后印象派油画技法对当代服装设计的启迪与应用

申晓月，钟 蔚

（武汉纺织大学 服装学院，湖北 武汉 430073）

后印象派时期是艺术发展史上辉煌壮丽的时期，也是异变更新的时期。此时期的艺术创作相较文艺复兴、巴洛克和浪漫主义时期有了较大的突破，包括绘画内容由世俗转向对艺术本身的探索，绘画模式转向室外追求光影和色彩，艺术家强调自身情感和自我表现等等。这也使得后印象派时期的油画技法相较于之前有了突破：一是突破传统的层层罩染技法使得种类更加丰富，主要包括点彩画法、直接画法、色块拼接法和多层覆盖画法；二是注重色影关系使得颜色更加鲜亮，有利于艺术家主观情绪的传达；三是融入艺术家的情感使得油画技法更富有内涵。油画艺术与服装设计同属于视觉艺术的范畴，在相同美学的视角下，后印象派油画艺术元素为当代服装设计提供了极大的研究价值。到目前为止，对油画技法的分析大多是艺术领域，涉及服装设计的较为少见。黄勇[1]提到了古典主义时期的技法，并未涉及后印象时期的研究；蒋康[2]列举和分析了大量的案例，但侧重点并不在油画技法；董艳敏[3]主要阐述的是油画中点、线、面对服装设计的影响。

由此可见，针对后印象派油画技法与当代服装设计的结合有一定的研究价值。从外在表现上，油画技法影响画面的整体效果，具有丰富的审美价值。后印象派油画技法与服装设计碰撞，使面料具有丰富的肌理，增强服装层次感与设计感，使图案表现更加灵活生动、款式更加新颖独特。从内在情感上，油画技法可以传递画家内心的情感，使作品成为情感展现的载体。与此同时，画家蕴含在画作中的情感可以转移到服装中，以服装作为载体传递给观者，使其产生共情共感的心理。这种结合方式既丰富了服装的设计内涵，又满足了现阶段人们的审美与消费需求。

1 点彩画法

点彩作为一种油画技法起源于新印象画派，此时期是印象派与后印象派的过渡时期，主要代表画家有修拉和保罗·希涅克[4]。在此之前，莫奈的绘画局部也有点彩画法的痕迹，同时点彩画法对后印象时期的梵高、塞尚都有不同程度的影响。

顾名思义，点彩技法最重要的就是“点”，点是构成视觉艺术作品最基本的元素，点不仅是绘画艺术的永恒元素，同时在服装设计中也是不可忽视的存在[5]。康定斯基说：“点本质上是最简洁的形[6]。”点在设计与艺术中之所以占据很重要的地位，这与它极具秩序美的特性有关。从视觉语言上来讲，点的形状可以是千变万化的，可以是规则或者不规则的，同时受点的大小、疏密、排列、组合形式的不同，最终呈现出的视觉效果也是千姿百态的。与此同时，点的色彩表现也不可忽视，色彩作品通过丰富、自由、微妙的色彩关系展现其中的情感，丰富的画面效果带给观者的视觉冲击也是大有不同的，其中画家所蕴含的感情也可以传递给观者。总的来说，无论是从外在还是从内在来看，将点彩画法转移到服装设计中，无疑会给服装设计带来强大的视觉效果和丰富的情感表现。

