浅析戏曲表演的特征和戏曲音乐的作用

张峰

【摘 要】在我国的戏曲舞台上，戏曲表演和戏曲音乐是构成一部作品的两個重要支柱，本文分别浅析戏曲舞台上的表演和音乐。

【关键词】表演;戏曲音乐;职能;关系

中图分类号：J8   文献标志码：A              文章编号：1007-0125（2020）21-0029-02

一、戏曲表演

（一）概念分析

表演，指演奏乐曲、上演剧本、朗诵诗词等直接或者借助技术设备以声音、表情、动作公开再现作品。还有一些舞台艺术之外的，如各行各业的专业技术师傅给徒弟、学生们展现的一些示范动作，也叫表演。本文主要论述戏剧舞台上的表演。

所谓“表”，就是我们说的表面，也就是演员、演奏员通过动作和声音带给观众一种直观感受。

听觉：就是台前和幕后的“念”和“唱”，要让观众清晰听到。

视觉：就是演员在舞台上所有的表演动作和肢体语言传达给观众的一种信息。一招一式、一个眼神都要表达准确，符合剧情需要。

所谓“演”，就是表现剧中人物内在情感。一个好的演员是非常重视“演”的，“演”能带动观众去想象，更能带动观众的思想情绪。

（二）艺术形式及特征

1.程式化。中国戏曲来源于生活而高于生活，程式化很明显，也很严谨，它不同于其他艺术形式。但它们有一个共同的特点，就是在演出中要把各个细节和剧本人物要表达的思想在舞台上展示给观众，塑造一个个鲜活的艺术形象，传达人物情感，从而表现生活，所以说没有程式就没有戏曲的表演艺术。

2.地域性强。中国戏曲表演早在唐宋时期就已经出现，经过后期的不断发展，受地域文化的影响，逐渐形成了不同风格、流派、声腔的各种戏曲形式，中国戏曲表演手法是珍贵的艺术，是我国众多文化的重要表现形式。

3.技巧性强。我国戏曲舞台上，各个行当都有它独特的表演技巧，我们所说的“四功五法”就是我国戏曲舞台上独有的表演技法。

4.独特的音乐体制。中国戏曲音乐体制比较独特，它分为三大类，即曲牌体、板腔体、混合体，它不同于歌剧等其他艺术形式。另外它的发声方法很贴近生活，也很容易传唱。

5.音乐化。戏曲中的道白介于“唱”和“说”之间，但更倾向于“唱”，舞台上的身段、武打都能使之音乐化，形象舞蹈化，让观众享受美感。

6.虚拟性。虚拟性是戏曲反映生活的基本手法，是演员用一种虚拟的方式来表现现实环境或对象， “三五人千军万马，四五步走遍天涯”，说的就是这个道理。

7.综合性。我国戏曲是一种高度综合的民族艺术，它融合了各个艺术门类，具有精湛深厚的表演特点。

（三）要求

戏曲演员不仅要有良好的思想品德和较高的文化素养，还要有扎实的表演基本功，能够在舞台上塑造鲜明的人物形象。一名优秀的戏曲演员，必然会对角色的形象和性格进行完美塑造和刻画。

