大道之简 淳朴自然

欧洋

【摘要】在西方二十世纪20年代，没有谁能够比乔治·安太尔那样在巴黎的舞台上光彩夺目更加出色，他所走过的创作道路也是历经坎坷，颇经沧桑。乔治·安太尔1900年出生于美国新泽西洲，早年师从于斯特奈伯格和布鲁赫学习作曲。后来受到克尔提斯·布克夫人的资助，远赴欧洲并受到斯特拉文斯基音乐风格的深刻影响。1924年著名的“新事物观察家”埃罗·旁德较早的理解领会了乔治·安太尔未来派作品所表现的内涵，并把他称作“第一位真正的美国本土音乐家”。美国作曲家科普兰曾经回忆说：“当我到了（欧洲）的时候，乔治·安太尔已经征服了所有巴黎人的耳朵”，他的名字在巴黎已经家喻户晓了。

可是在30年代后来的历史记载中，在很大程度上乔治·安太尔的重要地位和功绩被逐渐忽视。在关于世界大战期间的先锋派艺术的报道中，把对乔治·安太尔的介绍都只看到一些文章的解释脚注而已。然而近些年来，一系列珍贵的唱片出版和持续的文字记录，加深了他作为一位学识渊博，多才多艺的作曲家的声望，非常值得深入研究。

【关键词】作曲;乔治·安太尔;创作思想

【中图分类号】J616 【文献标识码】A

一、创作特点

乔治·安太尔被称为具有20世纪创新意义的作曲家，早期所作的一系列出色的作品有《飞机奏鸣曲》（1921），《五种乐器交响曲》（1922），《野人奏鸣曲》，以及对音乐立体主义的尝试的作品《爵士奏鸣曲》。他还写有两首《小提琴与钢琴奏鸣曲》，两首打击乐。并且在他后来写的《快乐的学者欧格·罗治》的作品中，有一部分鼓的表演是由他本人亲自演奏的。这个时期他最重要的作品是在1923年到1925年期间为同名电影所作的音乐作品《机械芭蕾舞》，这部电影是讲述关于一个人物弗莱德的传奇（Fernand）的故事的。当时的电影是无声的，所以这部电影与它的电影音乐没有同时上演过。

在《机械芭蕾舞》中，乔治·安太尔最初设想用16架电子钢琴演奏，通过扩音器使声音产生多层次和饱满的声音效果。由于当时技术上的限制，没有能够成功。因为当时电子钢琴是不能够这样同步进行的，最后首演时只用了四架钢琴。他的创作意图是想营造出具有对比性的“时间错位”，用一个旋律来表达强悍巨大的声响。为此他请工匠们直接在钢琴的轴上打孔，使钢琴获得超常的声音与和声旋律效果。由于早期的音像资料版本的质量低，因此录制的声音听起来很噪杂。1952年他自己指挥交响乐团演奏了这部作品。一直到1999年，由于现代音频制作技术的不断提高与更新，经过重新制作，集这部音乐作品音响与电影《机械芭蕾舞》同步出声的版本终于呈现了。这是由保罗·拉赫曼（Paul·Lehrman）指挥并初次公演。随后，在各种不同的喜庆的节日中都一直上演着这部作品。

乔治·安太尔认为他在《机械芭蕾舞》的创作思想直接影响了普罗科菲耶夫的舞剧《钢铁时代（1925）Lepasid Acier》以及勋伯格的《太平洋231》，尽管这些评论和说法具有某些争议。却是机械化现代主义时代创作的领衔核心人物，他的作品在公演中产生了轰动效应。（盡管那些愤世嫉俗的人声称如此巨大的轰动是由于电影导演马塞尔·来赫比尔把音乐与他的电影《L Inhumain》结合起来才产生的效果）。

他的另外一部作品《早期在巴黎的美国人》，是一部非常迷人的多声部音乐作品。这部作品非常直白地表达了他和资助人布克夫人之间的通信内容，这些信件内容现在珍藏在费城图书馆中。明确的提到，当乔治·安太尔还是纽约恩斯特·布鲁赫（Ernst Bloch）学校的学生时就引起了她的注意，布克夫人慷慨的以每月一百美元的特别赞助计划来帮助乔治·安太尔，在12年多的时间里资助了总计四万美元的费用。

二、创作思想基础

巴黎是乔治·安太尔一生的全盛时期，他和妻子波士卡（匈牙利人）住在一家以经营莎士比亚著作而闻名于西尔维亚海岸联合书店附近，在那里他们有许多机会阅读浏览文人名作，对毕加索、乔安·米罗（Joan miro（1893年4月20日——1983年12月25日），西班牙画家、雕塑家、陶艺家、版画家，超现实主义的代表人物。是和毕加索、达利齐名的20世纪超现实主义绘画大师之一。乔治·布拉克（Georges Braque，1882—1963），法国立体主义绘画大师。约瑟夫·费尔南·亨利·莱热（法语：Joseph Fernand Henri Lége）等大师的著名作品倾囊收藏。并经常邀请一些音乐家聚会谈创作、谈音乐表现的技法等。斯特拉文斯基就曾经参加他作品的首演，并与之同台演出。对于乔治·安太尔的生活，评论家尼德·罗瑞姆写到，“尽管许多人听不太懂音乐，但都接受乔治·安太尔的创作风格”。似乎想从他的创作中找到一些表现社会生活的景象，这些人通过报刊杂志和前卫音乐组织支持和鼓励他。把他的创作称为新机械艺术运动的发起者和推动者。甚至把安太尔的《机械芭蕾舞》赞誉为解决当时所用乐器技术的限制问题的突破。海明威把乔治·安太尔的影响力写进自己《在我们的时代》的著作里发表。

