舞剧中灯光的语汇与延伸——以《永不消逝的电波》、《天路》为例

任冬生

（北京舞蹈学院青年舞蹈团，北京100089）

1 舞剧《永不消失的电波》

舞剧《永不消失的电波》剧本提供的是家喻户晓的谍战英雄李白长期从事秘密电台联络工作的故事。电影《永不消逝的电波》影响着几代人，英雄的事迹人尽皆知。把它打造成无言的舞剧，难度之大，可想而知。

接受了剧本，就需要理解当年生活。为了体验和选取时代感，凌晨笔者漫步在黄浦江畔的上海滩，体会和寻觅。江边的晨曦，阴凉，夹杂着细雨；近旁的街道、雨巷、石库门，在朦胧中渐显；市民也开始了一天的忙碌；石库门的菜市场呈现了各色各样的人物，为了生活他们细细地各取所需，一棵小葱、一片用马莲绑定的鱼身，娓娓细语，上海人的生活极为细致，阁楼局促，也要打理得干干净净……一刹那，笔者获取了创作灵感，生活气息扑面而来。朦胧，是一种模糊，高楼造成的阴影掩饰着一切；一道道狭窄的光束，使人群若明若暗；蒙蒙的细雨，朦胧中的高楼，时而彰显的光亮，活动着的市井人群……光和影就是笔者要寻找的视觉语言，光是生命，影是暂时的隐藏。朦胧的环境可以造成不安定的感受。

这是近年来少有的以红色谍战为题材的舞剧作品，通过舞剧诠释这样一个深入人心且情节复杂的故事，在兼顾舞蹈性的同时，还要准确地表现戏剧情节，升华情感，对灯光设计而言确实具有不小的挑战性，以下为本剧中灯光创作的几个重点及特点。

1.1 光位

舞蹈表演传递的信息量是巨大的，结合多变的舞美空间，光位的特殊性、唯一性显得尤为重要，这也是该剧灯光创作的基础。本剧光位旨在以特定的出光角度及质感渲染某个舞段，使灯光语汇更有针对性，手段更丰富，画面节奏更有层次，甚至可以避免因相似、重复的舞台样式带给观众的干扰和审美疲劳。如：序幕时，在群舞手持雨伞穿梭的段落中，就使用了一组LED光源的成像灯作为高位流动，通过成像灯切片造型的功能，只将演员的上半身及手中的雨伞勾勒出来，形成了一道蓝色的“线”，在强烈的形式感下，寓意着旧上海解放前夕的阴霾气氛，见图1。再如：一幕中，主人公李侠和兰芬在家中的一段戏剧双人舞，为这个场景专门设定的一组顶光螺纹聚光灯，配以雷登85B色纸，还原了一种温暖的室内感，在以电脑灯为主的舞台当下，一些特定的光位，也许会给舞台营造更多的可能性和细腻的情感表达。

图1利用LED光源形成“线”的感觉

图2李白看到报纸上的血腥镇压，内心极其悲愤，运用白红两色的拼色效果，加强舞台气氛

1.2 光影

无论大小，舞台始终是一个固化的物理空间，因此为了打破平铺直射的呆板，延展这种有限的空间，让人产生遐想甚至错觉，在该剧中，大量地使用了光影这种灯光效果。依托舞美26条轨道条屏景片的不断移动，组合出丰富的空间变换，灯光穿梭其中；利用大角度的高位侧光投射，在地面及空中形成了生动的影子，强化了这种假定性，它可以解读成洒满阳光的街道，可以是阳光斜射到建筑上在地面形成的倒影，也可以是老弄堂里一个慵懒的清晨；再如，李侠在战友老方牺牲后，前往旗袍店寻找遗留下来的情报时，有窗外投射进室内的窗影，角光投射在镜子上的光影，流动灯投射在特务身上的人影，相互叠加，构成了灵动的表演空间，有力地辅助了戏剧情节的需要。

1.3 光色

关于光色的使用，也是有章法可循的，原则是让其有清晰的指向性。全剧大部分场景使用简约纯粹的光色，但在第一次正面人物牺牲时，首次使用了局部强烈的红色，并且在之后相似的牺牲段落中重复使用，强化了光色在剧中的语汇，观众在后面的剧情中，甚至可以通过红色的出现，判断出某个人物的牺牲。见图2。

