以音乐表演美学视角看胡志平《二泉映月》的演奏

2016-04-13黄玥

山东农业工程学院学报 2016年10期

关键词：二泉映月乐谱二胡

黄玥

(合肥师范学院音乐学院安徽合肥230601)

以音乐表演美学视角看胡志平《二泉映月》的演奏

黄玥

(合肥师范学院音乐学院安徽合肥230601)

《二泉映月》是华彦钧的代表作。作品中如泣如诉的情感令人动容。本文分析著名二胡家胡志平的演奏，从音乐表演美学的视角看演奏，分析演奏中的音乐美学原则和音乐本质，希望对学习者有所帮助。

《二泉映月》；演奏；音乐美学

1.作曲家与作品简介

1.1 作品简介

这首乐曲原为道教的唢呐曲。是华彦钧先生在街头流浪卖艺的过程中，深刻体会到社会的黑暗和人民的疾苦，经过反复加工而成。《二泉映月》的名字并不是乐曲形成时就有，是在这首作品录音时，我国著名音乐史学家杨荫浏先生与华彦钧先生商榷决定的曲名。乐曲如泣如诉，另听者为之动容。这首作品在国内外都享有很高的声誉。世界著名指挥家小泽征尔曾说过：“我应该跪下来听。”他还说：“断肠之感这句话太合适了”。

《二泉映月》的乐谱和录音版本较多。阿炳本人的录音，由于当时身体状况和各种客观条件的原因，听起来比较粗糙且有一定的错误。实际上，《二泉映月》的演奏是没有定论和标准的，还处于很多名家不断演绎的状态。因此，对这首作品进行不断的演奏、学习是很有必要的，我们要对作品进行二度创作，不断研究出最符合作曲家精神本质的处理方式。

1.2 作品结构

《二泉映月》是由六个段落组成的自由变奏曲,整体为“徵”调式。变奏原型由三个乐句所组成。由原型到变奏段，表现音乐形象的不同侧面，情绪一步步加深。变奏有层次的揭示出乐曲所表现的深刻社会内容。第一乐段乐曲以一句下行的旋律作引子，发出一声饱含辛酸的叹息。第二乐段开始有五段变奏，各个变奏的节奏、旋律有所不同，采用多种手段变化组成全曲。同一乐段、同一乐句同时进行扩充、缩减等变奏手法，不同乐句在同一变奏乐段内变奏的次数不一致。这些都使得全曲有更多的变化,音乐形象上也更为丰富多样。乐曲段落分明并带有一定的循环性质。使用了顶真格旋律，前句尾部和下句开头由同音传递。表面看，节奏平稳，实际在内部有着内在的动力和韧性。

1.3 演奏者简介

胡志平，男，(1963－)，二胡演奏家，武汉音乐学院副院长、教授。教育部高等学校艺术类专业教学指导委员会委员，中国音乐家协会二胡学会副会长。2004年作为武汉音乐学院艺术团艺术总监、二胡演奏家赴新加坡参加“2004华族文化节”独奏演出；2007年4月赴京参加“‘盛世弦和’二胡名家名曲音乐会”独奏演出；2007年5月赴香港演艺学院担任到访艺术家并进行讲学活动等。

2.从音乐表演美学的角度看胡志平《二泉映月》的演奏

2.1 表演处理符合美学原则并且体现了音乐表演的本质

2.1.1 表演处理符合音乐表演美学原则

首先，表演体现了真实性与创造性的统一。胡老师在演奏中充分尊重原作，在音乐速度、技法特点上保持阿炳本人录音中的特点。整体演奏在稳定的速度内，张弛有度、结构紧凑。很好的体现出老年男子历经世事的沧桑感。

其次，表演体现了历史性与时代性的统一。由于环境与乐器形制的不同，现在的演奏与阿炳时期会有一定的差别，这就需要将历史性与时代性相结合。阿炳用来演奏的是托音二胡，这种二胡的定音比现在二胡采用的D调要低纯五度，音色相对阴暗、粗糙，而现在的二胡音色明亮、清新。音色上的不同造成演奏上也有区别，现代的乐器适应现代的审美标准，但是要求演奏者在风格、音色上靠近以前，兼顾历史性与时代性。胡老师的演奏很好的做到了这一点，用现代的乐器演奏出托音二胡的音色，给人苍劲之感。

最后，表演体现了技巧性与表现性的统一。

乐曲演奏中，技巧与表现力一直是争论的话题，有的演奏技巧高超，音乐表现力不足，有的注重音乐表现，技巧不达标。技术并不是音乐表演获得成功的唯一条件，更不是音乐表演的目的。它通过表演才能具有自身的意义。最好的状态，莫过于技巧与表现力的完美结合。音乐技巧性与表现性的统一，是音乐表演重要的美学原则。胡老师的表演很好的将技巧与表现力统一起来，在技巧纯熟的同时，也体现出朴实、感人的表现力。

2.1.2 演奏体现了音乐表演的本质——二度创作

胡志平老师的表演充分体现了音乐作品的本质，对作品进行了“二度创作”。在充分认识作品的基础上，加入自己的理解，赋予音乐生命。乐谱是没有生命的，一切要通过演奏家的理解才能出现。演奏者在演绎作品的同时就在进行二度创造，可以说演奏与“二度创作”是同一过程。通过演奏者的演奏我们可以发现“新”的阐释，对于《二泉映月》

