水墨人物画的特点[1]

卢 沉

现场 LIVE

水墨人物画的特点[1]

卢 沉

编者按：北京画院自2007年推出20世纪中国美术系列研究与展览，10年间已进行了对40余位艺术家的个案研究，包括齐白石、李可染、王雪涛、陈半丁、周思聪等等。今年3月，北京画院美术馆又推出了卢沉（1935-2004年）的研究展，同时再版了《卢沉论水墨画》一书。卢沉师从叶浅予、李可染和蒋兆和，继承与发展了“徐蒋体系”的写实人物画。卢沉虽然以素描为基本功，但仍坚持中国画的传统，“以线造型”、“书法入画”，改革开放之后，他还将西方的构成意识和形式法则纳入自己的创作与教学之中。本刊此次择选卢沉有关“水墨人物画”的授课笔记，并与北京画院美术馆馆长吴洪亮进行了一次访谈，总体呈现卢沉的艺术探索、实践与教学的具体工作及影响力。

水墨人物画，也叫写意人物画。有的人不同意叫写意人物画，理由是整个中国画与古典的西方绘画相比，都是写意的。即使工笔，也不是如实写生，同样必须以能写意为妙。浙江美术学院称意笔人物，此“意”字乃指表规手法，指用笔的工与写，并不是抒情写意、立意的“意”。

我觉得，要么统称人物画，如果要分，还是按表现手法、工具来分，叫水墨人物画较合适。中国画自古有两个传统：一个是工笔重彩系统，一个是水墨画系统。虽然水墨画也用颜色，但一般不用石色重彩，而用覆盖力较弱的透明色。

画面以水墨为主、颜色为副。即使用覆盖力强的矿物色，也不能影响画面的水墨韵味。

水墨人物画的特点，我想分以下四点来谈：

一、以线造型为基础（整个中国画的特点）；

二、以水墨为主；

三、写意而不写实（是表现而不是如实反映）；

四、讲究笔墨趣味( 包括书法味、金石味)。

第一点，以线造型为基础。

这一点，在谈人物画传统时谈得较多。其实用线不仅是中国画的特点，也是整个东方艺术的特点，日本、印度、波斯的传统绘画，都是以线造型，风格相近，是一个系统的东西。

中国画，首先是线的艺术，不是体面的艺术、色彩的艺术。如果你不懂得欣赏线的美，就欣赏不了中国画。欣赏笔墨趣味，也是欣赏线条美的一种发展，其欣赏的核心还是骨法用笔，这是中国绘画特有的艺术趣味。

第二点，以水墨为主。

这是和颜色相对而言。整个画面主要靠墨色来表现。这种表现不是描写明暗变化，而是追求黑白分布的美。

自古以来，我们的先辈就有“水墨为上”的说法。现在画画，坚持以墨为主，就是这个传统的延伸。

为什么主要用墨来画？这与一两千年以来，书画相通、书画相提并论的艺术传统有关，与特殊的艺术欣赏趣味有关。生宣的出现，似乎就是为了适应这种特殊的欣赏水墨趣味的要求。在生宣或其他半生熟的纸上作画，墨色留得住、吃得进，干湿浓淡及层次的变化很丰富。相对来说，用色比较单纯，笔触感弱，层次少，不便于塑造形象，所以水墨人物画一般都是先用墨画，后上颜色，用墨表现作为一幅画的主体。

有人在颜色中加胶来画，使颜色在纸上留得住，显出笔触，有一种特殊的趣味。

也有人在生宣纸上画水彩、画水粉，用颜色塑造人物形象，这种求索精神是可佳的，但往往吃力不讨好。即使画得很逼真、很具体，总觉得没有太大意思，不是水墨画的审美要求。

第三点，写意而不写实。

这是对水墨人物画总的要求。既是写意，就不能如实描写，就不能面面俱到地抄对象。如何表现，必须先明确立意，胸有成竹，想好了再动笔。

“以形写神”，自晋顾恺之提出这个主张以来，几乎成了中国画共同遵守的原则。按照这样的主张，画形只是手段，目的是为了传神。有人提出“不求形似，以神写形”，用词看来偏激。探其本意，无非是强调重在传神达意，立足于表现自己的感受。若真要做到，也是很不容易的事。