特定的灯光的语汇，其实无论是光位、光影、光色等等，都是为最终准确统一的灯光语汇服务的，它集中体现了设计师对剧目的理解，对灯光整体风格的把握。剧中以光传情、以光倾诉的点有很多。光色藉已传情达意，编导在讲述李白和兰芬相见相识的过程，采用了四组相同人物的组合，运用意识流，犹如布莱希特的间离手法，跳出跳入，使得李白和兰芬由陌生、相识、理解到相爱的整个过程。剧中四对相同的人物，在不同的光区中演绎着他们的生活。真实的一组李白和兰芬始终在最强的光区，而其他三组，笔者则运用不同光色，造成视觉隐喻的幻觉，时离时合表达着时光的流动。最后，暖光的进入、李白和兰芬的结合、红色围巾的强化，加强了光色的力度，为李白最后被捕就义，采用大面积的红色做了铺垫。在整个舞剧的色彩追求中，整体是朦胧的灰色，不强调色彩的饱和度和纯度。正如在电影《辛德勒的名单》中，德军大搜捕时，灰濛濛的天，灰濛濛的楼群，灰濛濛的街道和灰濛濛的德军制服，在这部影片中唯一的色彩就是，被捕犹太人中一个小女孩儿的红色上衣。这点滴的红色，寄人以希望，这是色彩的力量。

光位是一种强调。在搜捕裁缝店一场中，同时出现二元空间和多元空间的处理。一是李白在焦急地寻找“密电码”的下落；另一个是兰芬坐着人力车在急急的奔跑，另有游离意识的特务和裁缝师傅。但两组光是一直定位于衣架上的量衣软尺和不断奔跑的人力车。这种缓、急的戏剧节奏，更强化了事件的冲突和矛盾。兰芬的枪声一响（见图3），音乐和其它光全息，只有定位在李白手中软尺的光犹在，片刻，黑暗中响起了滴滴答答的电波声。蔓延着视频快速呈现着电文布满整个舞台。

舞台后区吊杆上安装了大角度的特效灯具6k W阿莱。尾声时，缓缓亮起，利用其高亮度且有很强穿透力的特性，模拟一种天亮了，太阳光洒下的效果，暗喻上海的彻底解放，是全剧振奋人心又颇为动情的一个情绪高潮点。

灯光语言的塑造尽量简洁、顺畅，让类似电影画面一样的舞蹈呈现出紧密的联系。灯光设计在切割空间、平行叙事、冷暖光色运用、光影的交互使用上进行了尝试。舞剧的灯光应该成为无声的音乐，在舞台上形成独特的语言，让舞剧的视觉融合起来，形成独特的味道。

2 舞剧《天路》

这是一部把艰苦和悲壮描写得非常浪漫和美丽的舞剧，导演以其独有的细腻内心刻画了极具张力的舞段，构成了那个年代所具有的兄弟情、母子情以及青涩的爱情。

图3运用缓、急的戏剧节奏强化事件的冲突和矛盾

灯光是创造空间的一个最基本的元素，这个元素可以让我们更好地去听，更好地去看。在该剧中，灯光色彩偏于中性，使用高色温和低色温来构建空间和环境，创造一种老照片和古典油画的质感，甚至追求一种灰色调的感觉。创造这样的一种灯光环境是为了让舞台布景、服装、化妆以及多媒体融为一体，灯光为这部戏加了一层滤色片，让舞台拥有了朦胧的诗意。见图4。

卢天坐在铁轨上，吹着口琴，陷入沉思……

央金站在楼梯上，凝望着远去的卢天……

失去孩子的母亲，虔诚地跪在酥油灯前（见图5）……

这些画面呈现在舞台上的时间并不长，但灯光的处理上细腻厚重，让这些成为凝固的油画，有时候看不到演员的脸，看不到他在什么地方，灯光设计希望灯光可以帮助观众更好地去聆听，更好地去感受。

舞剧中戏剧性的处理相对较多，突然地闪回、内心外化等都需要灯光与之配合。在这里灯光除了刻画人物和环境还要解构空间，其中，弟弟索朗内心希望姐姐央金与卢天相爱，导演的处理极其巧妙，弟弟将姐姐推到卢天身边，展开了一段爱情双人舞，这是弟弟内心想象的，所以，灯光的转换也随之浪漫起来……在舞剧中这样的调度很多，对整个舞剧情节的推进起到很重要也很巧妙的作用。

