浅论表演中的松弛与控制

摘要：在戏剧表演中，松弛与控制这两大因素是必不可少的，它可以使演员表演时在舞台上更好的发挥。它们同时又是相互影响的，松弛是基础，控制是提高，缺少哪一种因素都会让表演不尽人意，那么演员在塑造一个角色的时候，怎么样能充分的运用这两大要素呢？本文简要论述了松弛与控制的重要意义，深入解读其对于演员在表演过程中的重要作用，以及如何将表演中的松弛与控制进行有机结合。

关键词：戏剧表演;松弛;控制;有机结合

一、表演中的松弛

（一）松弛的魅力

世界上著名的戏剧家斯坦尼斯拉夫斯基这样讲过：“当形体上还存在紧张的感觉的时候，细致的感觉是谈不上的，在开始角色创作和演出之前，必须处于一个适当的状态。”我想这个状态总的来说应该就是说的演员要放轻松，有一个良好的松弛的状态，才能使演员的演出显得不那么生硬，死板。年轻的演员，在初期由于很少面对这么多观众，内心肯定有紧张兴奋的感觉，这样容易使正常演出变得特别紧凑，给观众带来一种“拿劲”的感觉，观众看着也累，所以说学会松弛是演员表演重要的一个环节之一，只有先把自己放松，才能慢慢的加入演员自身的感情，加入演技，加入台词和动作，最终发挥出演员最高的水平。

1.演员的外部松弛 演员在演出的过程中，是运用自己的身体动作、台词语言、心理活动来创作一个角色形象的，动作与是表演艺术的基本要领，身体动作的松弛，尤其是各个部位肌肉的松弛首当其冲。比如肩膀、胳膊上的肌肉组织，如果在舞台上演员出现了紧张的状态，那么这些部位就会出现绷着的感觉。面部肌肉往往过分紧张，也是演员需要克服的一个难题，因为演员的表情，是随着剧情的变化而变化的，比如我在研一期间的排练剧目《暗恋桃花源》中饰演老年的“江滨柳”，最后一幕中他与苦苦找寻的初恋云之凡终于相见，面对当初的恋人如今早已物是人非，二人的谈话表面上虽然平淡如水，但内心里确是波涛汹涌，有好多的话想说却不知该如何开口，由于剧情的设置只能一直坐在轮椅上，这个难点在于要求演员靠面部表情来表现角色内心种种情绪的不同变化，如果演员太过于紧张，导致面部肌肉无法松弛，就有可能表情跟人物对不上，剧情的高潮部分就难以完美的呈现。

除此之外，一场完整的戏剧演出，动作和台词是必不可少的，演员如果要说好角色的台词，处理好语言行动的准确性，成功塑造人物的形象，首先来说需要口齿伶俐，通过语言的外部技巧达到更好的表现力。当然，这些所有的因素都要建立在演员松弛的基础上才行。无法控制紧张以及激动等情绪的时候，最直接的表现就是说词时声音颤抖磕磕巴巴，甚至是忘词等现象，这样直接打乱了整场演出的节奏。所以总结为一句话，演员要通过不断的实践，慢慢的缓解身体上紧张的状态，达到动作流畅活动自如，这是一个不断摸索的过程。然而是什么因素导致演员无法松弛的呢？归根结底，还是要从演员的内心说起。

2.演员的内部松弛 我们常说一句话“心理紧张也导致身体紧张，失控”。心理上的紧张，是最复杂，也是最难克服的问题，到底是什么原因导致演员的心理产生紧张情绪的呢？首先，一些年轻的演员，由于没有舞台演出经验，面对着成千上百的观众，或者面对着一台台的摄像机，从内心的深处就有一种发怵，害怕的情绪。其次，一些外部的原因，比如一些剧烈的动作，如碰撞、推拉、武打戏，或者身体的一些部位不适等，都会引起紧张。这些紧张情绪，从而连带着身体、肌肉、表情、语言等等，都变得紧张起来，无法达到全身心的松弛。这样的话，演员的演出就会生硬、呆板。从另外一个角度说，演员在表演过程中要将自己的注意力集中在人物上、剧情发展上，全身心的投入其中，才会使得内心松弛、紧张的情绪就会消除，只要演员能够达到心理上的松弛，那么演员外部的松弛可以说是水到渠成的。

