只此青绿

张沁莹

导读：美术课堂教学中的色彩搭配，在整个美术课堂教学中是比较薄弱的。色彩无处不在，它不只是人们对美的需求的一种体现，也能从多个角度和层面对人们的精神生活和物质生活产生某种程度的影响。相关资料证明，人们对色彩的运用早于对线条的理解。在国画教学中，最突出特点就是画者对色彩的调配。在满足了对色彩的基本生活需求之后，我们会持续地将它转变为自觉的精神层面，并不断展现出其自然、象征、装饰、模拟和单纯等特性，通过色彩的搭配来塑造情感。

一、随类赋彩

“随类赋彩”是我国传统水墨画独有的表现手法。这一概念最早由南北朝时期著名的艺术家谢赫在著作《古画》里提出，同时也是对我国书法与绘画技巧的一种高度总结。“随类赋彩”不仅是国画中的色调准则，还是我们衡量和评估国画质量的关键指标。“赋”不仅是指给画的对象加色，还指“赋色”，即在中国画中给被画的对象加色，适当调整颜色。在创作国画时，色彩的搭配和运用要顺应画物本身的特点，色彩搭配要尽量与画物相近或一致。古代中国画家通常将黑白视为自身的独特颜色，坚信它们不能与其他颜色混合。当人们谈论到中国画时，黑白两种颜色总是被想象出来，在创作过程中起着关键的作用，其他颜色处于次要位置。受儒、释、道三种宗教观念影响，中国的绘画艺术更强调与自然的和谐共生和深邃的精神境界。为了实现这一审美追求，艺术家们常依据自身对所绘物体的认知，依照颜色的类别原则，采用较为抽象的方式，把心中所有想描绘的色调全部呈现于画面中，融合被绘物的特性。随着时间的推移，色彩分类的绘画法已然成为中国绘画的核心思想。

所以，教师有必要充分利用艺术课程的独特吸引力，通过生动活泼丰富的方式展示美术内容和策略，激起学生对读书的热情，使其将这些热情转变为持续的感情态度。例如，我们可以安排学生速写漓江的自然风光，与李可染的国画《江南春雨》进行对比。这样既能激发学生对自然的热爱和对艺术的兴趣，又能通过写实的场景，让其结合比较艺术家的感受与画家的作品，体会艺术与自然的联系和区别。

二、“意”往情深

通常，中国画的创作理念和审美观念都展现了一种独特的中国哲学。很多画家不仅坚持绘画对象本身的艺术性和文体特点，而且还赋予中国画创作以绘画对象所代表的色彩，称为“意向色彩”。对“意色”这一概念的深入研究，我们可将其拆分为两个部分：一是指向画面主体具有的形式属性；二是代表着作者对其描绘主题在内心深处的寓意解读。那么，究竟是哪个方面更为重要？中国画中色彩的运用，也反映了画家在创作时想要表达的情感和思想。

元代水墨盛行，尤其是“文人”画。元代知识分子受到压制，加上赵孟頫书画理论的影响，借笔墨画精灵的文雅画家层出不穷。文人画是一种表达个人情感的方式：追求笔墨趣味，提倡水墨免洗，王冕就是其中之一。王冕的绘画风格是描绘野生梅花而非栽培梅花，他并不喜欢后者。山梅花的枝条笔直笔直，不像官方的梅花，枝条是扭曲的，媚俗的。“梅花画梅骨，人如梅花般纯洁。”王冕描绘的梅花反映了个人的内心世界。他的创作动机显露无遗，即和其他文人画家一样，在画梅花时，借物抒发心声，抒发胸中的舒畅。在他的画中，梅花犹如铁卷，虽不上色，却能清晰地表现出千花万枝的笑姿。王冕还发明了用胭脂画去骨梅花的方法。王冕多做长树干大枝，重在以毛筆书法，粗壮，求力，以笔轻枝，充满枝桠的弹性。

教师可以指导学生鉴赏王冕所绘《墨梅》的颜色。这是一种艺术家对绘画制作的认知和体验，期望通过这种方式传达他们的想法。颜色的分类则是把颜色应用于绘画主体自身的线型及风韵中，利用智慧的方式使用颜色，提升绘画主题的艺术特性，让描绘的内容更显著明晰；画面色彩展现的是画家的色彩技巧。在此过程中，他们深化了对艺术创造的认识，同时抒发了借助绘画作品传递观点的心情，使得中国的水墨画拥有了更高层次、更精细的意境和深厚的含义。情绪化的色彩，也使得中国画不仅停留在单一的色彩或形状的填充层面，反而具备了更多生命力。

