浅析舒曼声乐套曲《诗人之恋》

2015-03-29刘源

潍坊学院学报 2015年4期

刘源

(齐鲁师范学院，济南 250013)

一、德国艺术歌曲的起源与发展

艺术歌曲，主要是指那些艺术情趣较高，在歌词以及伴奏和旋律等方面与大众歌曲或者是民歌有一定差别的歌曲。广义的艺术歌曲，是指德国、奥地利、法国、俄罗斯等国的作曲家以歌德、席勒、夏米索、海涅等浪漫主义诗人的诗歌为歌词，运用一定的作曲技巧以及丰富的表现手法而创作的艺术作品。在西方，艺术歌曲所代表的是知识分子的审美的要求。从一定程度上说，是这些阶层的崛起才为艺术歌曲的出现奠定了基础。

在德国，艺术歌曲占据重要的地位，也是艺术歌曲发源地之一。虽然我们现在所说的艺术歌曲是一种艺术的体裁，是在19世纪发展起来的，但是其本身的发展历史是非常悠久的。在历史长河中，德国的“恋诗歌手”的歌曲是艺术歌曲最早的形式。这种歌曲具有非常鲜明的特点，它们将相对保守的谱曲方法以及德国旋律的素材和传统对位的技巧有效的结合在了一起，得到了大部分德国艺术家的喜爱。在德国，最早的艺术歌曲曲集中，《格查莫歌集》（1435-1460）是其中非常重要的作品，它包含了单声以及三声部的旋律和谱曲，其中男高音声部是主要的旋律。在文艺复兴时期，lied成为了复调声乐合唱，但是发展到17世纪以后，复调的发展遇到了阻碍，取而代之的是单声歌曲，它们的发展迎来了一个顶峰，艺术歌曲的光芒逐渐被掩盖。Lied重要性逐渐减弱，歌曲深受意大利歌曲的影响。

到十八世纪末，德国的艺术歌曲形势发生改变，开始出现了浪漫主义的迹象。它伴随着抒情诗的出现而产生，而抒情诗的出现是浪漫主义开始的重要标志。其中最具代表性的诗人就是歌德和海涅，他们是著名的浪漫主义诗人，擅长通过抒情诗的形式来抒发自己的情感，也把公众的思想和愿望以诗歌形式表达出来。而以这些抒情诗为歌词的艺术歌曲的出现，将音乐与艺术的结合变成了现实。这种结合也使德国的浪漫主义发展到了另外一个高度，使得德国的艺术歌曲进入了一个全胜的时期。这其中，著名的的音乐家舒伯特、舒曼是这个时期最著名的代表。

二、舒曼艺术歌曲的创作特点与《诗人之恋》

（一）舒曼艺术歌曲的创作特点

德国艺术歌曲在十九世纪开始兴盛发展并达到高度繁荣，导致这一盛世出现的原因是多方面的。首先，在这个年代，个人的情感以及理想得到了非常广泛的表达，人们希望音乐同小说、诗歌、绘画沟通，因此艺术歌曲的出现很好的迎合了人们的这种心理需求。其次，是钢琴这种乐器的脱颖而出，声乐的演唱与钢琴的配合这种方式非常符合当时新兴的中产阶级的艺术趣味。因此众多的作曲家对钢琴与声乐结合的方式倾注了大量心血，创作出了很多艺术歌曲的精品。德国作曲家舒曼便是其中的杰出代表。

罗伯特·舒曼（RobertSchumann1810-1856），1810年出生于德国萨克森州。他六岁开始学习钢琴，七岁便尝试创作。因家庭偏见，他后来进入莱比锡大学攻读法律。但他并没有放弃对音乐的热爱和追求，最后冲破了家庭的束缚，放弃了法律的学习，专读音乐。1830年，他师从钢琴家维克学习，后因手指受伤转向音乐创作和音乐评论。其后在莱比锡音乐学院任教。由于精神疾病日趋严重，1854年，舒曼投河自杀被救，两年后逝世于精神病院。

舒曼的作品，以钢琴曲和歌曲居多。在他的作品当中，我们能够深刻的感受到文学的气息，也能够深刻体会到他带给我们的影响。他把从中长篇小说、诗歌里获得的鲜明印象而产生的音乐联想，体现为音乐的形象。

对应艺术歌曲领域来说，他将浪漫派的歌曲发展到了一个空前的高度。舒曼在文学上造诣很深，歌词选择极为严格，尝试用音乐来体现诗句的语调。同时，他更侧重于情感与心理的感受，表现手法更为细腻。他的音乐没有大气磅礴的力量，但却具有沁人心扉的感染力。在歌曲的钢琴声部，舒曼则充分发挥了钢琴的表现力，将钢琴声部位置提高到了一个非常重要的位置与声乐旋律相当，甚至一些歌曲的高潮部分就是通过钢琴的独奏来表现。《妇女的爱情与生活》、《诗人之恋》等是其中的代表作。这些作品大多作于1840年，因此这一年被舒曼称为“歌曲年”。

（二）声乐套曲《诗人之恋》的情节内容

套曲《诗人之恋》共由十六首歌曲组成，讲述的是一个悲情的爱情故事。按故事情节可分为三个部分：

第一部分主要表现诗人和恋人之间美妙的恋爱关系以及收获到真正爱情以后内心的喜悦之情。其中，第一、二首分别为《灿烂的五月鲜花》和《从我的眼泪里面》，分别描述的是诗人渴望得到爱情以及年轻诗人鼓起勇气追求爱情，音乐深刻而形象，细腻动人；第三首为《蔷薇、百合、鸽子、太阳》，表达了诗人爱情到来之后抑制不住的激动心情；第四首《当凝视着你眼睛的时候》，表达了深沉而富有诗意的爱恋之情；第五首《我愿把灵魂陶醉》，表现了沉浸在浓烈的爱情中，诗人的灵魂仿佛要被陶醉。感情表达丰满而充满诗意，歌曲曲调优美，而且钢琴声部极为精彩；第六首《流淌着的神圣的莱茵河》，表述神圣而崇高的爱情体验，同时也表达了诗人对恋人的思念。

