亨德尔《弥赛亚》中咏叹调的音乐分析与演唱研究

陈展宙

〔摘 要〕巴洛克时期，有一位极其有价值的著名音乐家名叫亨德尔。他一生创作了很多优秀的作品，其中最著名的是《弥赛亚》咏叹调，堪称巴洛克时期的经典。咏叹调是《弥赛亚》作品的重要部分，而这些重要部分由女高音咏叹调与男中音咏叹调组成，它对演唱者的水平要求很高，演唱者在演唱时需注意细节的处理，因为如果细节处理得不好，将会功亏一篑。

〔关键词〕亨德尔 《弥赛亚》 咏叹调 男中音 音乐分析 演唱

亨德尔是巴洛克时期最伟大的音乐家之一，《弥赛亚》是他享誉盛名的作品，自从它问世以来，不断流传，已有两百多年的历史。亨德尔的音乐创作天赋全部地体现在了《弥赛亚》里。咏叹调是《弥赛亚》作品的重要部分，而这些重要部分由女高音咏叹调与男中音咏叹调组成，这些咏叹调对现在的美声演唱有着较大的参考价值，同时对一些学者研究咏叹调和意大利歌剧演唱的区别，也有极大的帮助。

一、亨德尔及其《弥赛亚》

十八世纪初，在巴洛克时代的哈勒城的一个小市民家庭里诞生了一位著名的英藉德国作曲家，他的出生为人们带来了许多不可思议。刚开始的时候他只是跟着当地的风琴师学习音乐，从刚开始的音律学习慢慢发展到学习作曲，在这中间经历了十分艰苦的过程，出师后，他就成为了汉堡歌剧院的提琴师。1905年，他创作的《阿尔米拉》和《尼罗》展示到人们面前，人们开始对他关注。他的目标不仅仅是被人们所重视，他还有更高的目标，并且他一直在为自己的目标奋斗，在1706年到1710年之间，他到处游历，目的就是有更多更好的创作思路，为自己的创作加入新的元素，他不仅仅接触了不同国家的文化，而且在艺术研究上也达到了一个新的高度。1709年，他创作的具有意大利特色的歌剧《阿格里皮娜》问世了，受到了大多数意大利人的喜爱。1712年，他定居在英国，为英国的音乐事业做出了巨大贡献，同时他经常给贫困地区捐款、献爱心，或者在当地举行不收费的演出，这样既可以让更多的人欣赏到自己的作品，还可以提高知名度。1741年，亨德尔又到了爱尔兰首都柏林，这是一个十分浪漫的地方，他在此创作了大量作品，并且举行了很多场大型音乐会。在同一年，他开始创作《弥赛亚》。根据书籍记载，他创作《弥赛亚》共耗时23天，从1974年8月22日到9月14日，《弥赛亚》的出现，改变了人们对清唱剧的认识，它不仅仅是清唱剧，还融入了个人特色。《弥赛亚》的感情基调是雄伟、壮烈，可以称之为清唱剧的史诗级别的作品。亨德尔的一生都在创造新的作品，他的主要作品有：三十二部清唱剧，分别为《以色列人在埃及》、《参孙》、《犹大马卡白》以及最出名的《弥赛亚》，歌剧分别为《水上音乐》、《森林音乐》、《烟火音乐》等，还有四十六部歌剧，十一首管弦协奏曲、四十二首大协奏曲，以及大量的室内乐、组曲、序曲等等，其中《弥赛亚》中的《哈利路亚合唱曲》影响最大，几乎大街小巷人人传唱。

《弥赛亚》大致分为三个部分，一共有五十三个章节，它的每一个部分都讲了不同的内容，主要内容是赞美耶稣。这部作品用咏叹调的形式表现了耶稣来世的预言、降生，以及为了人们而选择死去，最后又复活的过程，着重体现耶稣的伟大，运用了多种乐器体现耶稣艰辛坎坷的一生。这部作品不仅仅是体现了音乐的本身，它更是体现了他对音乐研究方面的努力。

二、《弥赛亚》中男中音咏叹调的音乐分析

1、作品介绍。《弥赛亚》咏叹调的主要部分是男中音，它由五首歌曲组成。《弥赛亚》创作于巴洛克时代，所谓巴洛克，意为不合常规。巴洛克（Baroque）一词本义是指一种形状不规则的珍珠，在当时具有贬义，人们认为它华丽、炫耀的风格是对文艺复兴风格的贬低，但现在人们已经公认，巴洛克是欧洲一种伟大的艺术风格。《弥赛亚》全剧分为三个部分，这三个部分又分别讲了不同的内容，分为序曲、咏叹调、重唱、合唱、间奏等57首分曲，第一部分叙述圣婴耶稣的诞生；第二部分是关于耶稣为拯救人类，四处传播福音以及受难而被钉死于十字架上的经历；第三部分则是讲耶稣复活的故事以及赞美诗。这部作品不仅仅体现了人们对宗教的虔诚感情，更体现了亨德尔的水平之高，这是目前亨德尔所创作的少数表现宗教内容的作品中最出色的一部。

《弥赛亚》的五首咏叹调在整部作品中起了锦上添花的作用，并且为整部作品奠定了感情基调，起到了递进作用。这部作品的主旋律的整个感情基调是优美的，整个作品和声洗练，音乐风格缓慢，大胆地使用西西里民间乐器风笛是非常有创意的，使人眼前一亮，感受到这部作品的不同之处。这部作品的每个部分都需要很高的技术才能演绎，且都具有艺术性，至今还在和声学教学中被广泛采用。整部作品十分经典，其中的情节仿佛一个个故事般使我们留下了回忆，其中最有影响力的是“哈利路亚”这段，它以其震撼的气势，洗练而悠长的旋律，以及教堂圣歌的庄重典雅，而成为传世佳作。

