中国画的色彩之美相关分析

毛苑琦

摘 要：中国画在世界绘画史上独树一帜，占据着举足轻重的地位。中国画之所以能在世界绘画史中占据重要地位，正在于其线条和色彩基础之上的独特的“意境”表达形式，在于水墨与意境的统一。文章主要分析了中国画的色彩之美，以供参考。

关键词：中国画 色彩

引言

自中国文化史发展以来，中国画就伴随着其始终。它既是我国传统文化的重要组成部分，也是美术领域中独具特色的画种，有悠久的美术历史，并且在世界美术界领域中，独具特色，自成一家。绘画是作为艺术的一种语言表现形式，而色彩作为绘画的本体语言，是构成一种艺术情调和艺术风格最基本的要素，是刺激视觉神经最有效、造成特定情绪美感的一个重要手段。中国画又被称为“丹青”，因此可以说中国画从一开始就极为重视色彩的运用，色彩的运用始终贯穿着中国画的发展，具有独特的风格。[1]

一、中国画色彩观的发展分析

早在春秋战国时期，中国就出现了真正意义的彩色绘画，《人物龙凤图》和《人物御龙图》就是其中的代表。秦汉时期，五色观逐渐成熟和发展起来，人们对色彩的把握也更加娴熟得当，所以该时期的绘画多以黑红色为主。如西汉的T型帛画，就直接运用朱红、熟赭、石青、黑、白等色彩，整个画面的色彩效果是较为统一的。魏晋南北朝时期，随着佛教的传入，西域异族的色彩观也融入中国画创作中，先是谢赫在《六法论》中提出“随类赋彩”的理念，随后宗炳则认为应该“以形写形，以色貌色”，所以该时期的绘画色彩主要以蓝绿为主色调，红白黑为副色调，体现了色彩对比和互补的理念。隋唐时期，随着中国画艺术的大发展，色彩运用也随之丰富起来，阎立本、张暄、周舫都在色彩运用上有着鲜明的个人特色。而且在该时期，山水画和花鸟画逐渐独立出来，在色彩上有着较大差异。五代两宋时期，先是青绿山水发展到了高峰，王希孟的《千里江山图》、赵伯驹的《江山秋色图》等，都是青绿山水的典范之作。随后则出现了文人画，这在很大程度上影响了中国画色彩的发展。受到儒、道、禅等思想的影响，文人画追求淡雅、平和、超逸的画面效果，所以玄色就成为了文人画创作的首选色。元明清时期，受到文人画的影响，色彩表现转为以水墨为主，追求简单、质朴的审美趣味，虽然也有青绿重彩作品问世，但是并不占主流。纵观整个发展历程可以看出，整个中国画色彩观的发展和衍变，可以简单概括为唐宋之前尚色彩，唐宋之后尚水墨，两者是一种先后、轻重的关系，而不是有无和对立的关系。但是受到多种原因的影响，还是有不少人认为水墨画就是中国画、色彩被水墨所淹没等。当从宏观角度看待色彩和水墨时，就会发现水墨只是色彩的一种，并不是中国画色彩表现和运用的全部，中国画本身是五颜六色，色彩斑斓的。[2]

二、中国画的色彩之美分析

1.色彩具有意象性

色彩是因境而生，在创作时，应该将注意力放在作品的内涵和精神层面上，画家可以调动全部智慧，以极具个性的理想去挥洒色彩，根据主观的审美要求随类赋彩。中国画用色之妙，在于画者凭借其丰富的想象和直觉的冲动，凭借心灵的感受，用心创造出“色有尽而意无穷”的境界，恰在于它的直抒心意、用心着色，给欣赏者以触及其心灵的强烈感染。中国画在内容的表现上是介于自然与人文之间，在形式的把握上介于平面与立体之间，所以说中国画是中道之画。“设色好者无定法，合色妙者无定方”。中国画色彩的运用不在于形式是水墨的还是彩色的，主要在于作为主体的画家个人是否将自己的艺术修养反映到作品里，反映到色彩上。中国画用色不在色相的多少和技巧的生熟，而在于我们对于“随类赋彩”的理解和认识，以及如何运用。对于意境的执着与追求造就了中国画，看中国画，我们感受到的不是它的色彩惊艳，而是它的意境之美。在画外，我们能够感受到画者所要表达的主观意指，不同的观者能够在同一幅画作中感受到不同的思想。[3]

2.讲究“墨分五色”

自唐以后，中国画对于色彩运用的理解开始出现转向，由对于丰富色彩的专研转向黑白渐染的水墨。“水墨丹青”，丹青即是强调绘画中色彩的运用。然自宋开始，“墨分五色”之说在绘画色彩上逐渐成为主流。这种绘画风格的转向，背后所反映的实际上是盛唐繁荣过后，文人在宋朝历史起落中的文化变迁。在绘画中，色彩的华丽为唐以后的画家所逐渐摒弃，取而代之的是一种清新、淡薄的精神追求，既是对于繁华的祭奠，也是对于现实的客观、冷静、不失意境的哲思。在宋以后，绘画中对于“色彩”的追逐在绘画界被视为“俗”的表现。在中国画中，墨的应用是必不可少的，后世之人对于这一句中的“五色”有着不同的认识，有的认为其指的是清、焦、淡、浓以及重，还有的人认为是浓、黑、干、淡以及湿，虽然人们对于“五色”的认识不同，但这都代表了墨色在运用中非常丰富多彩的，虽然看起来墨的应用是单一的，但是在其所表达的语言却是非常丰富的，可以为人们营造出一个丰富多彩的色彩情感世界。对于华丽色彩的放弃，所带来的是画者内心世界的呈现，没有丰富的色彩，真正让人惊艳的人物畫作往往是简单的水墨色彩勾勒出的意境，是人与境的融合，是画作与作者内心的合二为一。

3.色彩具有节奏性

中国画具有形式美，此种形式美不仅体现在其内容中，更重要是体现在其色彩节奏中，中国画在敷色、烘染的过程中最注重的就是粗细、疏密以及浓淡。在墨与彩的配合方面，中国画体现的是墨线的勾勒，墨色烘托出色，以墨为底，清新淡雅、厚重之上，反衬出色彩的灵动。同时“色不碍墨，墨不碍色”，色与墨的有效配合，画者存乎一心之间，也可见画者的境界高低。这样的创作手法就使得中国画具有极强的艺术感染力。中国画在创作的过程中主要应用的就是单一的墨色，通过上述的变化才使其内涵更加丰富，更加具有形式美，从而有效弥补了墨色在色彩上的不足之处。此种较为矛盾的变化关系，恰恰满足了人们视觉上的需求，从而促使欣赏者在欣赏画作的过程中可以感受愉悦。

结语

色彩在一定条件下可以触发人们的情感联想，创作者也可以借用画面色彩的表现牵引观赏者的内心情绪。传统中国画以更加丰富的色彩表现，能够带来更加丰富动人的情感表现。中国画色彩理论高度概括、汇总和反思了中国画色彩认知经验，并对中国画色彩实践产生极为深远的影响。

参考文献

[1]谭晶，刘昌玉.中国画色彩的演变历程及应用[J].学园.2013（36）

[2]朱永锋.中国画色彩的特点及运用[J].短篇小说（原创版）.2014（06）

[3]黄其华.中国画色彩与西方绘画色彩比较分析[J].美术教育研究.2014（10）