《回转酒徒》教学实践后引发的思索

贾鼐

摘 要：《回转酒徒》是格鲁克创作于1760 年间的歌剧作品。希望通过《回转酒徒》的排演，我的学生们能在声乐演唱、表演、肢体表达、舞台表现力，以及团队合作等方面有所提升。这是我首次作为导演身份经历了从选剧本、演员、场地、排练、服装、道具等一系列事务后引发的一些思考及联想，也会谈到学生毕业后将会面对的戏剧舞台、演员生涯，以及艺术家状态的一些前瞻性思索。

关键词：教学实践 戏剧 舞台 表演

《回转酒徒》是格鲁克创作于1760 年间的歌剧作品。实现歌剧实践首先要选择一部适合学生阶段水平演唱及表达的优秀的歌剧作品。对于这部作品的选择，我基于几点考虑：一是人物关系，故事情节相对简单、易懂，相对于本科及硕士研究生阶段的学生有能力表达、表演清楚;二是格鲁克的这部歌剧的故事核心是“爱”，并且戏剧发展过程中既有明显的人物冲突、也有高尚的人文理想;三是这部作品鲜少为人知，在国内、国际舞台上也很少上演。我们有责任将一些很好的歌剧作品让更多人了解，这也是一种传承精神。

实践的好处就在于，既可验证教学成果又能总结归纳现实教学理论依据。

通过《回转酒徒》的排演，我的学生确实在声乐演唱、表演、肢体表达、舞台表现力，以及团队合作等方面有所提升。这也是我首次作為导演身份，经历了从选剧本、演员、场地、排练、服装、道具等一系列事务。在为期两年的戏剧实践过程中，我渐渐理解著名导演铃木忠志所说的一段话：“戏剧导演在经过一段时间的创作后，艺术目标和个人生活也都会有所改变。他的创作动机也时常会有新的、难以预想的展示方式……”

一、歌剧实践首先是基于良好的声乐演唱教学。

声乐演唱是一门科学性与艺术性相结合的学科，它不同于其它理论课程的教学，具有很强的针对性。声乐演唱课程的教学内容其实涉及的范围很广。除了声音技巧、形体表达，还有音乐理论基础、表演、表演技巧，以及基本生理知识（发声器官的初步解剖学及生理学知识）还要有好的听觉、敏锐的洞察力、积极的学习态度以及强大的自信心。

对于教学方法，其实每位教师都有其独到的理解及应用。声乐不同于器乐，因为人的身体就是乐器本身。所以要懂得如何运用科学原理、顺应自然规律，才能把内心的感知和情绪以音乐的形式表达出来，而不需要用任何蛮力、体力去表现它们。最早的意大利学派的教授方法仅凭经验，而无明确的理论、规则，纯粹凭借观察和实验得来的，就是学生通过对老师、大师的模仿来完成。并且就这样由一个歌唱家传给另一个歌唱家，如此代代相传下去。

而当今的情况与过去不同，教师在教授过程中，必须先对学生先天的嗓音条件，即声带功能、腔体功能、身体能力有充分的了解。其次，听力、学习能力、模仿能力，也是很重要的。没有哪两个人的声音是一样的，由于自然先天条件的约束，每个人对于歌唱的动作和感受都是会有细微差别的。所以，教师必然是要有针对性的因材施教，努力挖掘学生在不同方面的潜质，以便能发挥学生天然的声音魅力、艺术才能。

对于学生而言，越是想方法了解自己，越是能成为一名好的演唱者，聪明的歌唱家。并且越了解自己的歌手，越明白扬长避短的道理和意义。一般学生在探索声乐演唱的过程中，他的声音很可能在某一个方面上有阶段性的侧重，而忽略掉必须是几个重要的歌唱因素共同融合才行。歌唱作为一种本能表达的手段或方式并不难，而声乐演唱是一门独立的学科，那就必须建立在很多因素之上。

表演歌剧对于每一个学习声乐演唱的人来说都是梦想。所以，歌剧表演的门槛很高，具有很强的综合性。对演员的专业素养要求非常高，对其演唱技术、声音技巧、音色特点、身体语言、协调性、舞台表演、台词表达、包括舞蹈方面都有很高的要求。我们每一年培养出这么多的声乐演唱人才，就是想为我们国家乃至全世界输送最好的歌剧演员。所以，在声乐教学大纲中正式引入歌剧实践是正确的、必要的。

歌剧演员在学习声音技巧或是进行戏剧排练时，实际上是在培养一种体认，以感知理想自我和真实自我之间的差距。在不断发现障碍、克服障碍，进而超越的过程中，不断退掉青涩，最终艺术家形象才得以成就。

曾经有人问过陈丹青先生：“作为一个艺术家，您觉得是什么成就了您？”他说到：“干活，保持做。但不要想什么成就。”这就是不忘初心，始终如一。

在歌剧实践中，比演唱技巧更需要投入精力去让学生们感受并学习的就是戏剧表演。我认为戏剧表演是一种媒介。它的精髓、特性在于，是借助表演者的身体、表演者的声音，让观众看清一大批人想要传达给这个社会、这个世界的某些信息、符号、宣言，或是某种大众诉求;希腊悲剧就很好地证明了这一点。即使这种诉求最初只源于个人愿望，但这个愿望一定与他所处的社会有一种很强的关联感。戏剧里所传达的信息一定是对这个社会有影响的。

一个好的演员、一位好的导演、一部好的作品，到最后必须是一部能给予人启发的作品。既然要在舞台上把传达这些观点的语句表达给观众，就必须得让观众听得清楚、看得明白。你的身体必须要尽可能有效地表现出这些语言，并且让观众确确实实地相信你正在说的话。

