人体之前先在速写本上画几个不同角度下的速写，这样就能够使你对整个空间里模特各个部位对应的点有更好的认识，在正式画的时候也没那么拘束，并且，在平时的训练中，一定要多画速写，这让笔者对空间、对造型的理解加深了一个层次。在研究生学习的过程中，每次有人体课，笔者都会画上几张速写，并且是不同角度的。画速写的时候一定要严格要求自己，要观察到位再下笔，慢一点也没关系，画错了就要加以改正，这样才可以在后续大幅素描的过程中减少错误。一开始肯定是生涩的，但随着理解的加深，肌肉的放松，线条也会慢慢流畅起来，变得放松，而在这种不拘束的状态下，形状位置自然而然就对了。我们画画不像拍照，一定要和客观角度下看到的一模一样，更重要的是在造型训练的过程中，加深自己的认知，在提升造型能力的前提下表现并传达出属于自己感受到的东西。如果没有人体写生的条件，可以尝试临摹大师的手稿，就像笔者之前提到过的，以速写和素描形式的都可以，跟着大师的脚步走也是快速提升造型认知的好办法。我们在临摹的时候要注意学习大师的用笔和造型手段，要学会解读画面，临摹一定要确保临得像，可以用复写纸或者打格，确保比例正确，并且注意大师的用线，以及对体积的塑造方式等。比如荷尔拜因和丢勒，他们就是很典型的用线造型的例子，有点类似中国传统的工笔画，利用线的穿插去表现空间和形体。要一张张不断地临摹，直到满意为止，将在临摹中学到的大师手法和自己写生的观察方式结合，认识到自己的不足并将适合自己的造型方法吸纳进去。

三、提高画面的审美情趣

美术本身便是一种审美的形式，它包括绘画、建筑、雕塑等一系列视觉艺术。优秀的美术作品是美的载体，好的美术作品体现了一位艺术家整体思维的审美格调和审美情趣，并能够使观者与之产生共鸣，引发观者的思考。笔者认为，一件优秀的绘画作品一定会拥有打动人的一面，它可以是感人的畫面情节，抑或是闪亮的质感。这都与创作者的创作目的和追求有关，也和观赏者的关注点有关，所以，一件好的作品也会有着不同层次的审美内涵。在大众审美日渐提高的当下，作为美术创作者，也应该以创作高质量的美术作品为目标，推进新时代美术的繁荣，把自己当作其中的一分子，出一份力。早在1917年，蔡元培发表的《以美育代宗教说》在当时引起了极大的社会反响，并对后世产生了深远的影响，从中可以得见培养审美的重要性。在这里，笔者重点要谈的是如何通过提升审美来提升画面的格调，最好的方式就是多看好的绘画作品。

首先，最好去看一些好的展览提升欣赏水平和眼界，为什么是最好呢？因为普通的纸质或者是电子显示屏中显示的画面不论是信息的丰富程度还是颜色的细腻程度都和真实的画面有一定差距，真实的画面中包含着运笔的轨迹和力度，以及线条之间的叠压，都是复制品达不到的。国内的优秀画家或是国外的一些大师的巡回展览都可以，从这些画的好的艺术家的画面去汲取营养，在观看的时候要带着疑问观看，这个疑问是你要从平时的训练中遇到的问题和感到的困惑去积累的，可以将自己的问题代入，看看别人的解决办法。在看画的时候，可以想象一下当下观看的画面是通过怎样的方式画出来的，他的作画步骤是怎么样的，以及作者想要表达什么样的感觉，由浅入深地去研究画面。如果没有条件，也可以多看一些好的画册，好的书籍，培养自身的审美，看得多了，就自然而然能分辨出什么画面是好的。

笔者认为，在绘画的过程中不应该对技术过分执着和痴迷，反之，感受所影响的部分应该占据大多数。笔者也在有段时间陷入了对技术、对表面效果的误区中，而当这种表面的技术成为习惯，这就会阻碍我们的观察，我们应当对世界、对事物时常保持新鲜感和眼睛的敏锐度，并且学会遵从笔者内心的感受，在发现中感悟，在实践中提高。

四、结语

笔者认为，造型训练是一条永无止境的道路，对造型的理解多深入，我们的艺术之路就能走多远。所以，素描作为绘画的基础是值得我们用一生去研究和感悟的。其带给我们的不仅是对所谓造型能力的提高和对创作能力的提升，更是练就我们敏锐的感受，使我们更加充分地理解绘画的本质，让我们体会到绘画的快乐。

（作者简介：徐哲卿，男，硕士研究生，吉林艺术学院，研究方向：油画本土化语言）

（责任编辑 王瑞锋）