浅谈大提琴节奏的训练

陈思

浙江传媒学院音乐学院

节奏，在音乐中的地位，是和音准并列为学习音乐，首先要掌握的技能之一。很多学习弦乐的学生非常看重音准，往往忽视在演奏作品中，节奏的重要性。经常会出现，节奏忽快忽慢，随意变换速度，为了音准，突然就变慢的情况，常有发生。殊不知，节奏和音准是两个相辅相成的关系，通过节奏的训练，也可以进一步验证音准的准确性。本人将从以下几个方面探讨如何训练节奏，来更好地辅助学生学习和演奏音乐作品。

一、不同时期弦乐作品节奏的特点

（一）巴洛克时期

在这一时期最有代表性的大提琴作品应该是巴赫的六首无伴奏大提琴组曲，这首作品，至今都是学习大提琴的必练曲目。同时期的，奏鸣曲也有一些不错的作品，如维瓦尔第、马尔切罗等。这些作品他们的节奏相对单一，节奏平和变化很少，多以音阶、琶音为主，节奏型，常用的节奏型：四个十六，前十六后八，前八后十六，前后十六附点，等等，强弱变化不明显，大部分乐谱上都不会标记强弱变化和表情记号。这一时期的作品，大部分表现得高贵典雅，经常用分解和弦不断模进的写作形式，把音乐推向高潮。

（二）古典主义时期

这个时期最著名的作曲家贝多芬，他对节奏的推动作了巨大的贡献。在强弱节拍的变化上，贝多芬的大提琴奏鸣曲尤为突出，出现了一些变化极强的表情，如p-sf、sfp-pp、f-sf等。这些强弱的变化，给音响效果带来了巨大转变，音乐的表现力丰富了，大提琴和钢琴变成了并驾齐驱的两匹战马。在贝多芬的奏鸣曲里，不规则的节奏型，强弱变化弓法，丰富的音乐表情都给大提琴这个低音乐器补充了更多的内容。

（三）浪漫主义时期

这一时期的特点，其实是和历史息息相关的，彰显更多自由，解放的思想。节奏变化更突然，根据情绪的转变，忽然慢下来，然后再加快的节奏，延长音也不局限于音乐的结束。比较熟知道的在拉罗和埃尔加的协奏曲里，这种突然变化的节奏用的很多，一开始对这种神经兮兮的节奏很抓不到头脑，感觉像是喝醉酒的作曲家谱写的作品。但其实这种更加自我的风格，给听众带来了很多意想不到的听觉效果，反而变得更有个人风格，一听到这首作品就知道是他的特点。在贝多芬后期的奏鸣曲也受到影响开始加入更多浪漫色彩。

（四）20世纪以后

大家对这个时期，有个很深刻的词叫无调式，不止调式，连拍号有些都没有，速度极端的变化，休止符也变得没有规则，在追求技术的创作，节奏错综复杂。四分之三拍，四分之二拍，八分之三拍，等快速转换，节拍变得完全不统一。例如，肖斯塔科维奇的协奏曲中，节奏快速，拇指把位音符变化复杂，完全就是考察了演奏家的最高水平。

二、节奏训练的方法

（一）节拍器训练法

很多学生一提到节拍器，都会抗拒，平时练得很舒服，一用节拍器反而是受到干扰一样，节奏就开始混乱。在学习乐器初期，养成良好的使用节拍器的习惯是非常重要的。使用节拍器时，经常会练着练着就比节拍器的速度快或慢，通常老师都会要求学生慢练，一个是为了练习音准和节奏，二是为了聆听音色，尽可能找到每个音正确的发音点，如果听着节拍器有干扰，那就把速度调整到完全可以驾驭的地方，不要一开始就原速练习，慢练对于节奏的练习是极为重要的，用节拍器不但使节奏稳定，也是训练内心节奏的好方法。最后演奏快板作品时，学生也容易因情绪过于激动，越拉越快，这时使用节拍器也可以控制速度，使演奏有条不紊。