由此可见，乔治·安太尔被视为伟大的“新音乐”的救世主。“新事物观察家”埃罗·旁德出版了一本书名为《安太尔与他的音乐理论》，这本书被嘲讽为业余的评价。乔治·安太尔曾写到“自从我遇到埃罗的第一天起，他没有真正地领会到我的音乐背后的内涵……。”在他的文章中，他所表达的内容就是他事先计划好的，要么是荒谬地赞扬、要么是可笑地反对，使得在当时许多评论家都对乔治·安太尔比较厌烦甚至怀有偏见。然而，安太尔对此颇有异议，因为埃罗·旁德的书在巴黎被读者接受，乔治·安太尔决定回到美国去维护他在音乐创作中的知名度。

1927年期间，乔治·安太尔《Carnegie Hall-卡内基大厅》的首演，在多奈德·弗瑞迪的指挥下，他天真杂乱毫无辨别能力的热情使他在音乐处理上出现了一系列错误的判断，完全背离了乔治·安太尔音乐的主张，以致于使乔治·安太尔在美国的声誉受到影响。弗瑞迪在这次失败的演出中要付很大的责任，在演出之前他把这次演出的轰动效应不断地描述成能够与在欧洲上演的《机械芭蕾舞》相媲美，以此来提高新闻媒体的重视程度。演出中四重奏的表演与预先的宣传所给人建立的印象完全不符，无形中破坏了乔治·安太尔的名声。由于此事布克夫人也取消了每个月对他的资助。羞辱和贫困的双重打击着安太尔与妻子，他们再次回到了欧洲，一直努力地坚持创作，并用他的“新浪漫主义”音乐风格的创作重新获得声誉。如：歌剧《Transatlantic-大西洋彼岸》、侦探故事《黑暗中的死亡》《坏孩子的音乐》、电影音乐《罗斯的幽灵》修正了一些他早期的那种粗暴原始的音乐风格特点。对于安太尔来说，他后来的经历再也没有达到像这样的颠峰。

乔治·安太尔是个有着广泛爱好的人，1940年他匿名出版了一本名为《战争将要到来的形态》的小册子。反映了美国财政困难时期的社会形态。他的预言被证明是正确的，他也因此获得了一个“预言家”的名声。他曾在《洛杉矶时报》做记者的工作，他的兄弟在战争中阵亡激发了他的创作灵感，转向了对战争的描述，《悲剧交响曲》就是他的记录。他创作了一系列代表美国人自我意识的交响曲。这些作品由斯特拉文斯基和其他一些音乐家初演。然而这些作品并没有给公众留下深刻的印象。战后，还写了六部歌剧，风格迥异，具有戏剧性的效果。

三、创作的历史贡献

把乔治·安太尔描述成第一位现代主义音乐家是非常正确的。因为，并不象他的良师益友斯特拉文斯基，即使在他的新古典主义阶段，斯特拉文斯基也没有真正地放弃过现代主义的风格。安太尔真正地完全坚持着他青年时期的机械主义风格。安太尔把自己的新古典主义时期作为他进入后来的那种更加富于表现力的和声风格以及更加靠近于肖斯塔科维奇（Shostakovich，1906-1975）音乐风格的一步坚实的基础。因此，一些批评的观点从来就没有接受过他。

乔治·安太尔于1959年去世，对他的作品兴趣的复苏一直在不断地升级，加洲作曲家查尔斯·埃米尔根·翰南始终是安太尔的拥护者。荷兰的指挥家、钢琴家罗恩波特·蒂里沃也积极地支持乔治·安太尔的音乐，并于1981年还举行了“乔治·安太尔纪念节”。1988年BBC广播电台以乔治·安太尔本人的生活经历命名的《早期的在巴黎的美国人》的音乐评论文章刊登在许多网页上。在对这部作品的研究过程中，也许对乔治·安太尔最恰当的评价应该引用威尔格·汤姆森的一句话：“你无法再找到一个像乔治·安太尔这样的人，他是一个具有文学家思想的音乐天才。他是一个多才多艺的天才。他是一个特殊的人，他获得了极大的成功，在他的时代他是独一无二的。我相信他的时代将会再次到来。”舒勒·冈瑟（Gunther Schuller1925年生于纽约，美国作曲家）说：“乔治·安太尔所描绘的大量关于欧洲的景象都是令人激动的，无论你怎样认为他的音乐《机械芭蕾舞》是多么独特的，如果他没有继续发展他的音乐风格后人则很难再有创新”。乔治·安太尔对自己的才能总是有着极大的信心，他创造出一种遭到抵制的风格，是他自己要做的事，他是一个很有创造性的人，人们将会重新接受他的音乐。

四、结语

敢于走前人没有走过的路的拓荒者，永远是不朽的。纵观乔治·安太尔所走过的创作道路，如果承认已经被别人承认过的真理，就会使自己丧失独创性，这是最大的错误。正确对待前人理論，学百家之长，自主创新。当然，任何研究创新都会碰到冲破传统阻力的问题，任何研究工作都应有所创新。创新的基础，一是新概念的指导，二是新方法的突破。现在一切美好的事物，无一不是创新的结果。科学的存在全靠它的新发现，如果没有新发现，则科学从无。

学术研究贵在求真、求新、求深，而求新又是基本目标。独创有两方面，一是形式的新颖，一是个人人格的化入。 敏于观察，勤于思考，善于综合，勇于创新。 大道之简 淳朴自然，我们是否从乔治·安太尔的创作思想中找到一些创新的路径呢？