从静物开始的美——论美术欣赏的主要途径

□孙荣誉 恩施市第一中学

静物画，表现的是生活之美。从自己的身边选择出具有各种美感的物品，通过对它们的刻画，一方面掌握较为全面的绘画技术，另一方面培养用艺术的眼光看待客观世界的能力。从这个角度来讲，静物画的写生是所有艺术门类的基础，它以单纯的语境，表达画家的主观意念，塑造并美化着我们的日常生活。优秀的静物画善于以小见大，借物抒情，能够引领观者思考生活与艺术的关系，在客观和主观精神世界之间建立一种图像式的解读关系，这种关系不单是视觉上的，同时也是哲学思想上的。对艺术史上优秀静物画作品的欣赏和品鉴，是学习艺术不可或缺的一环。这个过程，也是整体地了解和掌握艺术史观，深入学习艺术的基本方法论。

静物画的表现形式极其丰富多样，它具备了生活中的各种形象和各种色彩；不同的物品造型变化繁多，大小轮廓形式多样，材料质地种类极其完善。静物写生，是继几何形体之后的重要训练手段，同时静物画不仅仅是专业的基础训练内容，也是艺术史上一门独立的画种。为了更好地普及艺术教育，更好地传授绘画知识，各级学校在教学中，普遍地安排了静物写生课程。在绘画教学中，通过对不同物品的艺术组合，能够达到举一反三、事半功倍的效果。同时，在静物写生的过程中，一点一滴地将美的原理渗透到学生的心里，从而达到教学的目的。本文列举艺术史上著名的几位画家以及他们的静物画作，进行理论的分析和评论，以此来阐述笔者的观点。

一、静物画的起源和艺术特点

现代静物画起源于欧洲，虽然各个国家在传统绘画中都有一些描绘静物的绘画作品，但都不是纯粹概念上的静物画。比较典型的如中国传统的花鸟画，这类绘画主要体现了传统型文人画家的清高志趣和人生态度。由于中国绘画工具的特殊性，极大地依赖宣纸和毛笔墨汁的特殊性，对于书法和文化修养的重视程度远远超过了视觉语言和画面效果，因此花鸟画无法简单地归于静物画门类之中[1]。

欧洲从文艺复兴早期开始，人们在精神上需要更丰富的通俗文学和艺术的滋养，因此很多画家除制作传统的宗教题材作品之外，还创作了很多风景绘画、普通市民人物肖像绘画、静物画等。文艺复兴时期的静物画都以严格的写实为主，通过对物品的翔实刻画来表现画面效果。1590年，年仅19岁的意大利画家米开朗基罗·梅里西·达·卡拉瓦乔画出了艺术史上著名的作品《水果篮》，这幅作品被后世理论家认定是艺术史上真正的静物画。在这幅作品中，画家以清新、明快的风格，严谨、自然的造型，以暖灰色大块面的背景墙衬托水果的明亮色彩，刻画了历史性的生活照，一篮子水果：苹果、梨、桃、无花果和叶子。暖色调的画面象征了意大利文艺复兴时期，人们对生活和未来的美好憧憬与想象，也使看到这幅画的人，得到视觉和心灵的双重美感享受。从这以后，欧洲涌现出了众多杰出的静物写实画家。

17世纪的法国画家让·巴蒂斯特·西梅翁·夏尔丹创作的著名作品《铜水罐》，通过一丝不苟的细节刻画，塑造了一个朴素的家用储水罐。与同时期的荷兰画派的静物画相比，显得更朴实无华。荷兰的画家热衷于用华丽的笔触来表现物体的光影和表面华美的质感。而夏尔丹在其作品中，深红色的水罐作为主体物，呈现出了沉静、厚重、宁静的生活气息，让人从深沉的色调中，感受到了纯朴的生活气息[2]。

到了19世纪，著名的法国画家保罗·塞尚创作出的静物画《水果篮子》，宣告了艺术史迈入了现代艺术的阶段。这幅画以相对不同角度的视角，以块面化的笔触，对水果和篮子进行了再创作。倾斜的瓶子、篮子，折叠过度的白色桌布，甚至桌布下面的桌子也不在一条水平线上，与右上角摆放整齐的白色盘子和面包形成了强烈的对照，表达了他对传统绘画语言的反思。中国绘画中常讲的大小、均衡、远近等，以及散点透视，即从不同的角度观看和描绘不同的物体，这些美学因素在塞尚那里得到了创造性的运用。历史上的这个时期，在东西方的文化和经济交流中，欧洲艺术产生了根本性的改变。自塞尚之后，表达独特的艺术观念，成为艺术家的首要任务。

二、静物画的构成形式和艺术美

绘画上有两个大的分类：具象和抽象。具象绘画即具体的写实的形象，也就是在表现客观对象时，如实的描绘，达到形象逼真的效果。前文提到了中国传统花鸟工笔画，在形象特征上也很酷似客观对象。而油画，用颜料和色彩的堆积更容易地营造出物象的光泽和质感，更具有视觉冲击力。这里笔者将具体分析不同的画面构成所具有的审美价值。

