造访“2018欧美音乐联盟巴黎夏令营”——从纳迪亚·布朗热的音乐教学出发

文/李彦洋

欧美音乐联盟是一个每年夏天在法国巴黎定期举办专业音乐教育的夏令营，它所遴选与招收的学生来自世界各地。该夏令营以培养学生深度聆听能力为目的，传承纳迪亚·布朗热的教学方法与师徒制教学模式，旨在提升作曲、指挥与演奏的学生有更强的写作、读谱与分析作品的能力。2018年7月，笔者有幸参加了为期一个月的夏令营，从室内乐—钢琴的角度切入，参加了对位法、键盘和声、作品分析、视唱练耳、合唱的全方位培训。本文旨在通过介绍布朗热与她的教学理念，以及笔者的学习经历，与大家分享自己的所学所感。夏令营期间，笔者还对四位老师作了相关采访，他们的艺术观点也将在下文进行综合概括。

纳迪亚·布朗热（Nadia Boulanger，1887—1979），法国女作曲家、教育家和指挥家，曾获“罗马作曲奖”二等奖。其父恩斯特·布朗热（Ernest Boulanger）为作曲家、钢琴家，也曾获“罗马作曲奖”。纳迪亚·布朗热曾师从加布里埃·福雷（Gabriel Fauré）等人，后来转而投身于音乐教育事业。实际上，她是将更多精力投入到培养妹妹莉莉·布朗热（Lily Boulanger）的身上，后者也如其所愿获“罗马作曲奖”。纳迪亚·布朗热曾经执教于巴黎音乐学院、巴黎高等师范音乐学院、巴黎枫丹白露的美国音乐学院，并担任朱利亚音乐学院、英国皇家音乐学院的客座教授。她曾指挥过BBC交响乐团、纽约爱乐乐团、波士顿交响乐团等，她的教育和观点影响了一代作曲家，如阿伦·库普兰（Aaron Copland）、 约翰·埃利奥特·加德纳（John Eilot Gardiner）、 大卫·戴蒙（David Diamond）、 丹尼尔·巴伦博伊姆（Daniel Barenboim）、菲利普·格拉斯（Philip Glass）和雷奥纳多·伯恩斯坦（Leonard Berstein）等。她强调敏锐的听力、迅速的大脑反应和精确的读谱能力对于一位音乐家的重要性，认为音乐能力和语言掌握是每位音乐家达到艺术独立的基础。而这些，只有通过系统扎实的训练才能获得。

自1979年纳迪亚·布朗热逝世之后，她执教的美国音乐学院①，由于领导层意见分歧，逐渐偏离了布朗热原来的教学理念。1995年，为了将深度教学的小班化师承制度传承下去，时任朱利亚音乐学院作曲系教授的菲利普·拉瑟（Phillip Lasser）②与他的老师纳西斯·波内特（ Narcís-Bonet）③共同创办了这个欧美音乐联盟（European American Musical Alliance，缩写为EAMA），每年夏季在巴黎市中心的圣乐学校（La Schola Cantorum de Paris）举办，为期一个月。直至今年，该联盟学生人数也由建产时的6人增至目前的60人左右；涉及学科从作曲单科发展为作曲、指挥与室内乐三大板块。

EAMA的师资不仅世界一流，而且是个联结紧密的小团体，彼此之间的师徒关系都长达数十年。比如，纳西斯·波内特在他16岁时从巴塞罗那赴巴黎跟随布朗热学习，直至1979年布朗热去世， 46岁的波内特接管美国音乐学院；埃米尔·瑙莫夫（Emile Naoumoff）④于8岁时举家从保加利亚迁往巴黎，追随布朗热十多年直至她去世，是布朗热视如孙辈的关门弟子，现为印第安纳大学钢琴系与室内乐教授；菲利普·拉瑟也是16岁从纽约到巴黎跟随布朗热学习，后随波内特学习作曲，而他的键盘和声正是埃米尔·瑙莫夫所教；另外，还有马克·夏皮罗（Mark Shapiro）、本杰明·泊伊尔（Banjamin Boyle）⑤、大卫·康帝（Daivd Conte）、 凯尔·布拉哈（Kyle Blaha）等，这种师承关系保证了布朗热教学方法与观点的纯正与延续性。