第二部分（第七到第十四首）描述了诗人爱情失败被抛弃的悲痛之情。第七首《我的叹息》，是诗人得知恋人背叛后，倾诉心中的愤怒与悲苦；第八首《如果花也知道》，表现的是失恋后的无奈与郁闷；第九首《长笛和钢琴》，表现了诗人目睹自己的心上人与别人结婚的场景，婚礼的热闹场面与诗人失落的心情形成鲜明对比。结尾处，钢琴演奏将诗人的悲伤淋漓尽致的表现出来；第十首《听到那歌声》，一首心爱的人从前唱过的歌，让诗人触景生情，潸然泪下；第十一首《年轻人对少女的爱》，是一首自嘲的叙事歌；第十二、十三、十四首分别是《明朗的夏日早晨》、《我在梦中哭泣》、《夜之梦》，表达的分别是抒情曲的前奏、诗人在失恋以后的悲伤和诗人的恋爱成为了不幸的情歌。

第三部分是最后两首歌曲，描绘了诗人悲伤之后的释然。《旧日邪恶的歌谣》与《不祥的回忆》，歌曲开始果断坚定，表达了诗人与昔日恋情诀别的决心。之后的尾声由钢琴独奏缓缓奏出，暗示了这段恋情将永远沉入大海，诗人的爱情与青春一去不复返。

三、《诗人之恋》钢琴声部的艺术分析

在了解《诗人之恋》的作品内容之后，我们不难发现作品的钢琴声部被提升到了新的艺术高度。钢琴声部对于诗人的内心能够进行细腻表述，能够使得人物形象得到生动刻画，同时能够更加深刻的表述故事情节。下面，我们从音色、线条、呼吸三个方面分析这部作品钢琴声部的演奏特点。

音色，区别于普通的“声音”，是一种带有感情色彩的声响。作为声乐作品钢琴声部的演奏，良好的音色能力是演奏者必备的条件之一。在演奏中，首先脑海中要清楚的知道自己要弹出什么音色，要达到怎样的效果，想在前，弹在后，即“预感”。如第十三首《我在梦中哭泣》，歌曲开始由声乐引入，钢琴声部模仿声乐旋律随之进入，这是一种乐思的延伸，进一步表达诗人的悲伤之情。因此这几个和弦应该是安静深沉的音色。在演奏时大脑意识早到，手指贴近琴键做好准备，触键低而深，从而演奏出应有的音色。当然，不同的触键方式能够演奏出不同的音色，而音乐表达的内容决定着需要什么样的音色，也就是“手段要服从于目的”。在弹奏过程中，轻快的乐段一般采取的是指尖弹奏法。而缓慢以及优美的长句更多的采用指腹来弹奏。另外，声乐作品的伴奏特别是艺术歌曲钢琴声部的演奏，无论是对人声部分的衬托还是呼应，还是独奏部分，弹奏的音色都应该含蓄、控制、有内涵，尽量做到收拢且有共鸣，声音具有穿透力但不过分响亮。也就是要尽量发挥钢琴的物理特性，追求声音的自然共鸣。

线条，如果将作品的每个音看作“点”，那每个乐句便是“线”，歌曲是线的集合体。西洋美声唱法讲求“legato”（连贯），讲求声音、咬字位置统一的线条美。那么，作为合作乐器，钢琴声部的演奏也要遵循这个原则。如第十首《听见那首歌》，最上方声部的单个音符，组成了旋律线条，中声部再加以衬托，好似流下的一滴滴眼泪，形象的描写了诗人听到旧时歌曲触景生情的悲伤情绪。另外还有第七首《我的叹息》、第八首《如果花也知道》等，都是线条化织体的代表。

呼吸，是声乐演唱中的重要技术能力，同时也是声乐音乐表达的重要手段。因此，钢琴声部演奏中的呼吸同样重要，会呼吸的伴奏才是好的伴奏。在声乐套曲中，由于内容情节上的连续性，有的歌曲前奏很短或是没有前奏，就要求钢琴演奏者给演唱者一个明显的吸气口，俗称“肩膀”。这就需要演唱者和演奏者通过日常的练习达成默契。例如作品第十四首《夜之梦》，这首歌曲没有前奏，整首作品速度较为舒缓，以弱起的八分音符开始，演奏者就要等演唱者调整呼吸，然后给“肩膀”。有的作品没有前奏，而且声乐旋律部分和钢琴声部的音符较为密集复杂，速度较快，因此，要求演奏和演唱者都要具备较快的应变和反应能力。比如第八首《如果花也知道》，开头便是快速的三十二分音符，气口就需要由钢琴演奏者给出；还有第三首《蔷薇、百合、鸽子、太阳》，作品短小，声乐旋律是密集的八分音符和十六分音符，而钢琴声部也是由短促的十六分音符的分解组成。除了开头两者要共同呼吸外，作品进行当中也需要钢琴做必要的衬托，拉住声乐演唱的速度，给演唱者更多的呼吸余地。另外钢琴演奏本身的呼吸问题也极为重要，但在演奏声乐作品的钢琴声部时，乐句的划分、呼吸的位置并不完全以音乐本体为标准。有时候要根据歌词语言的特点、演唱者的气息能力等等进行适当调整。