（二）视唱练耳训练法

在视唱练耳中，反映了很多学生节奏的问题，当学生听旋律的时候，一般是先听到音高，学习弦乐的学生对音高的判断比较敏锐，但最后标记节奏的时候，就会发现有很多问题，记了前面忘了后面，超过四个小节以后的乐句，节奏尤其模糊。在节奏听辨初期，先了解基本的几种节奏型（见图1）。

图1

两个八分音符—二八，四个十六分音符，前八后十六，前十六后八，前八后十六附点，前十六附点后八，小切分，大切分，三连音，四分音符。在钢琴上可让学生反复练习，直到流畅的背出，不管任何节奏都是以基本的节奏型的演变而来。在专业化训练之中，可以手拍节奏，嘴读节奏等。一切方法都是为了加深对节奏的印象，手的上下滑动学习节奏是比较明显看出节奏的走向，一下加一上为一拍，一下或一上为半拍。边唱边打节奏是比较简单的一种训练方法，还可以一手用做节拍器，另外一手打节奏。更高级别的是再加上唱第三种节奏。不管是什么方法，让学生在训练中，更好地建立节奏感。

（三）演奏训练法

1.练习空弦和音阶训练节奏

首先是空弦的训练，演奏空弦不需要左手，只有右手的运动，可以使学生更加专注于节奏和节拍。设定一个中速，我们可以以一弓四拍或两拍开始，慢慢增加拍数，变成八拍或16拍，要特别注意的一点是，始终要保持相同的速度来练习。然后再加入左手，同样以音阶的形式进行练习，从一弓一音，二音，四音，八音，十六音。在同样的速度下，练习节奏的稳定，同时也锻炼左右手的平衡。

2.换弦和换弓对强弱节奏的训练

由于每根弦演奏的力度是不同的，从CGDA，力度由强到弱，影响着强弱节拍。一弓演奏四根弦时，强弱拍可能在上半弓也可能在下半弓，演奏时不能随意增加力度，这里训练学生运弓力度要均匀。弓法对强弱节拍的影响是不可忽视的。例如，有些不对称弓法，下弓两个音，上弓只有一个音，为了上弓时要回到一开始的位置，很多学生就会加重力度，重音就落在了上弓，弱拍就变成强拍，声音不平均，所以上弓的力度减弱，速度还要正常，就需要学生下功夫去练习控制力度，才能演奏正确的节拍。一般正常分弓演奏时，下弓总处于强拍位置，如果这个乐句从弱起，就会要求学生从上弓开始演奏。但当一些复杂的混合节拍出现时，强弱的变化，就需要根据作品的律动发生改变。

3.集体课的节奏训练

这样的训练一般出现在室内乐排练或是乐器重奏课上，以分声部为基础。例如，以三个声部演奏的重奏作品，我们不仅可以听到高声部带来的旋律层次，又可以听到低声部带来的节奏肢体。音乐变得更加立体。这不仅可以训练学生的节奏感，也可以培养更好的乐感。在很多大提琴作品中，有二重奏的练习，老师可以和学生一起演奏，让学生感受到自己声部变化的同时，要随时听到另一个声部的节奏。其中有一个声部发生错误，两个声部就会脱节，演奏就无法进行下去了。另外演奏时不但是听到一个声部的演奏，还要把耳朵放到外面，可以听到两个声部同时演奏，耳朵对于节奏的感受更加立体。这种多声部的训练让学生演奏起来更富有热情，相互之间的合作也更有默契，为学生进入乐团训练，打下一个良好的基础。

三、结语

综上所述，节奏在乐器的演奏中起到至关重要的作用。在学习弦乐的初期，教师要给学生反复强调它的重要性。从开始接触乐器的时候，就要把节奏带入进去。使用节拍器是最简单的办法，让学生时刻可以使用上它。对于初学者，独奏是属于过于枯燥的练习，加入集体课的训练，也让学生训练的更加专注。节奏训练的方法多种多样，也要因材施教。节奏组合的变化也是不可预知的，因此在初期的严谨是尤为重要的，这也为日后学习各种音乐风格打下基础，让节奏更好地表现音乐作品。