亨德尔的《弥赛亚》之所以被称为经典，其中一个原因便是它的广泛传唱（包括以英文及其他许多语言，当然英文唱的最多），同时它也是基督徒耳熟能详的圣乐。其中以「Alleluia」大合唱最为著名，无论是合唱团还是圣歌队都传唱过这首曲子，它影响了一代又一代人，就像脍炙人口的诗篇一样，深入人心。1942年4月13日在爱尔兰首都柏林的首演是非常成功的，当时演出人数是这样分配的，首演时有18人诗班（6位男童女高音，共有8位男性演唱者，其中有4位男高音和4位男低音，还有4位女低音），这部作品共使用了33种乐器，其中包括弓弦类乐器4种，分别是2支低音大提琴、3支大提琴、4支中提琴和12支小提琴；管乐器3种，分别是2支小喇叭、4支巴松管、4支单簧管，还有1架管风琴和1组定音鼓，乐器之繁多，可见阵容之强大。

在《弥赛亚》第一次公演时，演唱到高潮《哈利路亚大合唱》时，英国国王站了起来并且跟着旋律一起演唱，在场的全体公民肃然起立，跟着国王唱起来，之后就形成这样一个惯例：只要《弥赛亚》这部作品演唱到《哈利路亚大合唱》，在场的所有人就会全部站起，并且跟着一起唱，这并不是一种硬性要求，而是一种信仰，以表示人们对此部作品的尊敬。

在1789年，欧洲最伟大的古典主义音乐家之一莫扎特重编了乐谱，乐谱的改变使演出的人数大大增加，也提高了乐曲的知名度。同一年在伦敦就有275 位人声及248件乐器的记录，由此可见，《弥赛亚》的影响之大。事实上，《弥赛亚》不仅仅是一部作品，它更是精神食粮，它就像我们现在说的“鸡汤”一样，可以使人们受到心灵上的鼓舞，许多医院被重建或是改善得更好，许多基督教徒听了它之后更爱主、爱人，让这个世界都充满爱。

2、作品的艺术特色。首先要说的是这首作品的演唱音区，它并没有将音区设置得过高，这样就避免了男中音出现破音的情况，可以使男中音更好地发挥。其次这首作品的风格符合清唱剧的特色，但又不是只有清唱剧，还穿插了一些自身特色在里面，使人意犹未尽。一个好的演唱对于伴奏的要求是极高的，伴奏和演唱需要互相融合，用伴奏来提升作品的色彩。

三、《弥赛亚》中男中音咏叹调的演唱分析

1、男中音声乐技能的呼吸控制。演唱方法即根据你所唱部分的感情基调来决定你的情绪，如果感情基调为悲伤缓慢的，演唱者就应该多联想自己所亲身经历的不愉快的事情，在歌声中体现出来这种情绪，如果感情基调是热情欢快的，就要联想自己比较开心的事情，表达自己的开心。目前发现，联想法是最快且最有效的方法。呼吸方法是口鼻同吸，但是不能用力过猛，用力过猛就会吸僵，整个上半身如果过于僵硬的话，是不可能唱好的，并且不能提胸、提肩。演唱时，不应该让气先出去，如果是气先出，就会让人感觉你的声音有些“虚”，也就是有气无力的意思，并且声音会很小，传播范围也会减小，演唱时不能紧张，要注意高低音位置的改变，循序渐进。其实演唱时，就如同一块冰块在缓慢地融化一样，慢慢地滴水，不停地渗透地面，或者是毛毛虫破茧成蝶的最后一步，只差那一步，毛毛虫就会变成蝴蝶，这个过程是很艰难的，然后要注意有头腔共鸣，要有“三腔共鸣”，即头腔、胸腔、口腔，演唱并不只是嘴巴的事情，你的全身都在思考，思考怎样演唱才能唱好，这就要求每一位演唱者必须集中注意力，将自己所学到的演唱方法与舞台经验相融合，才能在舞台上更好地进行演唱。

2、个别地方的特殊处理。在演唱时要对作品有一个充分的了解，例如它是哪个年代的作品、它的创作背景是什么、它的创作目的是什么、它是被谁创作的等等，只有充分了解了这些问题，才能更好，更有体会地去演唱它。演唱者必须注意每一个细节，在细节处理方面要细心，在《角声响起》这一片段中，它的基调是庄严、神圣的。唱词“and we shall be changed”（我们应该改变）重复了十次。在重复的过程中，应当发生一定的改变。还有在节奏、感情方面一定要注意，每一个节奏都要精准，尤其是带附点的节奏必须要注意，少唱一拍或者多唱一拍都不可以，就会使整个乐曲听起来很不协调，但是有些地方并不一定要完全按照谱子唱，比如说，在某个地方加上上滑音或者加上下滑音，就会使这个曲子的感情色彩更好地体现出来，让整个曲子听起来更身临其境，使人沉醉其中，从而更好地欣赏音乐，更加直观的看待音乐所要体现的主要内容以及中心思想，还要多增加自己的肢体语言与面部表情变化，使自己的表演看起来不那么麻木，变得生动有趣，着重体现自己所表演的人物特点，要有其自身特色，不可只是干巴巴的演唱，这不只是对观众的一种尊重，更是对自己的一种严格要求，若是不能严格要求自己，效果就会大打折扣。

参考文献：

[1]熊培.聆听亨德尔的《弥赛亚》[J].艺海，2007（2）：50-51.

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