这首经典之作有了不同的理解。

另外，胡老师的表演沟通了演奏者与作曲家之间的桥梁，也沟通了演奏者与听众之间的桥梁，使作品、演奏者、听众之间达到共鸣。

2.2 对作品的内涵与形式进行到位的分析，体现了作品的风格特点

在具体处理作品时，演奏者必须对作品进行一定的分析，而分析作品从作品的内容与形式入手。内容与形式是统一体，分析内容从分析作品的对象入手，分析形式从分析手段入手。分析内容与分析形式是同一过程。这就要求我们在把握作品内在精神与内容的同时，将理性分析与感性体验相结合。

2.2.1 对于作品内涵的分析

首先，对于内在精神的分析把握。在演奏此曲时我们要了解阿炳的生活时代及个性。阿炳生活的时代动荡不安，他生活在社会的最底层。他因为经常用时事编曲而深受迫害。但是阿炳从小受道教思想影响，他的音乐并不是一味的反抗，是一边控诉，一边抚平自己的创伤，因此，他不可能像贝多芬一般“扼住命运的咽喉”。在《二泉映月》这首作品中，每部分句尾都以sol结束，体现了作者的希望及对自身的鼓励。在演奏中，胡志平老师充分了解作曲家所处的时代环境、作曲家的艺术道路和创作特征，从而准确的把握作品的内涵。很多版本的演奏都将这首作品处理的很细腻，非常突出“悲”的成分。而实际上原作并不完全是悲的情绪，胡志平老师的演奏准确的认识到了音乐的精神内涵。并没有将悲情扩大化，而是有其积极的一面，充分理解了作曲者的创作意图。

其次，对于作品内容的分析把握。这首作品的标题与音乐内容并不相符。并不能简单的理解为“二泉映月”的景色描写，实际上，这首作品一开始也并不叫《二泉映月》，作者称其为“依心曲”或“自来腔”。由此可见，《二泉映月》只是曲名，此曲重写情，而不是写景，演奏者在演奏时更多的是要传达出作者的心境：泉冷，月冷，心冷。而不是描绘月映泉水的景色。胡志平老师的演奏，透彻的表达了作者凄凉、困苦的心境。胡老师的演奏从“情”入手，准确的把握了作品的真正内容，重在表“情”，而非写景。

2.2.2 对于作品形式的分析

首先，重视谱面记号并且进行理性分析。音乐演奏者为了求得对作品的正确解释，对于作曲家在乐谱上所写的包括速度、力度等各种各样的表情记号必须予以充分的重视。胡老师的演奏重视作品中的标记，对比乐谱发现，基本符合乐谱上的处理。胡老师的演奏，不是将记号简单的解释为力度上的强弱，而是充分理解了乐谱记号的深层含义，对乐句的表情、语气把握都很到位，并且有他自己独特的理解。虽然不是完全按照乐谱的标记演奏，但是基于乐谱而实现的，是在重视乐谱基础上的创造。

其次，理性分析与感性体验相结合。演奏就是从感性到理性，再到感性的过程。演奏者在分析乐谱上标记的同时，深化了对乐曲的认识。对作品的理解也更为准确。这个时候，演奏者同时也完成了从感性到理性的过程。而演奏者在决定对于乐谱中记号的处理方式时，要靠演奏者的主观听觉去判断，这又是一个从理性到感性，由感性反过来指导理性的过程。胡老师的演奏体现了这一过程，他用自己的理解指导演奏，将理性分析与感性体验结合起来，遵循了这一大家公认的，并且是符合音乐表演艺术规律的正确分析方法。

2.3 临场表演时体现了情感与理智最自然的融合

2.3.1 临场表演时体现了投情与理智的统一

理智与情感的表现在演奏中是统一的，演奏者必须做到理智控制演奏中的各个环节，同时对乐曲表现投入情感。任何一方面的偏离，都会造成音乐表现的不完善。

首先，表演者一定要在演奏中投入自己的真实情感，做到真正的“投情”。音乐表演者必须先感动自己才能感动他人。

其次，在表达情绪的同时，始终要有一定的理智控制，充分的表达情感，冷静的控制音乐的一切活动。使情感的表现在可控制的范围之内，使音乐的脉络清晰。也避免由于太过于兴奋或紧张出现失控状态。这种状态对于表演者来说是致命的，任何失误都有可能发生。

胡老师的演奏始终沉浸在一种苍劲又悲伤的情绪中，体会着阿炳的辛酸与苦楚。把自己作为主人公去体会角色、体会音乐。他的音乐具有很强的感染力，触动听众的心灵深处，让听众觉得仿佛真的是一位老者在诉说着尘世的复杂与无奈。另外，胡老师的演奏在投情的同时，脉络清晰，对于情感与理智的关系始终把握很好，音乐听起来自然真挚。

2.3.2 临场表演时情感的自然流露

在演奏中要想自然的流露、表达情感不是一件易事，要求表演者真正把音乐融汇于心，变成自己的一部分。演奏者只有在克服紧张心理的基础上才能做到这一点。胡老师的表演大方得体，丝毫没有拘谨，完全投入到音乐的表现中去，体现了丰富的舞台经验。演奏效果自然、朴素，不多一点矫饰，简洁的表达演奏者与作曲者的构思，合适而准确。有人说过：“只有音乐是来不得半点虚假的。”音乐必须真挚才有可能让听众引起共鸣。矫揉造作都只是一时的炫耀，不能成为经典，能感动人的往往是最单纯的一种情绪。