探析色彩在中国画创作中的重要性

王晓聪

首都师范大学美术学院，福建 福州 350001

一、色彩在中国画创作中的重要性综述

首先，纵观中国画的发展史及其各个时期的代表作品，可见中国画往往较为注重画面墨色的主观性和创造性、审美价值与文化价值，以及可否给人以不同的审美愉悦。色彩是任何一种绘画种类中最重要的因素，画家可以通过色彩来表达他们丰富的情感世界，色彩能够成为传达信息的工具，这种独特的工具将创作者的抽象思维转为具象，使之成为无声的语言，传达着艺术家的内在心声，对透显创作者的创作思维与创作理念起到了直接又不可忽视的影响；且色彩对艺术作品的最终风格特征与情感气息的塑造及画面张力的形成具有重要作用，对于传统的中国画过于强调线条和水墨的运用，而忽略了色彩，这必然会使画面在情感的表达上、在信息的传达及创作理念的发散上存在欠缺，即过于强调线条和水墨运用的传统中国画不能通过色彩提升画面情感、烘托画面气氛、增强画面张力与表现力。这点在宗炳所著的、在中国绘画理论中举足轻重的《画山水序》中也可以发现，如在“以形写神”、“以色貌色”等理论性表述中，其均强调色彩在写型、摹物等方面的重要性，均强调色彩对画风、画感、画意的表达，均强调色与墨的统一和糅合。在史学类文学作品《旧唐书》中，其记载：“思训尤善丹青”，可见，“丹青墨色”、“丹青山水”之风格独特，且逐渐受到重视与喜爱，不仅如此，国人对色彩的重视不仅在绘画领域可以查证，且在诗书这一范围内也可发现，如在诗歌领域，唐代杜甫的《绝句二首》：“鸟愈白，山青花欲燃”，由此也可看出古代诗人对色彩的重视，其用笔“简洁而浓厚”“言婉意深”[1]。

其次，色彩是任何绘画中流动的生命，其可塑就或厚重、或软弱、或温暖、或质朴、或平静、或粗狂、或精致、或温和、或高雅、或寂静的画面内质。同时，其也是最直接的与观众产生情感共鸣的途径，其将极大的影响着受众对画面形、色、神的特殊感受。这之于中国现代水墨也具有重要的指导意义，由上述可见，色彩与水墨的博弈与变化与社会环境紧密相连，当前，我国社会正以多元化、多极化的发展趋势前进，现当代水墨画发展的形式亦愈加多样，同时，现代人审美要求的迅速变化促使当代中国画家对中国画色彩的表现进行研究，这也使得我们对色彩的理解需求新、求变，不能仅停留在唐宋对色彩理论的认知阶段，其要求我们基于现当代文化与审美需求，不断整合多元化的色彩理论，并基于现实需要，不断发展实用性的色彩技法，使中国画的色彩理论表现出鲜明的时代气息，这样，受众看到的就是能与其产生互动的、能与其发生交流与共鸣的艺术成分；这样，当观众面对国画艺术作品、在寻找"作品中的情感"之时，其才能直接把握住作品中流露与显现、直接投射与彰显的艺术情感，且这种"作品中的情感"很大程度上由国画画家所造就的色彩环境传达给观众的。

再次，色彩是绘画的主要因素之一。它是视觉、感知、联想、情感、想象等心理功能的综合，色彩的感觉是所有这些的基础。在绘画上，只使用黑白和虚线，只注重笔触的韵律、抑扬顿挫、轻重缓急或底子等材料的粗糙、圆润、凹凸、高低，而忽略了色彩，这必然会削弱情感的传递、削弱特定氛围的表达、削弱画家心理状态的再现，色彩在再现自然美的同时，也是一种表达情感、渲染氛围的手段。如果色彩运用得当，可以激发观者对作品的独特联想，产生更强烈的感受。

二、色彩在中国画唐宋创作时期的重要性转变

色彩在中国几千年灿烂的艺术中经历了跌宕起伏。在唐代中期之前，色彩在中国各行业被艺术家广泛使用。无论是新石器时代的彩陶，还是从秦始皇到汉代墓室壁画的彩陶俑，还是敦煌壁画中色彩浓厚的壁画，都能反映出中华民族对色彩的偏好。

中国画的色彩有其独立性。色彩运用的好坏对作品的主题内容和艺术效果有着非常重要的影响，其亦是艺术创作者深刻的情感、敏锐的洞察力、神奇的想象力、高超的表现技巧的外化；有人说：“以水墨作为中国画的主色并不重要”。这个句子只对了一半，中国画确实是以水墨为主要色彩的，用水墨画出“素雅”、“淡雅”亦是较为简易的，因此，中国画对色彩的使用更加谨慎和细腻，南朝齐梁时期画家谢赫在《古画品录》中就提出“随类赋彩”（“随类，赋彩是也”）的理论，即将画中物象分门别类，因类设色；古代画家要求用色到浑化的程度，即将色彩与负担基本造型任务的笔墨融合在一起，达到墨中有色，色中有墨，墨色不浮、不滞的效果。

