浅析西方绘画艺术的“叙事性”

李建树 （三江学院 210012）

浅析西方绘画艺术的“叙事性”

李建树 （三江学院 210012）

“叙事性”是西方绘画的一个重要方面。要用少量或单一的画面去叙述一段故事，难度非常之大，但却也是绘画无法回避的使命。本文重点阐述画面“叙事性”的实现条件和实现过程，从“叙事”的角度分析如何欣赏和驾驭此类绘画，进而探究图像语言的相关规律。

西方绘画；叙事；时间性；动态

“叙事”是西方绘画很早就被赋予的使命之一，甚至在很多时期可谓绘画的第一使命。两千五百多年前的古希腊时期，艺术创作的题材多为神话故事，这便要求艺术家们在静止的画面中进行叙事。之后的古罗马绘画中，除了神话题材又加入了战争事迹的描绘，君主们也热衷于通过各种艺术形式记录下自己的丰功伟绩，艺术家们在用绘画记录历史的同时也即是在进行叙事。再往后中世纪艺术专注于宗教故事的描绘，文艺复兴时期题材尚未发生完全的变化，依然是圣经故事为主。到了十七世纪荷兰画派出现了各种现实题材的绘画，绘画中的“叙事性”似乎没有像之前那般突出了，但可以说直到印象派以前，主客观的表达都是建立在“叙事性”绘画的基础上。印象派出现以后，人们开始讨论图像语言自身的叙事能力。

如今我们更加习惯用成篇幅的文字或连续的画面（视频）进行叙事，这样可以清楚地交代故事的经过，而用较少的、甚至单一的画面完成“叙事”并非易事，这需要对图像语言拥有较高的驾驭能力，值得从多个角度分析如何实现。

一、“叙事”的前提

“叙事”有其前提，因为情节的发展需要“容器”——地点和时间，即故事发生的时空环境。

首先是空间，创造一个虚拟的空间对绘画而言不算难事，早期在透视法系统化之前，画面中的空间尚需要观众的想像来完成，而到了十五世纪，佛罗伦萨的马萨乔第一个掌握了透视法作画，同时期的阿尔贝蒂在《论绘画》一书中也成功地将透视法系统化，之后一代代艺术家不断地丰富完善，画面中的空间感早已栩栩如生，以至于到了二十世纪空间主义的艺术家试图打破界限，将画面中的虚拟空间和现实空间融为一体。

其次是时间，这里牵涉到一个重要的概念——绘画的时间性。绘画的时间性在二十世纪之前一直是有争论的。从常识理解单一的画面是静态的，其本身并不具备时间属性，然而出色的艺术家可以创造出时间维度。优秀的“叙事性”绘画能使观众清楚地感觉到它所描绘的上一秒和下一秒。在“叙事性”的绘画里，时间是一种隐藏属性，可以通过技巧来实现。优秀的“叙事性”绘画一定具有很明确的时间感。甚至在一些看似非“叙事”的肖像画和风景画中，也一样存在着时间感，比如关于伦勃朗的自画像，梵高就从中解读出了作者的生平，他清晰地感受到伦勃朗是在凭记忆给自己画像，而作者人生经历的大起大落，都浓缩在了一张张肖像画当中，这其中的时间性不言而喻。再比如库尔贝画了很多海景，时而浊浪排空，时而阳光明媚，在面对不同画面时，观众一下便能清楚地感受到海浪相叠的连贯性，或是暴雨过后波光粼粼、海风拂面的惬意。这些都不属于瞬间的感受，都具有其时间属性。到了二十世纪，康定斯基就直截了当地认为绘画的时间性不容置疑，他的论述归根于他抽象主义的思想，是从画面的形式出发，他强调“点是时间的最简短形式。”

二、“叙事”的题材

故事本身也是“叙事性”绘画很重要的组成部分，绘画的“叙事性”中“事”的概念可大可小，这里只讨论具体的故事和事件。在历史的大部分时间里绘画都受政治和宗教的影响，尤其在早期，艺术家并不能自由支配艺术创作的题材，“叙事”的意愿来自于君主、教会、赞助商等等，因此这样叙述出的大多是按照这些人物或阶层的意愿装饰过的故事。即便是历史题材，也很自然地并非真实的历史。在经过漫长的神话、历史、宗教题材后，“叙事性”绘画的内容才越来越贴近日常生活。