三、情感构建

（一）丰富的感性认知

在中国画中，色彩常具有象征意义。不同的颜色代表着不同的情感、意境或象征着特定的文化符号。例如，红色通常代表喜庆和热情，蓝色则象征着宁静和深远。画家可以根据画作的主题和意图选择适合的色彩表达情感。

对每一幅中国画来说，无论追求什么色彩，都必须通过一定的色彩结构来实现。在国画教学中，在处理客观对象复杂的色彩结构时，教师要引导学生创造整体的色彩布局，利用对比色、补色等色彩关系协调形象，运用色相、明度和其他变化提升图像的纯粹性，公平分配图像，呈现作品的主观意境，构建画家的主观情感。鉴于艺术创作主要依赖感知体验，这是人类思维活动的初始阶段，只有当人们的审美需求得到充分满足后，才有可能实现全方位发展。由此可见，中国画的颜色元素相较于线描更能触动观众的视觉感受，对构建与传达情愫具有关键且显著的影响力。目前，在高校艺术系学习中国画时，广大学生不仅要熟悉色彩的属性和特点，还要灵活学习和运用知识，依据各类创作思维挑选出各式各样的色彩呈现方法。通过参考和研究不同颜色的特点，可以及时加强和削弱色彩指标。通过各种颜色之间的相互作用，图形展示了多样的颜色构造。这不仅推动着我们积极创新，还使得图形的独特性和个性的展现更加突出。同时，通过把颜色和图形其他的视觉元素巧妙结合起来，让它们更好地适应艺术家内心的主观感受，颜色成为传达感情的有效艺术手段，能进一步反映对美的探索。这样他们就能在更广阔的领域更自由地发展，更好地服务于工作的情感精神。

近年来，中国画在各个方向迅速发展，各种风格和流派的绘画层出不穷，竞相美化。然而，无论是何种风格的国画作品，都离不开色彩的固有特性及用色彩表达情感的初衷。这些元素以更为广泛的基础展示更多精神感情，进而实现对作品内外的深层情绪调和。由于它能刺激人类视网膜上的感光细胞，使得颜色的变化影响人们的视觉体验，艺术家需要深入理解颜色的特性，在艺术创作过程中充分利用它的优势。

（二）生活艺术材料

艺术来源于生活，却高于生活，学生在美术创作时不要局限于水彩笔、油画棒等，教师和家长应培养学生学习传统文化的意识，弘扬中国文化的博大精深。这样可以拓宽学生对艺术的认知及视野。通过使用不同的方法创作，可以让学生体验不同的创作风格和乐趣。

艺术课程应包含创造性的情感活动，如果没有想象力，就没有情感刺激。在教学中，教师可以让学生自由联想，表达自己的感受，也可以通过提问培养学生的想象力，激发学生的情感。通过这种以问题为基础的方法，可以指导学生在课堂上积极参与学习，对画中人物朴实乐观的生活态度产生更深刻的认识。教师要教会学生热爱生活，使他们正确认识学习的性质和内涵，达到情感教育的目的。中国画简洁的图像包含的情感并不枯燥，反而非常丰富，可以通过色彩、形态、线条等视觉符号带给作者独特的视觉体验，使其提取精华加以欣赏。当人文背景紧密相连，欣赏者便能与作者产生共鸣。很多绘画大师都用一种非常独特的方式表达自己的情感，同时表达对安静的一种追求。他们生活在纷杂的社会中，对大自然的向往非常强烈，喜欢利用纯美的色彩表达自信和洒脱，用油画创作展现独立的世界，营造诗人般的梦境，表露很难在现实生活中找到的那份洒脱。所以，每一次的创作都能体现复杂和简单之间的相互依赖，这是一种生活与现实相互作用、周而复始的过程，能体现出内心新的境界。

