绘画作品中的艺术性体现

肖念

摘 要：克乃夫·贝尔说，“艺术”即是有意味的形式。此种“意味”对不同作者与欣赏者而言，会反映出不同的认知差异，它是随个人的知识结构审美能力、专业水平等各方面的不同决定的。无论怎样，所谓艺术作品，必然是一种有品位的“意趣”的样式作品，能耐人寻味，引人联想发人深思，从中有所启示或领会。

关键词：视；互补；写意；抽象

无论何种绘画形式，对作者而言都是一种所谓艺术性的追求和体验，都必须体现出作品的精神内涵、审美趣味、时代面貌和材料特性，由现实形态转换成艺术形态。这里不仅包括那些吸人眼球的超级写实作品，也包括那些扑朔迷离的抽象作品，世间只要是能称为作品的绘画形式都概莫能外。

克乃夫·贝尔说，“艺术”即是有意味的形式。此种“意味”对不同作者与欣赏者而言，会反映出不同的认知差异，它是随个人的知识结构审美能力、专业水平等各方面的不同决定的。无论怎样，所谓艺术作品，必然是一种有品位的“意趣”的样式作品，能耐人寻味，引人联想发人深思，从中有所启示或领会。

要讨论绘画的艺术性，必须理清一些基本概念。艺术即由“艺”和“术”两方面共同构成。“艺”在前，可理解成作品的本质需求即精神内质、思想内涵、格调品位。“术”在后是作品构成的形式需求，包括工具材料，手法技巧形式要素等，是属于技术层面的，同时是为表达“艺”而产生的，是为作品内涵思想服务的。“艺”是内容，“术”是形式，内容决定形式，形式服从于内容。这正如谢赫的六法，他首先讲“气韵生动”，即是作品立意是内在需求，然后“骨法用笔、应物象形、随类赋彩、经营位置、传移模写”。这些都是形式语言，技术手段，是为传达“气韵生动”而生的。

石涛提出“笔墨当随时代”是艺术创作的永恒宗旨。时代的变更将会产生随时代相符的表达方式与形式语言，这才是具有时代创造性的艺术作品。作为每一个时代的艺术家，必须具备时代敏感性，学古而不泥古。像李可染先生说的“以最大的功力打进去，还必须以最大的功力打出来”。他从传统中来，从而创造出笔墨厚重的山水范式。黄宾虹先生“搜尽奇峰打草稿”师法自然，化于笔端创造浑厚华滋的山水意象。齐白石先生，画在“似与不似之间”的化繁为简，“画到生时是熟时”的简笔山水以及墨叶工虫。这些都是“笔墨当随时代”的典型范例，都是艺术性的高度显现，同时又是个人的技巧语言，笔墨功夫的独特呈现，具有强烈的个人面貌与风格。

吴冠中先生曾提出“形式及内容”，在内容大于形式，主题先行的时代，具有春雷般深远意义。此语的内涵实质是提倡艺术作品应回归语言本体，作品以语言说话，拒绝刻板、僵硬呆滞的指令性作品。发挥艺术作品自身的生命力，回归艺术的春天，他的提倡是要我们重新反思。追溯西方艺术发展史，由沉寂近千年的中世纪从神的桎梏中挣脱，到注重人文主义的文艺复兴，大师辈出。达芬奇、拉斐尔、米开朗基罗、丢勒、荷尔拜因等艺术巨匠们，穷其一生，精研科学倡导艺，创造永垂不朽的艺术杰作，后人为其艺术精神顶礼膜拜。在他们的作品前，也许作品的主题内容不同，但其作品所闪烁出的高超技巧，熠熠生辉，深深被其艺术性地表现所折服。之后再发展到巴洛克、洛可可、浪漫主义、现实主义、象征主义，都以各自的艺术手段与技巧诠释了不同的思想内涵与风格面貌。至此，各种流派皆以写实的技术性语言将会绘画的载体发展臻至完善。绘画发展至19、20世纪初，随着工业革命的高歌猛进，科技创新发明使工具材料反映在艺术领域更是百花齐放，真如过江之鲫。此一时期流派纷呈，星汉灿烂，尤其在色彩的运用上起到了革命性的变化，焕然一新。印象派、后印象派、新印象派、纳比派、巴黎派、立体派、表现派、野兽派，异彩缤纷，各领风骚，皆是由生产力的改革所带来的社会思潮催生出来的。各具艺术表现力的绘画作品，也是由古典主义向现代主义的重大转型，这时的各类作品更多技术材料的探索，造型色彩的突破，是对之前古典主义颠覆性的变革，对后世的艺术发展具有深远而广泛的意义。其所具有的艺术独创性，对绘画作品创造性有启示作用。不仅在当时反映出时代的潮流特征，更对后世的艺术发展提供了无限的现实可能性。