三、“叙事”者

艺术家作为故事的叙述者，是整个过程中最主要的一环，正所谓世上没有艺术，只有艺术家。故事讲得好不好，“叙事”者至关重要。影响“叙事”效果的，不仅是“叙事”者的艺术水准，还包括了在叙述的过程中，“叙事”者拥有多大的权限。艺术家在创作过程中权限的大小在历史中也经历过重大转变。在文艺复兴以前，艺术史似乎是一部艺术品的历史，太多经典作品的作者我们无从查考，我们只有通过一件件艺术品研究其本身。从前的艺术家没有署名的意识，社会也如对待出色的工匠一般对待优秀的艺术家，并不会将他们的姓名或传记记录在历史上。优秀的艺术家即使受人推崇，也远没有后来的程度。这和当时的社会状况密切相关，比如古埃及的艺术法则被坚持了五千年，这期间的艺术家没有太多发挥的空间，这种情况下艺术家的权限受到了极大地限制，他们在绘画前无法选择题材，创作过程中要屈从于当时的艺术法则，“叙事”的结果自然显得生硬，缺乏个性。这一切在文艺复兴以后发生了根本的转变，艺术史在这之后变成了伟大艺术家的历史。这一转变对“叙事性”绘画产生了极其重大的影响，艺术家的权限得到了加强，艺术家可以愈发自由地选择“叙事”的方式，甚至后来艺术家也可以自由选择故事本身，这在过去都是无法想像的。逐渐地选择故事的决策者和故事的叙述者变成了同一个人，即艺术家本人。这给所有的艺术都带来了新的活力，绘画中的叙事题材越来越丰富，手法越来越精湛。

四、“叙事”的方法

“叙事”的方法即艺术家的创作技巧和表现手法。要想完成“叙事”或者是“叙事”完成的效果如何，必然要依靠一定的技巧。下面我们就试着分析通过哪些技巧或手法，可以有助于故事的展现。

首先是情节的选择。在一段故事里必然有节奏的起伏，有铺垫有高潮，通常情况画家会选择情节发展到高潮的瞬间加以刻画，着重表现矛盾最尖锐、戏剧感最突出的场景，这样的瞬间非常有利于观众想像出上一秒的起因和下一秒的结果。这样的经典比比皆是，《创造亚当》、《最后的晚餐》、《召唤圣马太》等等。然而并不是说画家一定要遵循这个规律，也可以选择矛盾爆发前短暂的沉默期，所有的压力都逼近极限，最后一根稻草即将落下，这样的时刻同样非常具有张力，也能调动起观众的想像，在脑海中继续将故事发展下去。例如苏里科夫的《近卫军临行的早晨》。同理，也可以表现情节过后造成的结果，观众一样可以反推出前面的经过，典型的比如《马拉之死》。情节的选择一定程度上就已经体现了画家的水平和修养，也影响着“叙事”的最终效果。

接下来我们借用文学的基本概念，分析画面是如何实现“叙事”的目的的。

我们可以把故事发生的时间和地点两大元素归纳为环境，画家在“叙事”时要慎重选择环境中出现的视觉元素。这个过程还暂未涉及形式感的层面，仅仅是交代环境需要用到的元素。有经验的艺术家都会在这时做减法，排除多余的、可能干扰观众理解的信息。时间可以通过光线、明暗以及特定物体呈现出的某种状态来体现，空间环境的刻画则需要运用透视、色彩等多种手段来实现，当然这些并非必要元素，最终的目的是让观众想像、感受到空间的存在，并不是说一定要在画面上细致刻画出来。我们知道风景画直到十六、十七世纪才逐渐成为独立的画种，之前一直作为画面的背景存在。然而空间氛围的营造非常重要，可以直接反映出画面想要传达的讯息，或抒情惬意，或紧张压抑，一切服务于情节的需要。