（一）三角形构图

三角形（包括梯形）构图是最常用的静物画构成形式，具有视觉稳定的优点。大部分的绘画作品多采用这种样式，如前所说的夏尔丹的《铜水罐》就是采用了三角形的构图，让人在稳定的空间中得到一种宁静祥和之感。同时期的荷兰画家威廉·考尔夫所作的静物画《银酒壶、金杯和一碗水果》，也才用了同样的形式感。前文也提到了荷兰的绘画特点，即都比较喜欢营造出的灿烂辉煌的氛围。这是由于荷兰在这个时期国富民强，反映到艺术上，人们更喜欢富丽堂皇的作品，大部分艺术家也乐衷于绘制金银、玻璃等闪光的器物和颜色鲜艳的新鲜水果，给人营造出富裕的生活和内心的满足感。

（二）中心构图

此类型构图变化多端，客观物体多摆放在画面的中心，具有稳定和凝固感。能够使观赏者视线集中，更有效地传达画面的主题思想，也是一种很常用的绘画构图。例如，法国著名的印象派画家莫奈的代表作睡莲系列，就是以圆形的睡莲和湖面风光为主题，表现出了闲适的生活场景和画家宁静美好的内心世界[3]。克劳德·莫奈创作于1880年的油画《苹果和葡萄》，主体静物居于画面中央，作品运用了细小而洒脱奔放的笔触，表达出了光线从桌子前到桌子后的微妙变化，营造出客观景物的美感。印象派一直影响到现在的美术，学校当下的静物写生，首要的就是观察物体在光照下的结构和形体。

（三）直线形构图

直线形构图比较常见，如一排整齐的水果等物。若是两条直线交叉，则会形成交叉线构图，在这种画面构图中，交叉线形成了强烈的视觉冲击力，产生强烈的形式美感。

法国印象派画家爱德华·马奈于1882年创作的《瓶中花》，采用了竖直线形的构图，其色彩浓烈，忽略了很多中间色调，表达出单纯热烈的艺术美感。其他如横线的形式，或者两束花交叉摆放的交叉形构图等都是直线形构图的灵活运用，可以丰富画面的语言，多变又不失简洁。

（四）S形构图

中国南朝宗炳的《画山水序》中有“横墨数尺，体百里之迥”的理论。在固定的画面尺寸里，表现宏大的景象，特别适合S形构图。在静物这样的小型画面中，S形构图也可以产生以小见大的空旷感，具有特别韵律感和优美感，具有强烈的视觉效果。例如，巴勃罗·毕加索在1914年创作的油画《玻璃杯和瓶装麦秆酒》中，以俯瞰的视角，在平面中呈现出了空旷感。毕加索是20世纪伟大的艺术家，他通过吸收当时欧洲流行的艺术形式和思想，又借鉴了来自东方的绘画形式，形成了只属于他一个人的艺术特征，不管是绘画、雕刻、陶艺、设计等，都能让人们一眼就辨认出是毕加索的作品。这种没有风格的风格才是毕加索的闪光点。在这幅作品中，物品错落有致，整体形成了一个微妙的S形曲线，各个物体的造型灵活多变，相互穿插，风格明快，体现了艺术家举重若轻的绘画才能。

（五）其他构图形式

其他形式的构图，也是从以上几种衍变出来的。例如，C形构图，是从圆形构图变化出来的，它同样具有饱满凝重的特点，同时又多了一点活泼感。T形构图则可以说是三角形的变体，三角形去掉两条边就是倒T形，这也是一种经典构图。如果再进行一点恰当的改变，就能变成L形的构图样式。把它们应用到静物画中，或者运用到风景画、人物画中，都能够充分地表达出画家的意图。例如，著名画家亨利·马蒂斯在1943年创作的作品《有柠檬的静物》采用倒T形构图。这幅静物画，用简练的线条，率意的造型和鲜艳的色彩，营造出了一幅和谐的意境。20世纪初的法国绘画受到东方绘画的影响，不少艺术家的作品呈现出强烈的平面感和装饰性。诸多艺术流派的风格都比较简约，抽象主义、野兽派以及现代艺术、后现代艺术的艺术思想，都以表现内心世界和思想观念为主，而忽略现实对象的具体细节和质感。早在中国北宋时期，苏东坡就曾经说出著名的艺术观点：论画以形似，见与儿童邻。即评论绘画如果用像不像所画的物体来作为标准，那么就你的见识就像没读过书的小孩一样幼稚了。这个观点直到塞尚之后已开始逐渐被欧洲人所接受。

结 语

客观整体地看待艺术史，原始社会时期的洞窟壁画，那种单线条的造型是简洁的；到了封建社会时期，艺术又崇拜权力的威严，同时不可避免地追求繁文缛节和神秘的装饰；及至近代思想解放之后，艺术又开始回归人类最初的那种单纯自然的形式。在绘画史书上，大部分令人感动的艺术作品，无不都是能跳出画面语言形式而直指人的内心。

静物画是以生活来表现生活，艺术家通过观察生活，把自我的感受通过作品传达给观众。作为学校的美术教师，传播艺术之美是伟大的工作，同时在笔者教学的过程中，自己也不断地感受到美。教与学从来都是相生相长的。