第四点，讲究笔墨趣味。

谈到笔墨，对初学者来讲，首先当然是要求画准，做得笔主。要认真训练笔墨造型的能力。同时还得讲究艺术趣味。

讲究笔墨趣味，这是水墨人物画的重要特点之一。其核心是书法入画，即体现于书法中的形式美感在绘画上的运用和发展。

所以，要画好水墨画，还得练字，练字不仅是为了题字签名，更重要的是通过练字研究线的艺术趣味、形式美感，提高鉴赏能力。作为一个水墨画家，如果不会写字，欣赏不了书法的美，他等于只有一条腿，他的艺术就不可能达到第一流的水平。石鲁提出把书法作为中国画的基本功、必修课。我认为应该提到这样的高度。

在懂得欣赏笔墨趣味的眼光中，一块好的墨色、一个好的墨点、一条好的线条，都能引起美感，能触动他的神经，兴奋、赞赏，以至手舞足蹈、自得其乐。

讲究笔墨趣味，概括地说，两句话。第—是要写不能描，一气呵成；其次，要注意点线面的分布、墨色的对比变化。

具体地说，讲究笔墨应该记住六个字：简练、夸张、节奏。

左·《东坡先生行吟图》 卢沉 纸本设色 46cm×69cm 1989年

右·《大鱼岛写生》 卢沉 纸本设色 45.5cm×69.5cm 1972年

简练

指造型用笔要以少胜多、以一当十。艺术发展有个共同规律，由简到繁，又由繁到简，从史的角度及个人的角度看都是这样。最早的原始绘画和儿童画一样，是比较简的。这时候的简，多半是因为造型能力不高( 当然不等于艺术趣味不高)。后来，经过千百年，随着造型能力的提高，艺术由简而繁，极尽描写物象之能事。这一点，在西方艺术史中表现得更明显。在中国，盛唐、北宋，达到了写实高峰。水墨画的出现，特别是石恪、梁楷的减笔人物画及牧溪水墨花鸟画的出现，中国画开始由繁而简，青藤、八大可以说是高度简练的代表。近代中国，艺术教育采用西方基础训练以来，中国画又出现了一个由简入繁的阶段，使造型能力特别是写实能力提到一个新的高度（当然不等于艺术趣味的提高)。其后，甚至有人想在国画中追求油画、素描效果，刻意追求立体感、真实感，可以说是到头了。近年来，又进一步走上由繁而简的探索道路。

当然，以水墨画来看，作为一种艺术风格，可以有繁有简，但即使是繁体水墨，也要讲究用笔的简练，应该是“一笔二笔不嫌少，千笔万笔不嫌多”。

《清明》 卢沉 纸本设色 133cm×133cm 1990年

夸张

就是抓住对象的主要特征，并夸大之。这是塑造形象的需要，是表现作者感受的需要。是艺术，就得运用夸张这个手段，概莫能外。

尤其是中国画，一下笔就得夸张，不夸张就没有办法用笔。这一点，在写意花鸟、山水画里表现得最明显，有丰富的经验可供借鉴。

夸张，也就是一定程度的变形。面对自然，首先要把客观对象纳入“笔墨结构”的规范来思考，变自然形态为艺术形态，变自然结构为笔墨结构。

花鸟、山水如此，人物画也不应例外。如果画时拘泥于自然形态，笔路不畅，心痴手迷，就不会有生动的笔墨效果。

节奏

笔墨的节奏感，就是变化统一。

用笔的快慢、粗细、干湿浓淡，墨色的变化分布，充满对比因素。在画面上如何使之不花、不乱、不脱节，既变化而又统一，就须统筹安排，要有节奏感。

首先，下笔之先，要认真构思、精心设计，所谓“意匠惨淡经营中”，以便落笔时胸有成竹，这是成败的关键，没有这一步，心中没数，画的时候就会乱套。

另一方面，要随机应变，学会顺水推舟。因为，尽管想得很周密，画起来还可能出现意外效果。好的偶然效果，能增加画面的生动性、趣味性，这时就不能死心眼，要灵活处理，尽量保留。

总的要求应该是自然流露，一气呵成。作一幅画，像写一篇字一样，首尾相应，通篇贯气。这不等于完全是笔笔中锋，不准收拾、着补。画画比写字要复杂得多，塑造人物形象往往要反复加，到好为止。因此从认识上可以把一幅画当作一篇字对待，以取其意；实践时，却应该恪守这样一条原则，“大胆落笔，仔细收拾”。不要因为考虑太多而影响情绪，弄得缩手缩脚，不敢下笔。

画的时候，开始不妨松动一点，先画大关系，留有余地，以便进一步加工，按整体需要来调整。收拾时最忌没有主见。要以我为主，根据画面的需要、绘画的原理来调整，不要跟着对象跑。

注释：

[1]本文选自《卢沉论水墨画》，北京画院编，广西美术出版社2017年3月第1版。