平面设计与绘画艺术视觉构成的形式美

林伟欣

摘 要：随着时代的不断进步与发展，人们的生活水平得到显著提高，人们逐渐加强了对精神文化的追求，越来越多的人加强了对艺术领域的关注，特别是在平面设计方面与绘画艺术视觉构成方面，这二者的关系是非常紧密的，在个性方面以及构成元素方面等具有一定的差异性，通过各种元素、关系的协调表达，实现变化与统一的融合，从而以更加和谐、更加完整的形式呈现出来。形式美主要是对关系元素整体与部分以及部分与部分的把握，通过有序合理的处理整合形成关系，构成独特的画面，呈现出不同的视觉效果。

关键词：平面设计；绘画艺术；视觉构成；形式美

中图分类号：J51文献标识码：A文章编号：2096-0905（2023）17-00-03

在艺术领域中，评判视觉艺术是否是成功的、完美的需要较高的要求，艺术作品想要实现视觉艺术的成功，对艺术家提出了较高的要求，需要在其中投入大量的时间与精力，不断对艺术作品进行提炼与优化，从而将富有美感与艺术的形抽取出来，基于此对恰到好处的关系进行合理把控，将形与关系进行对比与融合，从而营造出具有美感与艺术感的视觉效果，让观者获得较好的视觉体验。

一、平面设计与绘画艺术视觉构成的关系

平面设计具有较为悠久的发展历史，从艺术起源的角度出发，无论是平面设计还是绘画都是独具特色的，二者之间具有非常紧密的联系，平面设计的发展从原始宗教活动中就有所体现，为其注入了灵魂与思想。

平面设计与绘画艺术视觉构成具有非常紧密的联系，从人类社会发展角度出发，祖先在生活发展中为了记录、传递信息等创造了各种各样的图形、文字与符号，随着时代的进步与发展，这些符号、图形等更加形象与完善，被人们以不同的形式组合、编排在一起，从而赋予它们不同的含义。编排、布局等因素在平面设计中是非常重要的一部分，同时图形在演变中推动了图形描绘的产生，在此基础上逐步形成绘画艺术。由此可见，平面设计与绘画艺术视觉构成是相互联系、相互促进、共同发展的[1]。

随着社会的不断发展，人们在富足的生活环境下加强了对艺术的重视，在近几年中，越来越多的人投入对绘画艺术的关注中，成为上层社会精神需求，是重要的一项艺术形式。从实际情况出发，当前平面设计的发展并未跟上时代发展的腳步，发展是较为缓慢的。通常情况下，一幅绘画艺术作品中由画师完成设计活动方面的工作，由手工艺者完成制作方面的工作，在这种传统设计艺术模式下，与其他作品相比较绘画作品的艺术美较为突出，对画师以及手工艺者的要求相对较高。想要实现这一目的，就要在其中投入大量的时间、精力与财力，在经济财力的支持下实现专业能力以及艺术修养的提高，从而实现纯艺术的美。但是，在群众的日常生活中，这种纯艺术的美是较为突兀的，与大众的审美水平是不相符的，逐渐脱离了群众的日常生活，形成一种新的体系，推动新艺术道路的发展，为精神需求与物质需求的结合提供动力，打破单一的追求精神需求的界限，形成全新的艺术学科，能够有效地推动平面设计意识形态的优化与发展，进而明确核心内容[2]。