为期一个月的夏令营课程设置基本保持了布朗热当年的教学安排，课程分布如下：

课程 每周次数 班级人数 备注专业课（作曲、指挥或室内乐）2 1至2人（小课）对位法（Counterpoint）2 8至15人 按程度分班教学键盘和声（Keyboard Harmony）2 5至8人 按程度分班教学作品分析（Music Analysis）2 大班，即60人合唱（Choir）2 大班，即60人视唱练耳（Musicianship）1至2 8至10人 按程度分班教学

我带着“如何读谱”的问题去夏令营，带回“学回巴赫”的结论。巴赫是西方古典音乐源头，是中古调式向主调音乐过渡的桥梁。我们在主调和声的范畴里，思考声部、进行、句法和段落，都可以从巴赫的作品中找到灵感和标准。他的织体也是那个时代最复杂的，并且不只是和声分析那么简单的纵向排列；即便是后来的非主调音乐，也是由于巴赫确立了主调音乐在先，才有了之后的对立性。所有的课程设置不断地强化着“唱”这一概念，使听觉、视觉与歌唱融合，达到提高内心听觉的目的。当我问到布朗热的教学与学校课程学习有什么不同时，负责人菲利普·拉瑟说道：“除了宝贵的师徒制教学模式，我们都秉承一个视角，即强调聆听的艺术，而声音是桥梁。”对于布朗热来说，音乐家是在听觉能力方面经过严格训练的人，也只有扎实地掌握了音乐语言，才能谈及自如地表达自我，才得以找寻到自己内心的声音。作曲家、指挥家和演奏家都是一样的，他们之间并无明显界线。

谈及音乐语言的学习，音乐语言也有自己的“语法”，这不是大脑的计算（Mental Exercise），而是实践性很强的技术（Practical Skills），应该有着与声音相连结的生理记忆。它可以通过类似“听、说、读、写”的训练掌握并灵活运用。本杰明·泊伊尔认为：“我们不应该在听到一个和弦或和声进行而稍作迟疑之后，只觉得它听起来很熟悉，可是它是什么呢？相反，我们要时时刻刻明白自己在做什么、写什么或者听到的是什么。键盘和声就是让手、脑、耳、歌唱相结合的训练方法。”拉瑟从作曲写作的角度提出：“我们得先规范语法。比如，原位和弦就是重复根音等。在掌握这些之后，可以开始展示声音是如何组合的，就像写作一样。我们从小学习语言，之后才开始写作。不过，我们首先要学会这种‘语言’—它就是键盘和声，并通过弹、唱、听和思维并用的方式习得，如同说话一样，不是枯燥的数字计算。”

除此之外，几位老师都同时谈到了键盘和声的横向线条的听觉训练。泊伊尔说道：“美式教育很强调罗马数字的纵向和声分析，但是布朗热的教学更强调横向线条，即四声部甚至更多声部各自的独立走向。这也是和声形成的自然方式，即在各个声部的相互作用下形成（因为这个键盘和声是数字低音的练习，即根据低音弹奏上方的三和弦或七和弦）。比如现在，我看到巴赫的中声部（Alto），就知道他的高声部或者低音是什么；再者，由于我的大脑中已经有了常规模式，所以我会提前知道作曲家是否按常理出牌。”这正好印证了拉瑟的一席话，他说：“聆听艺术日趋完美的一个很好的鉴别方式，就是能够听见和声中的音程空间感和同音叠置（To perfect the art of listening， meaning to be able to hear the harmony for spacing and doubling）。我们在练习键盘和声时，首先是原位和弦，这是最中规中矩的音响。当掌握了这个的声响之后，我们可以更好地欣赏实际音乐中的不同声响，比如贝多芬、舒伯特等作曲家，他们的和声中不同寻常的空间感与同音叠置，这也可以使读谱者更深层地理解创作者——他在写什么？而在了解常规之前，我们是无法体会到这一点的。” 罗伊·豪厄特⑥认为：“我觉得布朗热的过人之处就在于，她看到谱的瞬间，就能抓住要害，明白作曲家的每一处意图。她也正是这么教学的。”

