舞蹈“限制”技法

侯倩

【摘 要】自古以来，艺术天才一直都是“戴着镣铐跳舞的人”，“放浪”只能是庸人的演练场，“限制”，才是天才的磨刀石，是创作最大的“自由”。本文以舞蹈中“限制”技法为切入点，分析“限制”在舞蹈创作中的呈现方式有哪些，探究“限制”带给编创人员的是“难题”还是“突破”，戴着镣铐为何还能舞出自由。

【关键词】编舞技法;限制;编创;自由

中图分类号：J7 文献标志码：A              文章编号：1007-0125（2020）25-0110-02

一、“限制”的解读

“限制”的定义，最为简单的理解就是用于一定范围、数量的“限制”，不允许超出这个限定范围，可称为范围约束，也可引申为明确坚守。舞蹈编创里的“限制”技法在创作层面上都可体现，既可以对舞蹈题材、主题、空间范围、舞蹈语言、音乐风格进行限制，也可以对具体的动作幅度、路线调度、空间上的点线面进行限制。

“限制”手法在音乐、绘画、电影上都有作为。如电影《布达佩斯大饭店》，该影片导演个人特色极其鲜明，也正是因为其有着独特的构图风格和偏爱饱和色彩的限制，以及运用了传统电影所禁止的非常规拍摄手段，才有了他独有的“影片风格”和“导演个性”，从此得以唤醒沉睡不醒的电影艺术界。这恰恰也反映在舞蹈编创上，如果所有的编创者都趋向大流在固有认知的创作上“沉迷不拔”，没有“排他”和“叛我”的信念，致使作品千篇一律，舞蹈事业也不会蓬勃发展。正如著名编导张继钢说的“没有限制就没有独特，没有独特就没有风格，没有风格就没有经典。”所以，“限制”才是天才的磨刀石。

二、“限制”在舞蹈创作中的主要呈现方式

（一）定点空间“限制”

编舞技法“限制”对于空间限制的“空间”概念拟定在点、线、面上，即在被动限制的空间下进行主动限制，呈现方式为舞蹈空间点、线、面的变化，即舞蹈调度，最通俗的理解就是舞台上编导能玩出什么队形花样。对于点、线、面来说本身并不存在某种情感的因素，它是随着人的视觉习惯、主观精神以及心理变化而得到不同的理解和感受的。将不同的情感融入到舞蹈作品中，使得流动的图形有了情感色彩的意味，富有生命力。这就是内容与形式的统一，形式上的美感充当媒介，赋予内容以生命，以此外化成作品的情感表达。

点线面之间可彼此独立，也可相互转化。通过舞蹈语汇的高中低空变化、节奏拆分与快慢对比、顺势的流动来进行点线面的相互转化，转化的过程就是在有限的空间里表达创作者无限的创意。值得注意的是，现在有许多编导在实际编创过程中存在为了变化就去调度的通病，没有起承转合，拿来就用，想变就变，易导致作品的形式主义，要避免形式主义，关键在于是否能守住“一个点”“一条线”“一个面”，点线面之间是否能融会贯通，只有把握作品本身的情感方向来贴合主题，才会出现有效又出其不意的调度。

（二）动作“限制”

从观众的视角来看，他们会在动态的画面进行选择，会从整个画面中进行取舍，审美的焦点难以产生。如何能使观众直观感受到编导想要展现的画面呢？就编舞技法“限制”而言，编导往往更容易回到原点，这个原点就是动作本体，回到动作本体的表现手段恰恰迎合了观众的聚焦点，也可以让观众细致品味这个“点”;“肢体”既然作为舞蹈最根本的媒介展现，那“肢体”的表达又该怎样达到肢体本身的极限呢？它可能是肢体的某一个部分，比如手、脚，也可能是头，或许是身体的各个关节，甚至是某个眼神;动作是否可以重复利用，在不同语境限制下重复利用的动作元素又表达着怎样的情感？这一系列的思考，值得我们去摸索和挖掘，这也恰恰要求编导必须在约束的条件下进行动作创新，打破常规的视觉感受，把关注点落到身体细枝末节的开发上来，主动设定“限制”这个看似阻碍实则推动创新的“绊脚石”，正因为有了相对的制约，舞蹈的本体，才可能在舞台上站住脚。

（三）流动中的“限制”

“流动”中的限制，也是对点、线、面的另一种表达途径，其呈现方式就是改变原有的调度，既在有限空间的范围内，也在点线面相互转化中进行队形或者动作的限制，是对空间和调度进行“双重约束”。如果说在创作中运用调度形成了有情感意味的各类图形，那流动中的“限制”即是对原构图中画面的重构。流动中“限制”本身是编导主动设定的约束条件，也是相对的，可以通过各种创作手法来表现，并非完全禁锢。

三、带着“限制”，舞出自由

戴着镣铐的自由，是枷锁还是自由，定会有人不解，明明都有了特定的限制，为什么还会有自由。限制看似是一种“枷锁”，给编导套上“镣铐”，束缚其创作过程。但是对于艺术创作来讲，限制应是一种犹如火山喷发的力量，能够给人自觉、清醒以及主动寻求的力量。

（一）限制——身体极致开发的自由

就笔者而言，在编创作品时，总想用尽毕生所学把所知队形、调度流动和复杂变化的技法進行杂糅，都派上用场之后才能呈现一个完整的作品，仿佛只有用不断飞舞的点、线、面铺满空间，作品才会有震撼的效果，未曾思考过限制其空间流动以及动作的变化，总认为一个队形一串动作后也该到变化的时候了，如果单一队形停留时间过长，编导的大脑就会出现交待过多、情节繁琐冗长，显得拖沓的信号，也会可惜许多技法未曾运用到编创中。这是大部分编导的通病，“一言不合”就急于变化，认为“限制”会妨碍自己展现编创的多样性，限制自己的思维和动作。这也反映了编导的视线一直关注的是一个作品运用的种种技法，以及五花八门的路线调度，忽视了对作为母体“身体”的开发。

舞蹈是肢体的艺术，肢体作为舞蹈本身的载体，对其关注是重中之重的事情，关于身体的利用，“限制”带给编导的并不是“枷锁”，而是自由和无限开发，通过限制可以将身体的上肢下肢分解甚至落实到某一关节节点，挖掘肢体动作的更多可能性，将身体开发到极致，使编导挣脱束缚从而获得无限的自由。在编创过程中即便受到一定条件的“限制”，也不一定阻碍舞蹈表演，反而会让人心无旁骛，把想要表达突出的点无限放大，提高表演质量，凸显情感的表达。