我国古代的绘画注重内心感受追求意境的表达，所谓“逸笔草草，不求形似，聊发胸中之逸气耳”。将画品分成“逸、神、妙、能”等几种等次，以此作为评判画作高下的标准。古人作画以内心观照现实，以笔墨线条皴擦点染的范式替换出符合内心需求的形态，具有高超的表现力与艺术性。“丈山尺水，寸马分人”，以此丈量世界，状物抒情，以达物我交融，天人合一的超脱之境。范宽的《雪景寒林图》气势磅礴，境界深远，动人心魄，以其绵密之笔与蕴烟之墨创造出天地交融之混顿世界。世人对天地山川的无限崇敬，人在其中已然化为无我。东坡的《朱竹图》，作品中形与神的意趣，墨与色的交融，更是典雅清新，淋漓奔放，其作品既有唐宋元人的笔意，又有明清的八大遗韵，既有大胆创新，又有传统精髓。作品中渗透着的文人正气跃然纸上，可谓前无古人，标新立异，开创文人作画的典范。自从文人画的兴起，中国绘画大大拓宽了艺术的表现力。他们摆脱匠气，直抒胸臆，追求内心的理想境界，将现实的情绪化于纸上毫端，虚拟出心中的精神家园。黄大痴、倪云林诸家皆是典型代表，借山水作品幻化其间，以此慰藉平生。画中山水即使桃园，使所有笔墨范式、形式技法都为达到一个目的——梦底家园。这就是古人的内容与形式，“艺”与“术”的互为依存、互为因果的关系，无论古今中外，凡具艺术生命的作品都是作者的情感表达，都是“艺”与“术”的高度统一。只要表现形式能恰当地体现出作者所要传达的内涵思想，或在观者看来有共鸣，甚至产生了更多的意义，这应即是艺术性的表现。技术应用本无高下之分，正如儿童村夫之作，单纯明了，言简意赅。毕加索曾说：“我十六岁就能画得和大师一样好，但我用了一辈子的时间来追求像儿童一样画画。”他還说画画的技巧成分越少艺术成分就越高。因此，艺术性表现并非炫技，不会流于形式主义的肤浅，对于艺术表现，世上没有最好的技巧，只有合适的技巧。

物有常理，画无定法。绘画创作是一种最少常规、最少固定、最多例外、最多变化的精神劳动。其实，我们所说的从无法到有法，又从有法到无法的辨证过程，是具有普遍意义的艺术哲理。学习阶段必须接受规律性知识的引导，才有可能逐渐摸索到艺术真谛所在。等到对规律性已运用得娴熟自如而深得三昧的时候，就要摆脱成法约束，力求变通、标新立异。待嬉笑怒骂皆成文章之后，就到了自由王国此时的无法，并不是法已消失，而是法已根深蒂固中国画论中的“法无尽”和“画无定法”，实际上是法寓于无法之中。

古人云，读万卷书，行万里路。这告诉我门既要有书本知识，又要有实践能力，这是艺术劳动的两条腿。追求意、理、法、趣的和谐统一，主观和客观、生活和艺术、传统和创新的和谐统一，才是高手。“生活为我出新意，我为生活传精神”（石鲁语），要做到既尊重客观对象的本性特征，又强调自我的主观感受，才能做一名无愧于时代的画家。

参考文献：

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[2] 宋小青.论西方油画中主观性色彩的发展与特点[D] .石家庄：河北师范大学，2007：13-14.

[3] 谢光跃.浅析中国意象油画的装饰性色彩[J] .美术教育研究，2012（11）：44-45.