（二）松弛的作用

松弛是演员在创作人物时必须具备的状态，也是演员驾驭舞台的前提条件。有时演员在舞台表演中想要一次性的演好角色，但结果往往适得其反，造成演员在舞台上过度紧张失去了松弛的状态，演员便开始去努力寻找松弛的感觉，由于之前的紧张无法放松下来，无法调整好状态，而故事内容还在继续的发展，周而复始，便越来越紧张，越紧张就越演不好，心中杂念也会越来越多，进而就造成跳出角色，影响表演效果。若想能够在接下来的表演中放松且全身心的投入演员就要冷静下来，放下包袱，找到平时在排练过程中松弛的状态和感受，运用到正式演出当中去。这样人物形象、性格才会更准确的体现出来，故事节奏才会更加富有层次，人物的行动也会更有机。

表演中有了松弛的元素，演员才能够以一种放松的状态去表演，才能更好地与人物进行融合，更准确地与对手进行交流，使整个表演都充满激情，创造出完美的戏剧效果，观众才能与之产生共鸣，才能更加明白故事情节，贴近表演的剧情，以及接近角色本身。若失去了松弛，会导致演戏过火、做作、虚假，带动不了观众情绪，调动不了观众积极性，使观众在台下坐不住，甚至出现提前离场的现象，所以说松弛在演员进行人物创造上发挥着巨大的作用，在戏剧中更是不容小觑。

二、表演中的控制

（一）控制的意义

当演员找到了如何在舞台上进行松弛、放松的演出，就要想如何去适度的控制自己的身心。演员所扮演的角色不仅仅只有一种性格的体现，在他主要的性格背后還有很多隐藏的性格，这就需要演员通过肢体、行动、思想等来完成，控制属于理智范畴，来引导和控制激情的能力。

1.演员的外部控制 演员的外部表演控制包括语言、形体、表情的控制。演员仅仅改变声音的大小、动作的强弱以及表演的分寸是远远不够的，因为每个人对角色的理解不同，所诠释出来的人物性格刻画也就有高低深浅的存在，经过外部刺激被不同演员的刺激也是不一样的，展现出来的行为方式也会有细腻粗糙之分，所以我们要努力找到自己与角色的偏差，发掘角色的独特魅力，还要运用表演所学的技巧，去控制、调整状态，内心与外部控制的结合，去塑造一个“活”的人物形象。所以说演员要善于驾驭自己，控制自己身体的每一块肌肉、每一个感想，驾驭自己的激情，掌握自己的激情，不能让激情驾驭演员，必须善于控制它，把它带到情境、人物中去。因为在表演中要想达到真实性，是离不开控制的，要知道自己在做什么、想什么，不受任何自身消极的想法影响，打消自己消极的想法，才能使故事情节、人物性格流畅的展现出来。

2.演员的内部控制 演员的内部控制包括内部情感、心理过程，包括激情的控制，演员在创造角色过程中最重要的就是对人物内心情感的演绎，把握正确的人物情感，是一个演员最应该努力去研究探讨的地方。演员对自己的自身控制程度也是源于心理上的紧张，导致身体上的失控，有的演员由于内心作用，导致上台时紧张，这种紧张会造成演员在舞台上应有的控制，可能会造成头脑的空白、心脏极速跳动、呼吸急促、面部痉挛，甚至还会出现声音沙哑，说台词破音的状态，轻者动作僵持、语言生硬，重者忘记台词使剧情无法继续下去。心理上的紧张还会使演员的活动造成麻痹，心里活动造成束缚。并且演员的内心想法直接影响声音和形体的呈现，这是取决于演员能否演好戏并清晰的表达出来的关键。

（二）控制的作用

“戏剧源于生活、高于生活”，演员在塑造人物角色时，离不开生活的积累，通过丰富的想象力、表现力将人物性格展现出来，这离不开控制的帮助，有了控制，才能使人物形象真实、准确的生活在虚构的世界中，做着规定情境內的合理动作、合理思想，一直在主线内发展，若超过了这条主线或不在主线上，也就是说演员失去了对自身的控制，所有的行动都不在规定情境之内，那么人物的行动就会变成虚假的、不真实的行动。全身心的投入到角色当中去对演员载舞台上表演的时候是必然的。可是每个人对角色的理解不同、体会不同，进入角色的速度也是不一样的，有的演员在演戏时已经是完全投入状态，可是突然受到一些外界的影响，就会马上跳戏，影响人物情感，在这种情况下，必须需要演员对自己有很好的控制，要快速调整情绪，走进角色。在我看来，演员最困难的就是对自己、对看待角色的情绪控制，演员要先学会控制自己的内心情感，将内心情感随着剧情的发展慢慢爆发，由弱变强，让其有一个逐渐递增的过程，这样人物性格才会变得有层次感，行动也会更有活力。有时候我们会看到一个演员所刻画出的人物表现平淡、没有情感，让人看着不舒服并且也刺激不了对手的情感爆发，这就缺少了演员对自己情绪的控制，进而整部戏也会变得不积极、不热烈。所以说，演员必须对自己在舞台上的行为负责，对自己的表演进行强有力的控制，注意力要高度集中在角色上，学会调整自己的状态、控制自己的情绪、情感;控制自己的动作，这样人物才会刻画的更加细腻，舞台上的演出也会变得游刃有余。综上所述可以看出，控制这一表演元素在戏剧中、演员塑造角色时必不可少。没有它就没有一个好的人物形象，它具有极其重要的地位，不可或缺。

