古典主义时期室内乐大提琴演奏技法的进程探究

2020-12-07张华

北方音乐 2020年14期

张华

（大同大学，山西大同 037000）

受启蒙思想的影响，18世纪涌现出一批又一批的音乐家，这一时期的音乐家受古典主义与浪漫主义的熏陶，影响着当时人民的思想及审美。以古典主义为代表的大提琴，多数是在室内进行演奏，这也是室内乐发展绽放的时期。通过室内演奏将大提琴音色饱满，极强感染力的状态为阶级层展现出来。

一、古典主义音乐特征

古典主义时期的音乐逐渐由宫殿走向平常百姓之中，为雅俗共赏的一种音乐曲风，可以反映出当时社会生活的一种状态。这一时期，音乐存在于社会的每个角落，更抚慰了人们的内心世界[1]。受时代及文化潮流的影响，音乐家从教会及宫殿音乐中走出来，转变创作的方式，向着更加创新的方式进行。受启蒙思想的影响，作家希望自身创作的乐曲为更多大众所理解，反映出当时人民的思想状态及鉴赏音乐的一种方式。而这一时期的音乐作品也与之前的音乐内容有所区别，整体乐感更加强烈，以符合逻辑、明朗、轻快、对称的方式著称。这与当时社会人民追求形式美有着极大关系，音乐家似乎用音乐描绘生活，将身边的发生的故事用音乐去表述。

古典主义时期，大提琴本就属于音色醇厚、为世人喜欢的一种独奏乐器，它音域宽，可以将音乐表现得更加优美生动，也可以作为任何音乐的基础，通过创造将音乐表现得更加丰富，演奏出绝妙的内容[2]。然而，大提琴演奏却具有一定的难度，需要具备良好的演奏技巧，才能将大提琴的绝妙音色凸显出来。大提琴的音色是由“弓”来决定的，握弓的方式、运弓的方法都影响着大提琴的发音，演奏者若要将自身的音乐表现得更加完美，就需要正确使用“弓”处理好大提琴的演奏。

二、“弓”对于大提琴音色的影响

大提琴整体的音色展现，需要演奏者具备过硬的技巧方能呈现出来。对于演奏者而言，大提琴不能彰显出其音色，那么这一重要特征，则大提琴也没有存在的必要了。所以，音色的展现便是演奏者学习大提琴时的必修课。在演奏过程中，通过对“弓”的掌控，完成演奏的前提[3]。握弓时，要轻松自然，而不是刻意用力，将拇指的第一关节微曲，放在马尾箱下，再将其他四个手指以第一关节与第二关节自然微曲的方式搭在“弓杆”上，其中，中指与拇指的位置取相对应的地方放置。在演奏大提琴的过程中，正确握弓是演奏的关键，不同琴型握弓的手法也各不相同，特别是大提琴，需要将手形成一个空心的拱形，才能完成后期的演奏，将音色充分地展现出来。

除了手法的要求外，正确的力量也是必要的。演奏时，握弓的力度不宜过大，可以适当保持手指的放松，这样才能将力量释放得游刃有余。而太过于放松的力量，也不可以，这样无法充分释放力量，难以展现全部的音色状态，所以在握弓时需要张弛有度，有松有紧。还有个诀窍：通过调整手肘的高度调整手臂与弓之间的关系，从而演奏出更加美妙的音色[4]。

三、古典主义时期右手演奏大提琴技法的转变

（一）爆发力的改变

在古典主义时期，演奏技法逐步改良，其贡献者非贝多芬莫属。在众多人眼重，贝多芬是钢琴演奏家，但殊不知，他对于弦乐器的造诣极高的，然而这一点并不为人所重视，所以忽略掉了。早期贝多芬的作品是以浪漫为主，其演奏的内容多为以运弓为主的曲目，在后期的创作演奏过程中，贝多芬改良了运弓的手法，运用独特的创作方式，将更具爆发力技法展示出来。通过观察演奏乐谱，将乐谱中需要大量力度进行演奏的地方标记出来，再用不同的记号标识出提前、集中发力的内容[5]。