第一，要了解剧种的各种板式和声腔特点。作为一名戏曲演员，要将剧本内容、人物形象展现给观众，不能一味照搬其他人的表演和演唱模式。

第二，要识谱。让演员识谱并不是为了减轻老师的教唱负担，而是让演员从谱面上找到剧种的特色和行腔技巧。

第三，要有充分的想象力、理解力、表现力，要有激情和应变能力。

第四，在戏曲舞台上，不能为表演而表演，一味展示自己的舞台技艺，而是要紧贴剧情，将剧情内容展现给观众。

第五，表演要讲究，不能将就。演员表演要认真，要对得起观众，哪怕台下只有一位观众，也要认真对待，用心表演，常香玉大师说的“戏比天大”，就是如此。

第六，不能忘本。作为地方剧种，不能盲目向大剧种看齐，不然就不叫地方戏了，要保留地方剧种的特点，特别是方言，要牢记“没有方言就没有地方戏曲”。

第七，要了解什么是舞台三部曲。即上场做什么？为什么这么做？我是怎样做的？

第八，要创角色，不要学角色。好的演员不是“学”出来的，是“悟”出来的，所以初学者在学习的过程中要用心去悟戏。

第九，学习理论知识。初学者要掌握大量的戏曲理论和文化知识，不懂得理论，缺乏文学知识，理解不了词意，是演不好戏的。

第十，向老艺人学习。很多老艺术家在每次上场的时候都会提前拿好本场需要的道具，穿戴整齐，酝酿情绪，提前进入角色，而不是慌慌张张地上场，不是忘词就是忘拿道具，衣帽不整，更不用说进入表演状态了。

第十一，要学会分析角色。要想演好一个角色，就要从以下几个方面入手：分析角色的经历;分析角角之间的社会关系;分析角色在剧中的地位和作用;分析角色的行为方式;分析角色的态度;分析角色的感情表达方式;分析角色的外形;了解剧中的时代背景;了解剧中的风土人情、方言等。

所以演员不能张口就唱，都是要有铺垫的，如乐队铺垫、气氛铺垫、自身情绪铺垫、语言铺垫、舞台效果的铺垫等。

二、戏曲音乐

我国戏曲舞台上的音乐大致可分为唱腔音乐、场景音乐、叙事音乐和串场音乐四大类（不再赘述）。

常言说“牡丹花好，尚要有绿叶的衬托。”一部艺术作品，要想能打动观众，就需要演员以情感人，通过声音塑造人物，表达和抒发人物的内在情感，在此过程中，乐队的伴奏水平能不能紧贴演员的情绪，对增强舞台艺术效果起到十分重要的作用。“伴奏”就要突出一个“伴”字，不要喧宾夺主，伴奏员的作用就是烘托舞台气氛，带动演员和观众进入某一特定的场景中，在演员下场时衔接好场次，还要给演员定调。

每一部戏的引子和前奏必先声夺人，曲中的节奏过门则是加深情绪的感染力或表达情绪的转折、速度的转折，同时也使演员得到一定的休息，曲尾则是整部戏的高潮，要带给观众余味无穷的效果。现在有很多优秀的演员都会挑选自己喜欢的主弦来为自己伴奏，因为能为他们量身打造唱腔，从而发挥其特长。

三、戏曲音乐和演员的关系

音乐是一部戏曲作品的灵魂。一部作品的成功，离不开乐队和演员的共同表演。乐队和演员有着密切不可分的关系，它们是相互依赖、相互促进、协同发展的关系，演员表演风格的形成离不开乐队，特别是音乐唱腔设计和主弦（主奏乐器），同时也带动了主奏乐器演奏风格的形成。

一个优秀的伴奏员必须了解什么是“三主”，即主旋律、主弦、主唱，只有围绕这个“三主”来伴奏，分清主次，才能凸显作品的音乐特色和内容特点。另外，伴奏员还要牢记四个字——引、托、送、补。

引，即引领，就是在乐队演奏前或演员演唱前的引领，这个很重要，它起到定调、定弦、定曲、定速、定腔的作用，使演员在后面的演唱中不会跑调，或者掉板、唱错板式等。

托，就是在演员演唱时，根据演唱的旋律进行托腔，主要起辅助作用，但力度不能超过唱腔。

送，主要是乐队烘托演员的唱腔，当演员唱到激昂处或放声长叹时，需要乐队用乐器来帮他们达到一定的艺术效果，以此来感染演员和观众。

补，即填补空缺，主要就是在演唱的字与字、句与句之间给予补充，以此来渲染气氛，让演员有个休息的机会，同时也让观众有个讨论、评价的时间，其实这也是我们平时所说的“补过门”，也叫“顺声腔”“学舌”等。

总之，乐队与演员的关系应该建立在相互学习、相互尊重、取长补短、共同提高的基础上。担任着戏曲音乐部分的伴奏员不能抬手就拉、吹、打，要带动演员快速进入剧情，多学习理论知识，提高伴奏水平和艺术修养。要知道，乐队就是连接观众与演员的纽带，也是增强戏曲演奏整体效果和艺术魅力的主要保障。