浅谈梅画的发展历程

黄聿宁

天津工业大学

翻开中国绘画史这本书，不难发现，中国画从起初单一的人物画拓展开来逐渐多元化，形成了人物、山水和花鸟三足鼎立的局面。在这之后，人物画中的花鸟画也独立出来，将自己原来配角的角色转变成为主角形式迅速发展，表现技法逐渐地从工笔转向写意。宋代以后，文人画逐渐出现，居于主导地位的是写意花鸟画，花鸟画中梅花的表现形式逐渐也发展成为一种独立的艺术表现形式。

古代文人墨客爱好画梅、吟梅，因此，逐渐流行对梅花进行吟诵、描绘，如今所见画梅作品众多，早在魏晋南北朝时期就有人画梅。根据现有史料记载，唐代于锡画《雪梅野雉图》，独创勾勒着色画梅法，这时的梅花只是出现用在禽鸟画上，并不是单独形式出现，而是以背景画的形式展现，充当衬托的作用。五代十国时期，战争不断，因此，对于这种悠然自在、作画吟诗的生活方式的追求简直是奢望，此时的梅画并没有得到发展。这时的南唐和前后蜀，可谓是国泰民安、和平安定，此时画梅的名家辈出，表现题材非常丰富，梅花作为众多题材中的描写对象之一，表现特点是：一是梅花与其他花卉禽鸟联合在一起出现在画面中，没有成为独立的描写对象；二是重在写生，追求真实感，达到逼真的效果；三是传承前人的勾勒着色法，画家本身很少有自己独创的画法。

宋代时期，社会安宁，经济发展，最高统治者积极参与和大力提倡吟梅、画梅，特别是随着文人画的出现，为梅画的发展带来了丰富的生机与活力，梅花在此时也终于作为一种单独的题材独立开来，表现手法也不再是单一的着色点染，逐渐发展成以墨晕作梅，将追求写实逼真的效果趋向于写意表达。宋代初期杰出代表画家徐崇嗣，打破以往传承他人的梅花画法，创作出属于自己的画法，以丹粉点染，创没骨画梅法，为后代墨梅艺术的发展奠定了基础，开启了墨梅画法的先河。南宋时期，墨梅艺术得到了进一步的发展与改善，代表人物是扬无咎，他师承仲仁，自身又有新的创作方法，将墨梅艺术的发展推向高潮，其代表作品有《四梅图》，画面中描绘了梅花含苞、待放、盛开和残败的四个变化过程，在这幅图中，杨无咎一改彩染或墨晕花瓣之法，为墨笔圈线，韵致高远，气韵清爽不凡，清意逼人。

图1 《四梅图》杨无咎

元代时期，写意花鸟画的艺术技巧更为成熟化。画家在“书画同源”的理论指导下，注重诗、书、画相融合，形成一个系统的充满活力的艺术整体。这一时期，最杰出的画梅大家是王冕，他以画梅名世，自称为“梅花屋主”，每画梅花必定亲自题诗，抒发其性情，表达其思想情感。他的《墨梅图》所画品梅以浓墨画出，婉蜓在整个画面之中，挺拨清秀。花头分为正面和侧面，有盛开怒放和含苞待放之分，有疏有密有聚有散，秩序井然。采用淡墨轻染花朵处，采用重墨加点在花落处，采用挺拔的书法在枝杈间题诗落款，与道劲的技干和谐搭配，自然地融合为一体，画中题诗为：“吾家洗碗池头树，朵朵花开淡墨痕。不要人夸好颜色，只留清气满乾坤。”从画面的意境和题诗中，我们可以体会到画家胸怀高洁、超凡脱俗的思想品格。

明清以来的梅画在继承宋元时期文人画的基础之上，得以传承与发展，画家们不再是仅仅追求真实感，追求写实情意，而是在努力发现事物的内在精神，将自身情感与梅花相结合、情景交融，突出表达画家的思想情感，融入了画家自身的喜、怒、哀、乐的情感。从画中我们就可以体会到画家本身的性格特征。明代时期的画梅大家代表有徐谓、陈白阳等，他们用笔豪放、用墨潇洒淋漓，开创了梅画大写意之路。徐渭梅画中题梅诗云：“从来不见梅花谱，信手拈来自有神，不信试看千万树，东风吹着便是春。”这首诗不仅表现了其突破传统敢于创新的精神，也体现了其自身大写意的画梅风格。清末时期，吴昌硕作为杰出代表人物，对后期画梅影响深远，其代表作为《红梅图》，此作在构图和布局上大起大落，取对角斜势，用枝干衔接以增画面气势，用笔苍劲老辣，将大篆和草书的笔法融于梅枝间，画出了梅花的质感和精神，古韵盎然。

近现代的画梅代表有齐白石、张大千等著名画家，两人并称“南张北齐”。齐白石深受吴昌硕影响，在前期曾学习他画红梅，得其精髓，后来迁居之处到处是梅花，因此，将住处改为“百梅书屋”，后期的齐白石已经将梅将景物相互结合，打破以往的绘画方式，富有生活气息。

纵上所述，根据历代梅花画作的分析鉴赏，我们不难得出一个结论，梅画艺术在经过历代画家的共同努力之下，慢慢从人物画的陪衬中脱离开来，将自身配角的角色成功转型为单独存在的艺术品种，在中国画苑中占有重要地位，梅画不仅能够表达出画家本身的个性特征，更能够表达出丰富的民族精神和传统的人文精神，为今后中国画的发展奠定了基础。