沈洋与《冬之旅》：一场静谧而孤独的雪原旅行

陈彼岸

上回在《观“中国原创”歌剧（这里黎明静悄悄）》一文中说了好多歌剧的长长短短，搞得像个“砖家”一样，其实，室内乐才是笔者的“真爱”。通常来说，穿套装打领带听音乐会是标配，但对我来说这么正经地带着乐谱去听室内乐很是难得。

沈洋是我大学时代的室友，他是一个既有趣又严谨的音乐天才，2007年就赴英国拿下了世界最高级别的声乐比赛——卡迪夫声乐大赛的大奖。这次，他要在国家大剧院音乐厅演绎舒伯特的《冬之旅》套曲。

《冬之旅》是音乐大师舒伯特最精彩的长篇作品，是人声与器乐合作的作品里无法超越的丰碑，在整个西方古典音乐史中也属里程碑级别的大作。早在2006年，沈洋就曾录制过《冬之旅》的CD，当时他应该才20岁出头。我很好奇这9年时间会给沈洋增添怎样的阅历，来诠释这个作品。

翻看节目册，果然，这次又要“玩高级的”。他与斯特拉迪瓦里四重奏的“小伙伴”们一起，把钢琴部分改编成了弦乐四重奏。要知道舒伯特写的音乐，钢琴部分与声乐演唱完美咬合，每一个字与音符都精准地融合在莫名和谐的意群推进中，敢改动“艺术歌曲之王”的原著，那真是需要很深厚的音乐功底和一颗相当强大的“狗胆”。

《冬之旅》是德国诗人威廉·缪勒在19世纪20年代创作的关于爱情、寂寞、孤独的诗歌集，一套24首，舒伯特用极其动人的感触谱曲成歌。虽与歌剧同属声乐艺术大类，但艺术歌曲却是一种完全不同的音乐表现形式，一般歌唱家在演唱歌剧时习惯了情绪跌宕起伏、戏剧冲突丰富的歌唱表演状态，会很难掌控这种细腻委婉的旋律推进和情绪传递。修养不够的歌唱家往往会忽略艺术歌曲这一门类，以歌曲结构简单、演唱起来不过瘾、不够辉煌不够戏剧性为由，绕开这一领域。《冬之旅》对声乐家和器乐演奏家的要求极高，两者不是简单的演唱和伴奏的关系，人声和乐器需要高度默契配合，并且需要相当的文化内涵，才有能力在音乐诠释时相互交替推动情感和意境延伸，完全是一种高级的精神游戏。一旦投入进去，不管是观众还是演奏者，绝对都是如饮玉露，一种畅快美妙的高阶艺术体验。

上半场是四重奏组合演奏舒伯特的《死神与少女》，这首由歌曲改编的四重奏非常有意思，把短短的几十个小节的小品充分扩展延伸为四个乐章的丰满形式，一边听一边感叹音乐家的充沛想象力。四位来自不同国家的音乐家用穿越300多年时光的斯特拉迪瓦里传世名琴，仔细“讲述”这个关于生命与死亡的、不可逃避的严肃对话。技术上，演奏家们相互之间的配合流畅而精准，痛苦与幸福“游走”在弓弦之间，安详与宁静的情绪穿透时间的束缚，带着观众从容地思考生命的终极问题。

下半场，正题开始。由于是以前仔细研究过的东西，我打开乐谱，仔细欣赏。（咱不搞作品分析，不一一叙述每首歌的细节处理。）沈洋的演唱早已脱离了谈论方法位置的范畴（他大学一年级时就已经摆脱了声乐技术上的束缚），声音成熟稳健，温暖而镇定。熟悉的音乐响起，沈洋把一个个故事“娓娓道来”。

不用说德语吐字的工整精准，音乐表达上既不多、又不少地严格按照作曲家的意图，把谱面的每一个表情记号术语自然而几近完美地呈现出来。一路听下去，我一面沉醉于唯美忧伤的音乐故事场景，一面佩服舒伯特居然用音符承载了如此丰富的情感和细腻的情绪。这是何等高超的音乐描写能力，让一个相隔数个世纪的听众，能完全体会作曲家想传递的思想。更为佩服的是沈洋冷静且充满智慧的音乐表现能力。他的演唱完全贴合每一首歌曲的微妙意境，一点一点精准地释放自己的体力和情绪，分寸、“火候”的把控无懈可击，完整而忠实地展现了作曲家希望通过这部作品希望传递的精神世界。

24首长诗的间隙，没有观众贸然用掌声惊破连贯的意境，听者仿佛在亲身经历这场孤独的雪原旅行：时而跨过冰冻的小溪时而越过坟场，偶尔有乌鸦在头顶盘旋哀鸣；一会儿夕阳沉入天边的乌云，天地陷入无边昏暗；进入梦境看到故乡的水井，想念家门前的大树，醒来才发觉泪流满面；突然，邮车卷着雪花和寒风从身边疾驰而过，不知何时须发已白，无助地在虚幻与现实间漫无目的地蹒跚前行，心里仅存的一丝希望的火种在风雪里微弱地摇曳……

全曲完毕，片刻的寂静中，精神逐渐重回现实，沈洋和斯特拉迪瓦里四重奏组合向我们呈现了一场几近完美的浪漫主义精神之旅。没有加演也没有多余的激动，该有的都呈现在已经逝去的音乐里了。默默地努力鼓掌是观众们唯一能做的，这也许是绝大多数观众在未来很多年里都不太能轻易感受到的艺术体验了。回家路上，我一直在静静回味这奇妙的一晚，并在心里祝愿这几位年轻的音乐家们能在今后漫长的文艺旅途中达到更精彩的艺术高度。endprint