Diane von Furstenberg 在2010 年早春度假系列中出现了以点彩画法为设计灵感的连衣裙，完美应用点的大小、疏密、色彩的关系和不同的设计手法，将点彩画法与服装设计结合，在提升服装设计的同时展现点彩的魅力，一举两得。最令人瞩目的莫过于Dior2015-2016 迪奥秋冬高级订制时装秀，这是迪奥创意总监拉夫·西蒙 (Raf Simons) 在罗丹博物馆 (Musée Rodin) 里为世人呈现的宛若印象派画卷的秀场（图1）。拉夫·西蒙把点彩技法融入在秀场布置中，色彩斑斓的点状装饰覆盖在透明的膜片上，预示着本次的发布会与点彩息息相关。本季拉夫·西蒙从点彩画中撷取灵感，结合精湛的高级订制工艺，创作出艺术与技艺完美融合的作品，让点彩在Dior 的花园中绽放魅力。“这是纯真与奢华的对弈。”拉夫·西蒙说，“本季系列既包含天真、动态的、又充满个性的感觉，又能呈献一种矜持的美感和奢华。”整个系列的色彩搭配既忧郁又明快，点彩画派的迷幻色点让人印象深刻，大量重复使用的色点表现出宁静而神秘的气质隐藏在Dior 繁星点点的裙摆之下。拉夫·西蒙擅长的如冠盖般蓬松而平滑的裙摆，依然保有着建筑般的立体廓形和轻盈摇摆的动人之姿，裙摆上的色点随着身体走动不断变化（图2）。还有一位不得不提的日本艺术家兼设计师就是草间弥生，她从点彩中提炼出重复和延伸的重要特征，并将其作为独特的个人符号无限复制，增强设计作品的冲击力，这是理性与非理性完美结合的典范，这种简单明了的形式加深了标识的作用，吸引了众多设计品牌的合作（图3）[7]。她用无尽的原点表现真实与幻境，并利用点的绘画语言增强设计的趣味性与想象力，密集或疏散的点产生迷幻眩晕或冷静理性的感觉。点状元素受其大小、形状和疏密的影响能够改变观者的主观感受，这种通过排列形式将点作为视觉符号附加在设计主体上，将点从二维空间开始延展到三维空间，拓宽了点彩在服装设计中的发展形式。

图1 罗丹博物馆(Musée Rodin) 的Dior 秀场

图2 点彩画法在服装中的设计转化

图3 2012 年草间弥生与LV 合作推出的主题产品

2 直接画法

在19 世纪初期，摄影技术的出现给再现性绘画带来巨大的危机，再现性绘画和绘画性绘画的矛盾促使了印象派的诞生。以莫奈为代表的印象派画家开始广泛的使用直接画法进行创作，直接画法逐渐取代了间接画法。所谓直接画法，是在作画的过程中利用颜料本身的不透明性进行覆盖，画家可在作画过程中进行反复地修改和调整，用丰富的色彩变化直接塑造物体的形态和结构。所以说，直接画法也可以说是一种感性的绘画技法，画家可利用产生的行笔笔触、画面肌理和色彩交织等，直接表达作画时的内心情感。后印象派画家基本采用“直接画法”，而并无透明色的罩染，因此色料更趋于浑厚干燥，这样也给画面带来强烈的肌理质感[8]。其中，梵高作画使用最纯粹的直接画法，他在大多数时候选择使用的都是有粗纹的亚麻布，颜料则是以不透明色的厚涂为主，笔触奔放，肌理厚重，传达出梵高内心对艺术的狂热，同时又处在自我压抑之中的矛盾心理。梵高画作中具有强大视觉冲击力和富有情感内涵的笔触肌理，不仅在绘画界得到认可，在设计领域也受到广大设计师的青睐。