二、歌剧实践中，一个演员该如何一步步地实现成长。

我曾多次和学生说过，在专业舞台世界里，演员、艺术家为了那些极富精彩的时刻，必定是耗费了很多年坚持不懈的努力。艺术灵感并不只是瞬间火花碰撞的结果。其实是建立在枯燥、单调的基础训练、经验积累与不断思索后，迸发的艺术灵感。只有经过了漫长时间的训练后，演员或艺术家掌握了足够技巧来处理艺术灵感，最后才能真正体会艺术魅力、体验艺术感染力。就像贡布里希曾说过：“没有艺术这回事，只有艺术家。”艺术是得跟人走，人在艺术在，人在教学在。

关于演员的训练方法，普遍上存在着两种想法：一种是想要挖掘和培养自身有演唱及表演能力的个人;另一个则是想寻求创造一个生命力极强的戏剧群体。一个是反映个人，一个是反映了一个更大的传承问题。

在表演练习中，歌剧演员在舞台表演时呼吸的强弱、深浅，以及节奏都是非常重要的。当重心稳定地以水平方向向前移动时，脚对于地面的感觉，或是脚触碰到地板时的触感都会让观众把视线集中到演员身上。假如演員在歌唱表演中的状态不稳定，他就会开始紧张、烦躁或者失去控制。演员的表现方式、演唱方式、心态都会导致其身体紧张、声音不自然、肌肉僵硬、身体与声音不协调。这些不良的结果都源于演员可能技术欠佳、精力不集中、紧张、呼吸混乱、或者身体不适等。

另外，一个演员在舞台上重复一种动作的次数越多，他就越难重新体验这个动作，而他执行这个动作的艺术水平也会随之下降。机械地重复固定的台词和动作，使得表演本身都变得无趣沉闷。人类的精神天生处于一种不断进化的状态。因此，不得不反复重复之前所说过的话，必然会让演员感到受强迫和无趣，以致演技退化到按照最初演出的动作样子照葫芦画瓢。这会瓦解本身歌唱艺术想带给观众的那种令人愉快、生机的感觉。

即使斯坦尼斯拉夫斯基自己也曾跌入这种没有丝毫创造力的单调的状态中。《演员自我修养》中曾写道，他试图找寻到一种方法，来避免这种尴尬的境地。使用这种方式，演员每一次在舞台上的表演，不仅会在自己身上有所发现，也能使观众立刻看到他的发现。表演的目的不在于展示自己的个人才华，或引人注意。他的原话是这样表述的：

“在我们的艺术里，你必须每一个当下都活在你扮演的角色里，每一次都必须这样做。每一个过程你都必须要重新创作、重新体验、重新再现。”

三、畅谈歌剧演员的艺术生涯及个人经验。

演员在艺术生涯开始时，也都曾抱有想影响社会的远大理想。但当他们的职业生涯开始后，他们的专注力容易被个人欲望、恐惧所分散掉。他们并不了解成功与失败之间的共生关系。对失败的恐惧会令他们陷入在半冷半热的平庸中，阻扰了他们想改变自己或改变观众喜好的所有可能。丢掉原来的理想，他们会常感到自责。其实，这些恐惧、焦虑都会过去。我们决不能忘记，我们都只是普通人，不管我们曾经历过什么，不管我们曾多么强大，我们无法改变的事物太多。无论我们的作品、创作看起来多么具有革命性、多么具有影响力，它对这个世界的影响也是非常有限的。然而，我们仍然必须勇敢地、毫无顾忌的向前推进。尽管我们永远不可能达到想要达到的境界。这就是演员、艺术家生存的核心悖论。我们必须一直追求自己的理想，直到死去的那一天。正是这些转瞬即逝的共同特质，把戏剧和生命紧紧结合在一起。

作为歌剧演员，我有曾与多国人士共事的经验，了解和持有不同价值观的人一起共事的乐趣，国际间交流频繁，勃发。全球化的理想是创造一个人人平等、大家可以和平共处的世界。然而，世界越同化，人们就越想突出自己的文化，自己国家、民族的独特性。他们在主张差异性时，会特别突出爱国情绪以及国民、民心的所向。所以，无论全球化如何趋向同化，各国在语言、宗教、历史和传统上还是会保持各自不同的特性和差异。

结语

在排练《回转酒徒》时，我尝试尽量让学生们感受还原和展现表演中身体的舒张性和整体性。利用戏剧冲突、歌舞，重新启发我们当前已被忽略的很多身体语言，复苏身体的感知和表现能力。我和所有参演的学生共同经历了初排、细排、连排、彩排、演出这五个阶段。从我选择剧本到演出结束整整历时两年。值得骄傲的是，不论我，还是学生们都在这个过程中收获太多。演唱技巧、形体表演、台风、舞台表现力等等方面都做到可圈可点，这和以往只是单一授课相比是非常不同的且具有一定价值的。此文是首次作为导演身份的我，经历了从选剧本、演员、场地、排练、服装、道具等一系列事务后引发的一些思考及联想，也谈及学生毕业后将会面对的戏剧舞台、演员生涯，以及艺术家状态的一些前瞻性思索。

参考文献：

[1]斯坦尼斯拉夫斯基.演员自我修养[M].华中科技大学出版社，2015.

[2]铃木忠志.文化就是身体[M].上海文艺出版社，2017.

[3]【美】伊万娜·查伯克.演员的力量：查伯克十二步骤表演法[M].后浪出版公司，2017.

[4]陈丹青.退步集[M].广西师范大学出版社，2005.