三、松弛与控制的有机结合

（一）松弛与控制的关系

有动便有静，有松便有紧，松弛与控制是相对存在、相辅相成的。它们是演员的在创造人物是应具备的基本素质和条件！在演员创造角色时，需要保持松弛的状态，以此激发创作激情，便会兴奋，情绪高涨，此时思维会出现混乱，便会出现心理与生理上调节失衡，失去了演员对自身的控制，所呈现出的表演也自然失去了美感、鱼龙混杂！所以演员在松弛的同时不要忘了控制，控制肌体、思想，才能得以达到美感，二者缺一不可，不可失调！二者都具有内在和外在的条件，都有共同点，只有将它们有機结合在一起，内外兼得，才能创造出完美、立体的人物形象。但是松弛与控制之间的分寸感是非常难把握的，有时候会形成矛盾，甚至会对立起来，这时就会出现两个极端：当演员在舞台上完全放松的时候，人物形象就会松散，呈现出“懈”的状态，还会让人感觉到人物形象无法立在舞台上，观众对人物性格也会模糊，不能理解其正确的思想情感;其次，当演员若是控制过度，就会使表演不真实、木讷、不生活化，该是表现出激烈的矛盾冲突也会变得平淡，缺乏了故事原有的紧张、刺激的节奏感，整个剧的基调也会“掉”下来。

所以演员在创作时，既要有艺术创造性的体验、感受，又要有高度的放松和控制能力，在松弛状态下找到控制感，将动作语言进行协调，让肢体在表演中具有艺术性、丰富性、行动性。演员要了解自己的身体，知道自己身上那块肌肉在动，这让才会更好的进行控制与松弛自己，做到松弛中有控制，控制中不缺松弛的存在，也就是静中有动，动中有静。

（二）松弛与控制的运用

演员要想在表演中真正的做到松弛、控制运用自如，就要时刻监督自己，随时发现自己身上、心理、生理所出现的不必要的紧张，通过自己有意识的去调整、排除它，从而达到松弛的状态。创作中的松弛与控制，与演员自身的创作方法和自身的素质有着紧密的关系，演员在进行创作方法的训练时，必须在长时间的训练中去培养，经过有意识的训练，达到在舞台上能够有目的的行动、真正的相信并且投入到规定情境之中、抛开杂念、树立自信，这样才会消除不必要的紧张，心理上也会自然的松弛下来，才会对外部肢体进行很好的控制。我们在训练时可以做一些信任练习、身体的紧张与放松练习、木偶练习、伸展收缩、全身活动等练习，让演员了解自己的身体、激发创造活力，还可以做一些呼吸发生练习，让演员可以使自己的声音达到真正的放松与控制，避免舞台上的破音。所以，演员要想掌握哈松弛与控制的分寸感，在台下的所做的训练是必不可少的，它可以为演员能够在舞台上更好地发挥服务，给演员打下牢固的基础。

要想将松弛与控制运用到演员的表演中，首先就要进行剧本分析，以及人物的分析，找出背景、人物性格、关系，这样在了解剧本整体后，才能充分的了解人物角色的动机和心理活动，才能更好的控制人物的肢体、语言，并且控制自己的内心情绪，进一步将人物塑造的更细致、自然，将松弛与控制完美的运用其中。

结论

松弛与控制是演员应具备的重要而又基本的素质，同时二者相辅相成，缺一不可，演员在表演中想更好的完成人物的塑造，就要多进行松弛与控制的练习，演员要根据剧情需要，控制好自身的思想以及自身的肢体，准确的表达出人物的性格。松弛和控制对演员的要求非常高，正确的处理好二者之间的关系，将松弛与控制进行有机结合，才能使表演更加真实，人物形象更加丰满、富有内涵。

参考文献

[1]胡导.戏剧表演学[M].北京：中国戏剧出版社，1992.

[2]梁伯龙，李月.戏剧表演基础[M].北京：文化艺术出版社，2004.

作者姓名：王天威 ，出生日期：1998.06.09，性别：男，籍贯：辽宁 鞍山

民族：满族，专业：戏剧，研究方向：戏剧与影视表演方向

学历;硕士研究生在读

指导老师：尹敬红

（沈阳师范大学戏剧艺术学院 辽宁 沈阳 110034）