首先是sf、sfp、fp等表现力度标志的产生，运用持续爆发的方式，将其表现力置换成ff-sf-fp sf-p-sf-p-pp、ff-pp、p-fp，这种集中爆发的方式，将音乐展现得更加灵活。通过提前意识到集中爆发的内容，接触琴弦时进行集中发力，再运用右臂运弓，连续下半弓的音头重音，将有关的音符演绎得更加饱满、更具有张力。通过一系列的听觉反差，将一些运弓的形式转变为不规则的停顿及弱拍重音，将乐曲衔接得更加跌宕起伏。适时的使用和控制弓段与弓速，将长曲中的渐进和突进衔接得更加到位，既反映了演奏者演奏时的内心世界，从而又增添了创意在其中。在演奏时，同样需要演奏者运用右手的演奏，控制好弓速、弓段、弓压等，通过右臂和右手持弓，松弛拿捏力道，反复斟酌乐谱，使演奏方法更具多元化。室内乐规模普遍是较小的，多以独奏或小型乐器的合奏为主，多为贵族演奏。基于是为贵族演奏，即使规模小，但演奏的地方多是装修豪华的室内，距离观众很近大厅之中，此时的演奏者应当将自己最佳的状态，在演奏中展示出来，给予观众最佳的视听效果。特别是在操控右手演奏时，需要保持肢体的放松，才能以饱满的状态展示出绝佳的音色。

（二）演奏节奏更加严谨

在演奏乐曲时需要把控好节奏，从而使整体的表演更加成功。古典主义时期，大提琴运用右手演奏的方式突出的是音符的变化与衔接。而音符的变化同时更带来片隐性的障碍，就是将演奏难度变大。所以，为克服这一问题，演奏者需要清晰地记忆乐谱中的每一个音符，从而精准地把控乐谱，通过控制右手演奏将乐谱中的内容控制得更好。为此，演奏者在练习乐谱时，需要不断提升自身的演奏技法，通过右手将更加精准的力道展示出来。每一次弓压弓段时，都要做好力道的分配工作，若出现力道分配不均，将会对整体的音效带去负面影响。特别是室内乐中，大提琴独奏每一个不和谐的音符将在室内无限放大，既影响音乐呈现的效果，更影响听众的心情。所以，在大提琴独奏过程中需要注重指法的运用，提升音乐呈现的美妙之感。在古典主义时期，需要将整体的演奏节奏控制得更加严谨，才能完成该时段的大提琴演奏。

四、古典主义时期左手演奏大提琴技法的转变

（一）指法发生改变

在大提琴演奏过程中，左手的技艺难度更为突出。在古典主义前期，大提琴演奏通常是利用同一个手指不断在琴弦上移动，运用手指的把位以不超过第四把位的走位方式，完成横跨方式的演绎。在古典主义时期，随着曲风、流派的改进，演奏指法也发生了变化。当音程发生变化时，通常会运用大三度的方式通过两指完成演奏。但在演奏过程中会将把位的幅度降低，通过变更指位完成该乐谱的演奏。

（二）音域跨度降低

多数演奏者在演奏乐谱时，多以还原的方式将作品展示出来。还有一部分演奏者愿意对乐曲进行改良，以更符合自身演绎习惯，将曲谱以更加优美婉转的方式展现出来，同时还要避免出现空弦的状况。如贝多芬的奏鸣曲，多数演奏者会在演奏前调整整体的力度，以对比的方式进行乐曲的呈现。以快慢相结合的方式对内容进行演绎，在指法操作时，需要将低把位的音符以相同音的方式呈现高把位，再用不同的速度揉弦，快慢力道相互结合，从而将大提琴的演奏展现得淋漓尽致，彰显出大提琴的独特艺术魅力。当然，这样的演奏方式也会降低其音域的跨度，存在一定的局限性。

（三）提升装饰音出现的频率

在古典主义前期，虽已出现装饰音的演奏技法，但在此过程中，由于与回转音的演绎方式相似，不能占用有效的节奏时值，所以运用并不广泛。进入古典主义时期，一些音乐演奏家在创作受限的状态下，通过运用探索把位的方式，对其演奏内容作出创新。通过改变左手拇指位置，以从下至上的方式进行转移，拇指可以充当移动抚琴的作用，将手指间的距离调整至8度。通过这样的方式，装饰音虽未得到改进，但手指位置却在此过程中得到改进。当手指可以承受巨大的压力时，手指上也会长出厚厚的茧，这时就不会感觉疼，还能使手指运用得更加灵活。小指在拇指把位的演奏技巧引起争议，很多演奏家认为这是虐待小指，但就客观演奏而言，适当使用小指是很有必要的。由于演奏者的小指细长，是方便演奏的。可以将拇指作为琴枕上的任意指板，做好固定把位，并在任一音域中，都可以运用左手，通过拇指把位，以水平方式拨弄其他琴弦，演奏更多的音符。而这样的演奏方式对演奏者的意志力也是一种挑战，他们需要不断强化自身的承受能力，才能运用相同的音符演奏出更美妙的乐曲。同时，演奏者还要放弃惯用的技巧方式，调整手指跨度，完成该音乐的演奏。