中国山水画笔墨语言的美学意蕴

2023-11-04王建平

中国民族博览 2023年12期

王建平

（天水市秦州区藉口中学，甘肃天水 741014）

山水画是中国画的重要组成部分，其中山水画的笔墨是最具特色的元素，也是古代艺术家最伟大的创造之一。中国山水画之所以在美术界占据重要地位，其中一个重要的原因就是笔墨的精妙，其笔墨所创造出的意境美，即便是真山真水也难以达到这种境界。艺术家通过山水画的笔墨来抒情言志，表现了对人生的兴叹，因此山水画的笔墨所描写的景物，既来自于作家对自然界的深刻认识，也来自于艺术家的内心感受，是自然性和人文性的高度统一。中国山水画的笔墨在描绘景物时，还传达了艺术家多方面的艺术气息和审美追求，具有非常深刻的美学意蕴。笔墨不仅具有自身的美学意蕴，还不断与时俱进，很多近现代画家把中国山水画与西洋素描和油画结合起来，可以弥补中国山水画在色彩上的单一性，更加突出中国山水画的美感。因此，本文将对中国山水画笔墨语言的美学意蕴进行探究，以期充分认识中国山水画笔墨的精华。

一、山水画笔墨本体的美学特征

（一）笔法的意蕴

中国山水画的笔法，有中、侧、逆锋等变化处理。其中中锋用笔本身源自书法，在明朝中后期时被山水画借鉴过来，具有鲜明的美学内涵。中锋用笔的特色是笔力雄厚，体现了艺术家求真务实的态度。在线条上讲究沉着、浑圆、饱满，不倡导尖、飘、浅，这体现了中国山水画笔墨的独特审美标准。中锋用笔几乎集合了所有笔法的优点，相比来说侧锋具有浑厚、凝重、简洁、洗练的特点，虽然变化比较多，但是更注重巧妙性，有时候笔力会显得飘薄，因此部分艺术家不提倡此种笔法。一些大师级的艺术家，认为中锋是正宗的笔法，体现了中庸和正大的儒家审美规范。在实际的山水画创作过程中，自然对象和作者情感是不断变化的，因此在笔法的运用上，也会千变万化。真正创作到情浓时，再区分每种笔锋也没有什么意义。历史上很多山水画大家也是中侧锋并用的，比如黄公望的《富春山居图》，就既包含中锋笔法，也包含侧锋笔法，但是不影响该作品流传千古。还有李可染的线条，即便是在半寸中也能实现变化，傅抱石将侧锋和散锋并用，也极具创造性。因此山水画的用笔要符合生活，体现虚实结合和刚柔并济的美感，才能体现出更深刻的美感。

（二）皴法的气象

皴法在中国山水画的表现手法中处于核心地位，与笔墨有着密切联系。皴法是笔法的延续，在表现山石结构上具有恰到好处的作用。皴法不仅能表现山石结构，还能用在草木疏淡的描绘上。从客观实际来说，南方的山石和北方的山石存在明显区别，因此在山水画中，北方山石主要是用斧辟皴，可以展现北方山石的雄浑壮观和阳刚之气。南方山石主要用披麻皴，具有圆曲柔混的特点。皴法的运用在各个朝代经历了较大的变更，比如在五代时期，范宽使用的雨点皴和芝麻皴，可以表现出山头黑沉沉的密林景象。在元代时，把宋代的湿笔方法进行改进，运用干笔皴擦，寻求墨的干淡效果，更能体现出山水的意境。代表人物有倪瓒，笔力虽然轻柔，而且运用干淡的墨比较多，但是恰到好处的表现出太湖地区地形地貌的真实特征。清朝的秦祖永，更加详细的论述了皴法，他认为一石之中有三面，如果先勾一石，就只有一面，左皴数笔，右皴数笔，就是三面。从自然对象中可以得出山的皴法，可以看出皴法和勾勒等技法，受到自然对象本身特征的影响，自然对象的形态、轮廓、起伏和光线，会影响皴法的运用。虽然皴法是一种程式化的笔墨技巧，但是并不僵化，在皴法不断发展的过程中，山水画的美学意蕴也越来越突出。