2015 年是梵高逝世125 周年，在这一年前后的许多时装品牌使用与梵高画作结合的方式致敬梵高。例如：Maison Martin Margiela 2014 秋冬高定系列、MATTIJS 2014 秋冬系列、Viktor&Rolf 2015 春夏系列、Dolce&Gabbana 2015 春夏系列等等。当然最经典的还是要数法国著名奢侈品牌Yves Saint Laurent 1988 年春夏系列中的一件女式上装，灵感来自于梵高的《向日葵》（图4）。这件设计作品特别之处在于设计师采用亮片、管珠、法绣等的重工艺手法把向日葵明亮的色彩、厚重的肌理与服装完美融合。伦敦国家艺术画廊曾用X 光片的方式研究《向日葵》这幅画绘制时的步骤、颜料的浓淡与厚薄、笔触肌理的走向等等。在这幅画作中，梵高除了在向日葵种子的部分使用了点彩画法，其余部分均采用了直接画法。梵高在绘制向日葵花朵部分时，采用了湿加湿的画法，简单的来说是在颜料未干时就画上下一笔，颜料厚重且笔法上扬，展示了怒张上扬的视觉效果。背景则是采用了直接交叉的画法，相较于直接平涂的画法，会使背景的色彩有些微的色彩变化，打破了单调的表面。而Yves Saint Laurent 也是发现了这些特点，并利用独特的设计手法将其展示出来。从服装的细节上可以发现（图4），制作向日葵花朵部分的亮片比背景亮片更大，而且还有管珠和丝带，还原了花朵肌理的立体效果，给人的视觉感受如原画肌理一样厚重。与此同时，也加强了向日葵的质感，与梵高在绘画过程一样追求画面质感不谋而合。服装在制作背景部分采用的是同规格但有轻微色彩差别的亮片，高度还原了梵高使用的交叉画法的视觉效果，同时单一的材质与向日葵的多种材质形成差别，更好地衬托出主体。梵高在写给弟弟提奥的信中曾说过向日葵对于他的重要意义，以及他利用向日葵传达的感激之情。而Yves Saint Laurent 在2004 年巴黎展览的目录中曾写道：“我一直对绘画很着迷，所以它自然会激发我的创作灵感。”所以他在《向日葵》诞生100 周年的前夕，将其与自己的设计作品融合，把向日葵带上时装的舞台，也未尝不是想利用这种方式向梵高传达感激与致敬。

图4 梵高作品《向日葵》与Yves Saint Laurent 1988 年春夏系列女式上装

3 色块拼接法

色块拼接画法是直接画法的一种基本方式[9]。简单来说，色块拼接法是艺术家运用蘸满颜色的画笔在画面上“摆”出的块状笔触，而这些色块有机组合在一起，构成具有可视形象的整体画面[10]。在后印象派画家中保罗·塞尚较为擅长使用这一绘画技法，塞尚以他深厚的绘画功底和敏锐的艺术感受，应用明亮色块和几何形体轮廓的特色为人们带来诸多经典画作。在服装设计中，色块拼接法成为近来服装中比较常用的设计手法，巧妙地应用色块拼接成为服装设计的亮点之一，也是当下的流行趋势，同时满足消费者追求个性和注重时尚品味的需求。塞尚在绘画中是直接根据形体和色彩关系进行绘制，笔触坚实肯定、整齐有力、节奏自然，使用轮廓线加强形体塑造，使画面趋向于几何色块的构成，这种绘画的习惯使画面稳定的同时又富有张力。塞尚在绘画中用笔的虚与实、强与弱、厚与薄的对比，使画面起伏有层次，增强肌理的美感[11]。在d`nim（迪尼姆）2016/2017 秋冬牛仔装流行趋势时装发布会上，设计师陈闻以《致塞尚》为主题设计了这一系列服装。该系列使用的图案是设计师陈闻在塞尚故乡南法普罗旺斯地区旅行时的写生作品，他利用最原始的丹宁面料，大多数都没有进行后期的水洗等处理，直接与油画作品结合（图5）。在设计过程中，主要采用错落的拼接分割，利用蓝色丹宁面料的明暗不同来呈现节奏的变化，同时硬挺的丹宁面料塑造出来的廓形极富有立体感（图6），与绘画作品中的立体感不谋而合，达到相呼应的效果。色彩明亮纯粹、线条明确硬朗的笔触肌理与原始牛仔的自由、奔放与厚重的性格完美融合，把艺术的激情与牛仔的动感展现的淋漓尽致。陈闻不追求繁杂的款式设计和琐碎的细节处理，而是依靠面料的颜色、肌理以及质感，结合同样具有色彩、肌理、质感的作品，把永恒的经典与瞬息万变的时尚连在一起，为观者带来美的视觉盛宴[12]。