唐宋以前，色彩在中国绘画史上发展得非常顺利。它的演变也经历了从简单的使用到复杂丰富的色彩使用之转变，经历了从无意识的使用到有意识的使用之转变，也经历了从无序到有序之转变。直到魏晋南北朝时期，中国绘画色彩的基本风格和形式才初步确立。唐朝的色彩绚丽多彩，色彩的领域也覆盖了人，风景，花鸟，且民间工艺中色彩的使用也非常广泛。而到了唐中后期，吴道子、王维、李真、赵公祐等官方画家开始通过自己的作品来阐释水墨的意境、挥毫的淋漓。唐代感官上的繁华绚丽逐渐被宋元意境淡远的风格代替，开启了墨分五色的时代影响至今。

至此，水墨画走上了中国绘画史的历史舞台，“水墨至上”的言论伴随着中国绘画，“墨分五色”逐渐代替了“随类赋彩”，用调节墨色的浓淡干湿代替了因类设色，“墨分五色”的理论直到今天仍有影响，而色彩在这条路上渐行渐远，走到了中国传统绘画的边缘，曾在中国画中占举足轻重地位的色彩也日渐衰微。直到20世纪初，一些画家才逐渐重视色彩的重要性。历任国立北平艺术专科学校校长的林风眠先生首先开始时间，虽然他主持了三次西化艺术运动，三次失败，但他为后来的西化艺术运动提供了宝贵的经验。

三、现代中国画中色彩的运用观念及其作用

中国画的色彩与中国画的创作有着密切的关系，因为色彩的运用是中国画不可分割的一部分。现代中国画的创新发展不光要继承，更应适应"现代"。在我们的传统文化中，对已有的形式、对既有的风貌，根据中国人的习惯认识与体认，不会当“残余”、“糟粕”来对待，但其注目的重点已经从过去转向现代、已从传统发展至未来，这不能不说是个长足进步。最突出的是中国画的用色从"随类赋彩"中走出来，体现出色彩的独立构建价值。这是中国画走向现代的信号。在未来的中国画中，色彩有可能摆脱心理的制约，以一种理性化、数学、图案或潜意识的纯粹建构因素表现出来。这样的一种形式是否还被称为中国画，我们不得而知，至少它可以表明，这种色彩应用的趋势是不可掩盖的。

现代中国画色彩运用的另一个趋势是观念意识的增强。将这一现象应用到西方色彩学知识中并不是一个个体现象，例如，亦我国当代著名书画艺术家高冠华先生为例，在高冠华先生的《荷香远熏人》中，画面的下半部分是冷的，后面的石头和画面的上半部分是暖的。中国画中的冷暖往往被夸大了。色彩的使用可能在技术上不突出，但色彩的概念已经改变[2]。

四、色彩在当代中国彩墨画中的重要作用

在一定历史时期，中国画以"水墨为上"为绘画指导思想，在其影响下，中国画在色彩上的运用与表现一直尊从与从属地位，色彩的表现力没有得到发掘，其作用亦没有得到重视，但古代国内外的壁画，如法国的拉斯科洞窟、敦煌壁画等，其对色彩的极大热情和宣传与实践，毅然的给了我们很多对传统艺术现代化、传统艺术再生这方面的启示和思考。这继而也指出，创作是艺术的灵魂、亦是国画现代化、当代化的利器，我们需要创造性的、阐发性的提出解决这个问题的办法与措施，这是继承和发展中国画事业的一项实践性议题。

目前，中国当代水墨画的发展还处于起步阶段，因为长期以来"水墨为上"的思想、及水墨画的主导地位已经根深蒂固。无论是从绘画材料还是绘画意识上，都没有深刻的变化。中国彩色水墨画的发展存在着许多障碍。但色彩作为国画的语言形式之一，具有独特的视觉效果和审美价值。在画面中，不同的色彩形式总是给人不同的视觉感受，艺术家在不同的艺术图像处理中需要运用不同的色彩结构来实现自己的艺术主张。通过色彩，艺术家可以更好地表达自己的思想和情感，增强国画的感染力和表现力。因此，画家在国画创作中应根据画面的具体需要，创造出适合自己表达意图的色彩形式，这样才能事半功倍，才能合理有效地运用色彩形式来传达国画画面的情感和意义[3]。

五、结语

在中国画不断发展和演变的过程中，色彩的概念由丰富到简单，由淡到艳，这不仅是历史的必然选择，也是中国画发展和创新的必经之路。其植根于广泛的民族文化精神，继承和发展传统的色彩表现形式，只有在这个前提下当代中国画色彩表达才可以实现领域的扩张，才可使画面产生丰富的层次，使之富有跳跃感与明快的节奏及秩序、空气感及更有色彩感，才能建立一个更具有现代性的色彩形式语言，并建立一个可以反映出文化精神，国家和时代特征的颜色语言系统。