（三）墨法中的文化与美学精神

1.水墨的韵致

“笔墨”作为绘画术语正式提出是在晚唐五代时期，距今已有一千多年历史。在古人的观念中，黑色是五色的组成部分，因此黑色也是彩色。到了唐宋之后的文人画中，对黑色运用的越来越多，也就是使用墨成为山水画的主流。即便现实世界是五彩缤纷的，但是在山水画中都大多呈现出黑白两色，用浓淡干湿来表现色彩的变化。墨法的成熟是在水墨山水出现之后，水墨是山水画成就最高的内容，也是很长一段时间中国画的代称。水墨是一种象征的颜色，可以对万紫千红的彩色世界进行综合性表达。唐代王维也十分推崇水墨，认为“水墨最为上”，因此很多人都把墨当做是高雅的代表，彩色的作品才是艳俗。清朝的唐岱还把墨分成了“六彩”，即黑、白、浓、淡、干、湿。这体现出人们对内在伦理道德的推崇，甚至对于人的感官生理刺激表现出摒弃的态度，显示出文化规定性。水墨中的色彩从浓淡干湿进行变化，体现了层次变化和山水之间不同的质感，需要创作主体对情感有灵活的控制，是心灵与形象的融合。从墨法的技巧上来说，“六彩”体现了浓淡层次变化，从墨法的趣味上来说，对墨法的运用体现出闲适飘逸的气质，好似雾中看花的艺术境界。

2.色彩的情致

色彩和水墨一样，都具有特定的象征意蕴。青绿是一种人文色彩，具有勃勃生机，具有富贵华丽的气息，因此适合描绘宫廷作用，也符合民间的审美趣味。古代画家擅长用青绿作画的人很多，比如董其昌的《昼锦草堂图》，就是运用了石青、石绿和朱砂进行皴擦，非常明艳醒目，极具风华。到了元朝时期，在文人学士中兴起了浅绛山水画，因为这些作画者都有着比较高的文化水平，所以他们内心也追求摆脱世俗，在创作山水画时使用了浅绛色彩，较为疏淡，符合失意文人的内心世界。两种色系体现了中国哲学的中庸思想，就是不求色彩的冷暖，也不管科不科学，只要求情理，使得山水画的人文气息更加浓厚，山水画的意境更加突出。从明朝到清朝期间，山水画笔墨的独立性越来越强，水墨取得了压倒性的地位，直到今天，山水画仍然以水墨为主，色彩只是处于辅助地位。但是这也导致人们对山水画的知觉感受缺少刺激性，客观上来说山水画少了一些美的色彩和丰富的意味。在近现代的山水画作品中，一些知名画家并不只是单纯运用水墨。比如张大千和刘海粟，他们在泼彩时也很夸张，使用具有抽象意味的大红大绿，色彩的效果也像墨色一样，可以发挥到极致。水墨与色彩的融合，可以更好的体现作者的心情和情绪，进而为山水画增添人文精神和情感价值。

二、山水画笔墨中的人文精神

（一）笔墨虚实论

虚实结合是中国山水画重要的艺术手法，而且应用的历史很长。中国山水画在营造空间美学时，常常讲究虚实相生，认为没有景象反而更精妙。在一幅作品中，可以在没有笔墨之处或者用笔松动之处用“虚”写，在用笔沉着和用墨浓重之处，用“实”写。在笔墨应用方面，按笔代表实，提笔代表虚。空白没有笔墨的地方，可以给人无限的遐想，含蓄的表达作者的情感，观赏者需要用充足的想象力去联想，因此可以给人不同的意境。无论是虚处还是实处，都要用浓淡干湿表现笔墨变化，呈现出虚中有实、实中有虚的感觉，这样才能形成完整的意境。在画面的留白处，比如天空、云海、水光等，都不需要用到笔墨，但是实际上也是有实物的，这种不特定的意象，是作家故意留出来的供观赏者想象的空间，营造出空灵的境界。在这种虚处，最能体现出画家的用意技术。中国山水画中的虚实，代表了光、空间和云水树石的趣味，这种与虚实相关的气，直接影响画面的意境。笔墨的虚实是体现自然事物生趣的重要技巧，在虚实结合中体现了笔墨精神，也凝聚着画家的人文内涵，可以把观赏者带入到一个独特的审美空间当中，是自己的心灵与自然的结合。