时间地点之后便是人物，人物是情节的关键，人物的形象交代出人物的身份，而人物的动态就是画面叙事成败的关键。首先是人物形象，好的艺术家都会积累有意味的人物形象，根据故事情节体现出的性格特点选择其中合适的来塑造，适当的脸谱化是必要的，因为画面不像影视作品，无法通过一段长时间的情节演变来立体化人物的形象。人物的动态是极难把握的部分，在准确刻画的同时需要进行主观地夸张，甚至有意识地变形。在画面中准确刻画动态就很难做到，这需要扎实的基本功，需要从自然中加以观察，首先要符合运动的自然规律，这需要解剖学和透视学的基础知识。其次要符合人物形象的特点，儿童的活泼、少女的轻盈、青年男子的力量感、中年人物的沉稳、老年形象的蹒跚，都需要在客观规律的基础上辅以适当的想像。这样才能让观众相信画面中的形象就是故事中的角色，才可能代入到故事之中。

最后要说明的是形式感的运用，现代艺术尤其是抽象主义的艺术对形式的研究作出了重大的贡献，在创作时画家要充分运用形式之间的张力，比如一条从画面左下角延伸至右上角的线条自然让人感觉到上升、攀登的趋势，再比如微微偏向一边的倒三角形，自然给人即将倾倒的感觉，这些都是单个形式本身的动态，通过多种形式的组合可以产生无限的可能。有了动态就能联想到上一秒和下一秒的状态，就形成了一个静止的“过程”。

不可否认，绘画作为“叙事”的手段存在着一定的局限性，但优秀的艺术家可以超越这种局限，给空间艺术加上时间属性，而这个过程并不是艺术家独立完成的，它需要观众的参与。

五、“叙事”的观众

从艺术接受论的角度来看，观众是完成“叙事”的最终环节，也是最容易被忽视的部分。根据前文的论述，我们可以判断出绘画的时间性其实正是来源于观众的欣赏。艺术家需要做的正是调动观众的经验和想像，完成故事的发展过程。

由以上的分析可以看出，观众在艺术中的地位从来不仅仅是被动地接受，在强调互动性的现当代艺术中观众的地位不断提高，甚至直接参与到艺术创作的过程中。画面是静止的，观众的思绪是千变万化的，这也是动态产生的根源。

从前面的分析我们可以看出，大多数时候绘画并不会讲一个全新的故事，通常的做法是表现某个耳熟能详的神话故事或者著名的历史事件，甚至是当时社会的新闻热点。这一类的故事观众已经了解了全部的经过，艺术家其实是再现其中的某个场景，通过观众的想象更加直观感性地再创造一个完整的故事。这就对观众提出了一定的要求，观众们具有足够的知识储备和审美经验是能帮助艺术家完成“叙事”的前提。

除此以外剩下的一种可能，即绘画是在叙述一个观众事前一无所知的故事，这时绘画能够完成叙事的重要手段便是利用不确定性。因为故事的剧本观众并不了解，而绘画因为 “篇幅所限”，并没有完整的交代整个故事的前因后果，所以对于观众来说情节存在着各种可能的走向，而这种不确定性正可以引发观众的猜测，促使观众揣摩画面的前因和后果。这自然有很大的可能产生误解，但误解在欣赏中是永远存在的，任何情况下都无法回避无法消除。这也恰恰是古老的艺术品能够不断焕发新的生机的原因，不同的时代有着不同的解读。趣味是善变的，而画面的“叙事”需求永远存在。

六、总结

以上从多个角度分析了为何一张静止的画面能够具备“叙事性”，“叙事性”是如何实现的，以及如何充分发挥绘画的“叙事性”。归根到底是对图像语言的驾驭和把握，画面中需要存在动态的张力，同时在画面中隐含着丰富的信息，无论这些是来自内容还是形式，通常来说需要两者兼顾。“叙事性”的绘画之所以迷人，首先是故事内容本身，其次融合了艺术家的想像和技巧，最后又加入了观众的想像和经验。“叙事性”一方面是绘画的基本使命之一，另一方面也给绘画带来了无限的可能，突破了时空的束缚，充满着动态的生命力。

[1]【意】阿尔贝蒂.论绘画，江苏教育出版社，2012.

[2]【荷】梵高.亲爱的提奥，南海出版社，2001.

李建树（1989.7- ），男，江苏省扬州市，硕士（毕业于意大利佛罗伦萨美术学院），三江学院，助教，研究方向：电脑艺术设计、艺术理论。