强烈的灯光表达，是作为特效来使用的（图6），比如卢天父亲在风雪中牺牲、隧道坍塌等场面，使用了闪动和节奏很强的灯光处理来加强视觉效果，其中在隧道坍塌卢天等战士牺牲后，弟弟手里拿着卢天给他的口琴奔跑，仿佛要追寻卢天们的灵魂（见图7），为了突出这一情节，在舞台的后区放置了一台五千瓦的聚光灯，烘托了情感依托和舞台视觉。

图4 无数的酥油灯亮起，漫天的大雪飘下，仿佛照亮了天国的路

图5失去孩子的母亲，虔诚的跪在酥油灯前

图6隧道塌陷，战士们用生命捍卫着这条天路……

图7 弟弟手里拿着卢天给他的口琴奔跑

舞剧《天路》的灯光着重戏剧性的表达，朴素、厚重，光色运用力求含蓄内敛，通过灯光的明暗变化处理，塑造舞台空间关系。

在多媒体的设计上，采用了背投和正面投影的方式呈现，为了画面更加凝重、浑厚，在屏幕前增加了黑色的无缝纱幕。本着多媒体画面应该是舞美布景的一部分和延展，整体以油画的质感出现，以慢速甚至非动态画面为主，这样的审美标准让整部舞剧视觉浑然一体，有效地为舞剧的铺陈、叙述、推进提供了帮助。

3 结语

表演是时间艺术，舞台是流动的空间。在一部戏里，场和场、景和景、戏和戏之间的转换必须流畅清晰。阿皮亚说过：不要用你的眼睛，而是用你的脚去设计。通过选取特定的舞台形象间接地暗示和影响观众，从而对舞剧主题做出视觉隐喻。

什么是舞台灯光设计师？笔者个人觉得，舞台灯光设计师应该是懂得从剧本、历史、生活中汲取养分的人，他（她）会手绘、懂绘画、有审美还要会绘制灯图；他（她）对新鲜的事物始终保持一种好奇感，他（她）了解建筑，却不是建筑师；他（她）绘画，却不是画家；他（她）懂得电路，却不是工程师。纵使他能够任意运用某些甚或全部才能，但他并不对其中任何一项赋予彻底的关心，更不会对任何一样作全面深入地了解。设计师这个职业既是感性的也是理性的，在教学目标和设计上甚至没有特定的方法可以遵循。探讨设计与创作的元素及原理是没有意义的，更好的办法是将设计的含义拓展到艺术以外的领域——如何把设计的理念运用到其他看似与设计毫无联系之中。

把设计作为一个过程是很重要的——而且这个过程也是最终成品的一部分。这个过程包括合作、研究，以及一定的技术运用，也许还包括一些艺术家的感性情怀。重点应当是理解和运用设计，以达到协调众多元素、创造剧中世界的目的——也就是创造出他们的作品，笔者认为每位舞台灯光设计师都应该像导演一样地思考。

从阅读剧本文字起始，设计师需要能够从中获得视觉形象的启示，李名觉先生称这个过程为获得“心像”。在此之后，设计师才会产生基于剧作的设计理念。舞台艺术是一个融合空间与时间的艺术，单幕场景设计就是序列中的单帧照片，多幕场景会构成一个序列。

舞台重要的是空间，无论舞美、灯光、多媒体都是在舞台上营造空间。从设计的角度来看，首要是对空间的把握。什么样的角色（演员）在何种空间中出现，将是首先考虑的事情。不要将舞台空间简单地处理成平台和台阶的组合，这样的设计任何人都会做。如果想成为一个与众不同的设计师，就需要从空间构成开始。其次考虑的应该是时间。对于一部多场景的演出，如果不是导演的刻意处理，不会只有一个单一场景的呈现。同样，仅仅更换背景（无论是影像还是天幕）或者是简单地挪动一些结构，也不足以表达剧本中的场景提示。场景变换合理连贯，从观者的视觉角度上看有新意，那样才有价值。

观察剧本、解析剧本，将文学、历史转化为视觉文本，使之在舞台上相互融为一体，在舞剧的创作中尤其重要。设计师不仅仅是创造一个美丽的物件，而是必须为舞剧创造一个环境氛围，而且必须隐喻着表演的主题和内涵，提供给导演、演员更多的创意空间。