（二）笔墨与气韵

“气”这个字最早是中国哲学的元气论提出来的，由此也产生了“韵”。魏晋时期的画家在创作时，重视绘画艺术精神，在作品中传达人物的精神个性，将此作为艺术创作的主要目的。在这种时代背景下，“气韵生动”成为很多山水画作品追求的较高目标。将优秀传统文化中的“气”应用在绘画艺术中，提升了绘画作品的人文精神，通过笔墨来彰显自己的情感态度。在很长一段时间的山水画作品中，气韵都是评判的重要标准，甚至是绘画的第一法则。最开始“气韵”是表现人精神的词语，在山水画中，气韵更多的表现在自然景物的韵味，画家用笔来论气，用墨来展示韵味，用笔可以达到气势壮阔的审美境界，具有超乎想象的审美效果。在用墨方面，墨的浓淡深浅都可以呈现出不同的韵味和质感。韵的产生离不开气，没有气就没有韵，没有韵也不能展现出气的生机。气韵为山水画提供了生气，鉴赏山水画时，是否有生动的气韵也是重要标准。笔墨和气韵的关系是相辅相成的，就像天地元气相会合那样自然。

（三）笔墨与自然生活

笔墨是画家创作出来的作品，凝聚了深厚的人文精神，自然界也无法达到水墨的内涵，但是水墨创造的源泉是真正的山水景物，如果没有大自然提供真正的实物，笔墨也就不能形成。自然与艺术，既存在不同，也各有长处，因此笔墨蕴涵着传统的自然美学观念。笔墨不仅有其自身的精神性，而且对自然景象的描绘具有造型和写实功能，笔墨最早是在呈现山水的外形和阴阳景象方面使用的，在今天的山水画中仍然使用。虽然很多文人志士寄情山水，但并不是每个人都能遁入山林，因此山水画可以代指自然。笔墨能够在描绘自然景物的同时，把创作者的感情寄寓其中，笔墨始终在具体的画面中存在，笔墨的使用方式直接受到山水景象的影响。大自然为山水画提供了丰富多彩的形象，而且自然景物本身具有丰富的视觉效果，可以激发创作者的表现欲望，让画家能够用多种笔墨去表现景物。比如米元晖创作的《潇湘白云图》，借助洞庭湖的实景进行创作，根据南方雨景的特点，运用了米点的笔墨形式，十分符合当时的自然景象。再如董其昌在画树木的时候，用笔非常多变，能够把树木的参差不齐和各种肌理表现出来，体现出笔墨形态和自然物象的对应。

（四）笔墨蕴含的人文精神

古人在作山水画时，一定要先学点文化知识，懂得写诗和儒学，先成为文人，之后才能开始作画，甚至把作画当做是业余的职业。儒家思想对山水画的笔墨追求产生了很大影响，写意山水画一直占据主流位置，因此山水画大多蕴涵着深远的意境。比如苏轼在他的《枯木怪石图》中，一株古木从怪石一侧倾斜而出，怪石似卷云皴，实则无皴法。虽然与实际事物不很相似，但这是作者自遣的方式，用笔墨来抒发自己心中的盘郁之气。这体现出文人作山水画，不讲究形似，主要重视传神，而且将自己的情感隐藏在其中。近代徐悲鸿提倡写实主义，认为一切造型艺术都要把素描当做基础，这对中国山水画的形式产生了极大影响。在之后的笔墨风格中，讲究干净的用色，不用宿墨和脏色，体现了新的时代对笔墨的审美特征，也对后来的李可染、石鲁等产生重要影响。笔墨审美观的转变也体现了民族成长的过程，山水画的这种阳刚之气，正好体现出了民族意识的觉醒。