当我作为一名演奏者，从对位法练习中感受到创作带来的一些成就感时，拉瑟告诉我，这种写作训练为演奏者提供了多元审美的可能性。首先，它为写作提供了一个基本架构，以及曲式结构和各声部分布走向；在这个基础上可以继续添加细节，形成一首完整的作品。泊伊尔补充道：“我曾经是钢琴演奏出身，后来转为作曲专业。我明显觉得，对位法写作让我成为了一位更好的作曲者，因为它给了我更多的选择空间。不仅如此，当我得以用创作者的视角审视对位法时，我在演奏多声部作品时就更容易听清各个声部。”我发现，这一点在埃米尔·瑙莫夫的演奏中得到更好的印证。他的演奏改变了我对钢琴这件乐器的音响概念—一件音色貌似统一、性格中庸的乐器，他竟然可以在上面奏出繁复的层次，且每个声部都独立、富有个性。瑙莫夫说：“在德彪西的那个年代，法国作曲家都需要学习管风琴，所以他们有着多声部的思维习惯，即便是谱面看起来单声部的织体，也需要做多声部处理。”正如他所提到的，我感觉到法国音乐家重视复调学习的传统也在瑙莫夫的身上得到很好的体现。一方面，他是一位天资卓越的钢琴家。另一方面，他经过十年严格的多声部训练和思考，任何作品在他手下，都能层次尽显，令人眼前一亮。

另一个有趣的现象是，我们的声线可以随着条件的变化进行调节，这也意味着，我们的听觉可以随时调节。之前的很长一段时间，我被“钢琴的音高是固定的”这一事实烦恼，比如在弦乐或管乐乐器上，D音在D大三和弦与小三和弦中音高是不一样的，前者要比后者高一些，而在钢琴上它们是一样的。也因为这一点，和弦解决的倾向性在钢琴上并不很强。对此，拉瑟提出“Enharmony”的音高概念，这并不仅仅是为了作曲转调时的同音异名，而是同一个音在不同和声语境中的不同音高。虽然同一个D音，并且在钢琴上大、小三和弦中的物理音高是一样的，但是，如果我们跟着唱，喉咙会自动调节，区分他们成为不一样的音高，这也就内化成内心听觉了。他说道：“比如巴赫《平均律键盘曲集》第一卷的《C大调前奏曲》（BWV846），35个小节的作品就有七个带有E音的不同和弦。如果演唱出来，这些E音其实都是不一样的！这也是我为什么觉得，平均律并不是指的钢琴被调节成平均的律制那么简单，而是指人耳可以根据和声语境被完好地调节。”泊伊尔补充道：“在钢琴上，我们需要通过内心听觉把这种不同演奏出来。”

声乐调节不但发生在和声色彩中，也发生在合唱中。在这个过程中，每个人都自然地根据场地的共鸣调节人声，这不但使整个合唱团成了一件音色温和饱满的乐器，也使每个人身心愈发和谐。这在合唱音乐会的开始和结尾处表现得尤为明显，大家开始热身的时候，整个团体的音色分散而僵硬，而到最后，已变得非常温暖感人，每个人都洋溢着满足、喜悦的笑容。

今年的夏令营的室内乐课，由埃米尔·瑙莫夫 和罗伊·豪厄特共同担任，两者从演奏家和音乐学家的不同视角诠释作品。今年的排练主题是法国作曲家普朗克，主要学习他的一些室内乐作品，如小提琴与钢琴、双簧管与钢琴、声乐套曲、四手联弹和《一只小象巴巴尔的故事》等。对于这些不常在音乐会中呈现的作品，瑙莫夫引用了他老师布朗热的话：“我可以给你们解释作品的句法段落与写作技巧，但是我没有办法解释为什么它这么有吸引力，解释与理解是不同的。”是的，后者蕴含着法国文化与那个时代的点滴细节，很难仅凭乐谱洞悉一切。这就像外国人很难明白中文诗词的意境，也是这个道理。他补充道：“多练键盘和声，多读谱会有帮助的，最近几十年我们看到演奏者们演奏器乐的方式不是来自内心听觉，而是来自于手指的肌肉记忆。当然，肌肉记忆也并不完全是坏事，但至少不应该是唯一一种声音的记忆方式。现在的人的器乐学习开始得很早，而之前法国所有音乐学院的课程设置是先从视唱练耳等乐理学习开始的。随着器乐作品程度的加深，学生终究是需要有和声与对位基础的。但是，当学生意识到这些缺失并且希望回头弥补相关能力时，往往需要花费很长时间。然而这时候，生活的其他方方面面往往也同时开始展开，如成年生活、工作、家庭，等等。所以，如果可以在孩子自愿学习之前，先让他们习得音乐语言，这样可能会更好，就如写字一样，使人具有成为作家的潜力，但并非一定成为作家。不要把音乐学习缩减成仅仅如何演奏乐器，如弦乐的调音，钢琴的手位，管乐则是更多的是关于生理呼吸，等等。”我深以为然，二十多年遵循教导的演奏让我愈发觉得空洞。他接着说道：“但是，这一点很难。因为现在不是一个通识教育（General Education）或大众教育的时代，而是在竞争激烈的社会中进行的高度技术化与市场化的教育时代，上述两者不可在同一水平上兼得。因为，演奏本身需要花费很多时间，而理论（音乐语言）的学习，也需要花费大量时间。如何折中，就要看老师的能力与智慧了。”