图5 牛仔结合油画肌理在服装中的设计转化

图6 色块拼接法在服装中的设计转化

4 多层覆盖画法

多层覆盖画法有别于古典主义时期的多层透明罩染画法。通常在直接画法中也并不能真正做到“一笔到位”，需要反复多次的覆盖、调整才能达到理想的效果，所以也可以把它理解为直接画法中的厚涂画法。梵高在1889 年创作的《星空》是这种画法的主要代表作，他用厚重的颜料在画布上纵横交错、扭曲旋转，一次一次地在原来的笔触上反复堆砌，多层重叠，形成的肌理坚实厚重，颜料停留在画布上像极了雕塑。但每一次的覆盖又巧妙地保留了前几次留下的笔触色彩，层层精微，色层变化丰富[13]。梵高使用刮刀、硬笔堆砌出的厚重肌理，制造出了两股针锋相对的力量：一边是稳固有形的大地，一边是风起云涌的天空，而如焦油般厚重、火焰般跳跃的柏树像极了两者之间的较量，画作传递出的激荡感深入人心。

在Rodarte2012 春夏系列服装中，凯特·穆里维 (Kate Mulleavy)和劳拉·穆里维 (Laura Mulleavy)姐妹以梵高作品为灵感进行设计，梵高的经典画作《星空》赫然在列。设计师选择了印花与刺绣的方式将星空图案与服装结合，最特别的是设计师对部分图案进行了像素化的模糊处理（图7），这种充满科技感的处理手法与《星空》的天文景象相得益彰，梵高画中漩涡状笔法正是受到了真实星云的启发。同时，设计师也提取了《星空》这幅画作中的最特殊的漩涡状肌理，经过变形处理与服装设计相结合，得到了普遍的称赞与认可（图8）。《星空》这幅画作给人最明显的体验就是优美与壮美的视觉感受，而穆里维(Mulleavy)姐妹也把这两点展现的淋漓尽致。从优美的方面来说，设计师使用了轻薄柔软的纱质面料结合褶皱的设计方法，纱质面料自带的朦胧感加上像素化处理的模糊感完美的呈现了画作中星云的神秘感。与此同时，梵高利用小笔触和多层覆盖画法所达到的流动状态，也被设计师利用纱质面料表现的淋漓尽致，梵高在此幅画作中寻求的短暂的静谧也与服装融为一体。反复堆砌出的肌理具有强烈的动态感和鲜明的节奏感，表现出梵高在作画时内心的激烈情感[14]，褶皱的处理手法将平面的面料立体化，体现出肌理的立体感，从而把梵高隐藏在肌理中的激烈情感也融入到服装中。从壮美的方面来说，就是面对星空无边无际时的渺小感。梵高在绘制《星空》时正处于精神错乱，一直与自己精神斗争的状态，他要战胜内心的焦躁与疯狂。梵高在追求画面感的无边无际时，他的创新点在于在星空中加入了他极其擅长的爆发力，他庆祝的不是科学战胜了想象，而是坚定意志的能力，这就是“动感无穷的壮美”原则。设计师将这种壮美以印花与肌理变形的设计手法融入到服装中，给服装增添了强烈的震撼与无穷的想象。

图7 多层覆盖画法在服装中的设计转化

图8 油画肌理在服装中的而设计转化

5 结语

后印象派油画技法之所以可以在现代服装设计中实现完美转化，一是因为油画技法是众多艺术先驱和大师绘画技巧和美学理念的结晶，对服装设计的灵感来源是一种新的启发，对服装设计的审美理念是正确的引导。二是因为油画技法中蕴含了丰富多样的表现方式和视觉语言，无论是画面中理性的画面构成，还是感性的画面感染力，都可以与服装设计完美转化，对服装来说无疑是锦上添花。三是绘画过程中对技法的使用蕴含了画家对艺术独到的见解，以及丰富的艺术情感和独特的风格。设计师可以把这种独到的风格融入到服装设计中，达到满足消费者追求独特个性的需求。与此同时，可以把艺术情感与品牌理念和设计风格相结合，达到设计师与消费者共情共感的目的和精神层面的统一。