（三）色彩的情感表达

颜色在中国绘画中的重要性和基础性毋庸置疑，它被视为传达艺术品精神世界的关键手段。透过对中国绘画意境两项特质的研究，我们可以发现“意”主要反映的是艺术家个人的感情成分，而“景”则是对画面情境的主观呈现。两种角色在意境中的融合，使情感与自然景观完美交融，实现天地一体的目标，引发观众的心灵共振，激发无尽的遐思和幻想。挑选中国画颜色的过程中，艺术家往往会根据不同色调传递各种情绪和含义。例如，红色常被视为激情和红色火焰的象征，而蓝色则代表温柔和包容，而蓝色则可以传达一种平静和活力的感觉，黄色则代表光明、力量和希望的能量。根据作品的主色调，画家可以选择冷色调或暖色调，更好地表现绘画的场景。由于不同类型的色彩协调和色彩应用，画家绘制的最終场景可以达到近乎完美的效果。为了展现我国壮丽的山川，我们可以运用笔墨交织的技巧，通过墨色与黑色的对比调整，实虚相融，带给人一种稳重大气的视觉感受。在描绘早春的景象时，我们可以用蘸色的方法，用细细的绿笔勾勒出柔软的绿色花蕾和娇嫩的花瓣，更好地表现出事物在早春生长的意境。中国画通过选择和调整色彩的明亮或浓郁程度，展现出一种平稳、鲜艳或浓烈的氛围，为观者提供了更丰富的视觉效果体验。

（四）笔墨情感表达

传统的中国画法主要依赖笔墨，将黑白作为全部画面的基础色调，强调阴阳和谐、阴阳融合的理念，展现中国丰富的文化内涵。水墨画的价值在于色彩的简洁明快，没有不必要的色彩点缀，总的来说少胜于多，强调场景的原貌和绘画的重点。它忽略色彩的绚丽，追求内心的平和与宁静，给予人们梦想和无尽的发展空间，将情感表达得淋漓尽致，使整个画面充满强烈的气势。黑与白的和谐结合可以摆脱颜色过载带来的视觉效果，更能激发观者的感官，使观者产生情感共鸣，更关注绘画主体和画家的真实感受。同时，得益于笔墨的技艺，明暗色彩的对比、墨色的深色控制及相应的空白空间可以营造凝重或优雅的视觉效果。画笔墨描绘的景色涵盖各种元素，既能展示马匹的雄伟壮观，也能描绘小河的精细之处，同时也能揭示画家对景物的感受。它包含画家对社会现状和周围事物的感受，更容易让读者领略画家的崇高世界。它还可以代表着世界上孩子们的悲伤和委婉的感情，有着丰富的技巧和无穷的魅力。通过绘画意境，我们可以更好地展示博大精深的中国文化和文化遗产，从而更好地传承中国画。

四、绘本案例

国画绘本《颜色里的中国》是一本以中国传统国画为主题的作品，它通过色彩的运用来表现中国的文化和风景。在这本绘本中，色彩的表现通常通常使用传统的中国画颜料，如墨、朱砂、石青等。这些传统颜料具有浓郁的中国文化特色，能营造出独特的氛围和情感。

在国画绘本中，色彩往往具有隐喻功能。国画绘本中的色彩运用技巧非常独特，常使用淡墨浓彩、水墨渲染、白描等技法表现不同的主题和情感。通过运用不同的色彩层次和渲染效果，绘本画面更加生动有趣。国画注重色彩的和谐与平衡，追求整体画面的统一感。在绘本中，色彩的运用往往遵循平衡、协调和谐的原则，使得画面更美观和平衡。

概括地说，《颜色里的中国》这本国画绘本通过对颜色的运用，成功地展示出了中华文化的特殊风采与艺术韵味。它既传达了情感和意境，又展示了中国传统绘画的技巧和审美观念。

五、结语

在中国的绘画艺术里，形象仅是表达内心世界的载体，颜色被转化为一种能更好地表现事物精神和传达作者生命力的工具。所以，选择主要的颜色成为作品创作的关键环节。通过对事物的本质理解并以此作为起点提取、放大或修饰，可以让用感情驾驭颜色的方法达到极致的效果。中国画创作中的思想感情和志向在创作中非常重要。例如，在中国山水画中，青绿色和水墨色反映了不同的审美心理。无拘无束的墨色和淡雅的笔触相互交织，构成了一个独特的象征，隐约地揭示出中国古代哲学的神秘性及生命释放的情感。通过细心观察生活中的点点滴滴，学生可以发现创作素材，运用国画的方式表现作品，勤于动脑和思考，乐于收集和整理，提升审美眼光。在教授学生艺术的过程中，我们致力于塑造他们的个性特质，引导他们对美好事物进行深入理解和观察，激发他们绘画的热情，让他们最大限度释放自然本能，使身心得到最大化的发展。让我们和学生一同欣赏中国画的人文内涵和艺术特色，感受中国传统绘画独有的美。