对位、键盘和声、视唱练耳、合唱，以及室内乐，等等，所有的课程设置实则是在帮助我们将被动读谱、演奏行为变成主动行为。掌握聆听与音乐语言是音乐家独立的前提条件，作曲如此，指挥如此，演奏亦是如此。虽然通识教育在市场导向的时代非常宝贵，但是若没有前者，任何人都终究无法走远，终究要回到源头。

拉瑟最后指出：“在目前仍以西方经济与文化主导的时代，大家都在学西方音乐，这个很自然。但是世事不可能永远如此。我真的希望可以听到中国的声音，看到东西方文化的深度融合，而非东方哲学概念与西方作曲技法的融合。这或许很快，或许还需要几代人的努力。让每个学生找到自己内心的声音，是我们欧美音乐联盟的办学初衷。幸运的是，布朗热的教学理念和方法都很好，可以帮助大家找到内心的声音，也希望这对中国的创作和演奏会有实质性的帮助。”

注 释：

①美国音乐学院（The American Conservatory），1921年创办。其前身枫丹白露学校（Fontainebleau Schools）始建于第一次世界大战期间。当时在法参战的美军将领约翰·珀欣（John Pershing）希望提高美国的军乐团水平，命时任纽约爱乐乐团指挥瓦特·达姆罗施（Walter Damrosch）筹建学校。战后，学校在法国继续办学，旨在教授最纯正的法国音乐，纳迪亚·布朗热曾于1921年加入该校，并于1948年担任校长，直至逝世。

②菲利普·拉瑟（Phillip Lasser，1963—），EAMA创建人之一、朱利亚音乐学院作曲系教授，教授作曲、和声与理论分析，著有对位法教程《螺旋织毯：音乐的对位织体探究》（The Spiraling Tapestry: an Inquiry into the Contrapuntal Fabric of Music），其作品主要涉及钢琴、室内乐、交响乐等。他本科曾就读于哈佛大学，硕士就读于哥伦比亚大学，后取得朱利亚音乐学院博士学位。

③纳西斯·波内特（Narcís Bonet，1933—），EAMA创建人之一、作曲家。其创作的逾百首作品中，主要涉及声乐、室内乐与交响乐，发行了22张唱片。他曾任联合国教科文组织—国际音乐委员会代表、法国高等师范音乐学院院长助理等。

④埃米尔·瑙莫夫（Emile Naoumoff），7岁起跟随布朗热学习，曾与斯特拉文斯基、伯恩斯坦、罗斯特罗波维奇、马友友和洛杉矶爱乐、美国国家交响等合作。现任印第安那大学音乐学院钢琴与室内乐教授。

⑤本杰明·泊伊尔（Banjamin Boyle），EAMA校长助理、作曲家。曾任天普大学作曲系教授，主要教授分析、键盘和声与对位法。作品主要涉及声乐、室内乐与钢琴。

⑥罗伊·豪厄特（Roy Howat，1951—），音乐学家、钢琴家、中提琴家。现为伦敦皇家音乐学院与苏格兰皇家音乐学院键盘研究员，主要研究领域为法国音乐。作为钢琴演奏者，他发行了德彪西、福雷、夏布里埃的室内乐等多张专辑。他曾毕业于英国剑桥大学国王学院。