二、平面设计与绘画艺术视觉构成的差异

（一）个性差异

在个性方面，平面设计与绘画艺术视觉构成具有一定的差异性，主要从活动方面体现出来。其中，平面设计对创意活动更加关注，创意思维在平面设计中是一个过程。而绘画艺术则对绘画的过程更加关注，创意思维是较为重要的，是对再创造的想象，是一个想象过程。所以，在创意思维方面，绘画与平面设计是完全相反的。平面设计与绘画艺术视觉构成对设计者的要求是相对较高的，在观察力方面、表现力方面以及概括力方面都要远超常人，只有这样才能将设计者的价值充分发挥出来。同时，在设计中还要将设计者的积极性与主动性充分激发出来，对设计者的个人潜力进行深入的发掘，从而创作出更有艺术性、更具美感的艺术作品。在艺术设计中不仅要保持独具特色的个性，同时还要加强对商业性与社会性的关注，只有得到群众与社会的支持与认可，才能更好地实现艺术作品的价值。因此，要对相关要求进行严格遵循，保持正确的价值观念，积极参与市场竞争，从而通过信息传递，强化与消费者之间的联系，实现艺术价值、社会价值与经济价值的统一与融合。

在平面设计中，能形成一种印象实现快速传递，在这个过程中会给观者留下不可磨灭的印象，对观者的记忆进行强化。想要实现这一目的，就需要设计者从多角度出发，在彰显个性的同时，与社会发展情况和群众需求等相结合，对制造者方面、消费者方面以及销售者方面进行全面考虑，不断进行优化与改进，从而满足各个方面的需求[3]。

（二）构成元素差异

在构成元素方面，平面设计与绘画艺术视觉构成也具有一定的不同之处，在绘画中形象元素是主要构成元素，在此基础上进行信息传递，引导观者形成自己的观点与思想。在这其中，对于观者的审美能力、艺术水平、文化专业等没有具体的要求，观者基于想象元素发挥主观能动性，形成独立的思想，从而将自己的想法、情感与创意等充分地表现出来。在平面设计中形象元素则更为简单、易懂，以简单直观的元素呈现到观者面前，能够缩短观者的信息辨别时间，加深对艺术作品的认识与理解，呈现出较好的视觉效果，推动信息的传递。在平面设计中，主要有三个构成要素，分别是图形、文字的版式以及排版，在艺术创作中文字的作用是非常重要的，是视觉传达中重要的一个元素。

三、平面设计与绘画艺术视觉构成的形式美

（一）虚形与实形的权衡

笪重光是著名清代初期画家，他在《画签》中曾指出：“实景清而空景现。虚实相生，无画处皆成妙境”，这句话中阐述了绘画中应用的构成方式为“计白当黑”，其中画中的“实景”也就是所说的“黑形”“正形”，“空景”也就是“白形”“负形”，这一要素是画面分割中以及形态美产生中不可缺少的一部分，在构成中发挥着重要的作用。判断一幅作品是否成功与优秀，与负空间或留白处是紧密相关的，在运用中是非常巧妙的，但是这也是实际情况中容易被忽视的问题。具体而言，在一幅优秀的艺术作品中，要对每一个正负空间布局进行把控，就像在太极八卦中阴阳相生、相辅相成，形成平衡而协调的格局。对于白形艺术家，如果具有较强的处理与把控能力，在一定程度上可以认为其具有较强的画面处理能力，所创作的艺术作品具有较高的品质[4]。

画面中“留白”部分的存在，不仅让画面從整体上更加协调，更加完善，同时这也是赋予观者想象的空间，从而进行思考与探究。庄子曾表达过“唯道集虚”“虚室生白”的言论，李泽厚先生认为这一哲学言论是美学的体现，是对中国于艺术意境的呈现。靳埭强设计师在进行设计创作的过程中对传统元素以及中国画元素的运用是非常普遍且擅长的，在画面中有大面积的“留白”，赋予观者自行想象的空间，引导观者进行无限的思考与回味，从而加深对画面的理解与记忆。

（二）数理与数比的设计

自十九世纪以来，西方绘画观念在不断地优化与完善，基于关系产生数，从而形成了美，在这个过程中几何形式以及数比具有独特的审美地位。基于人左右脑不平衡的理论，毕达哥拉斯提出了“黄金比”的理念，也就是0.618这一比例是最为完美的视觉比例，这一理念逐渐被世界所认可，成为全球通用规律，基于这一数比规则所构成的形式也被认为是“完美”的、“协调”的[5]。

古希腊数学家欧道克斯在公元前四世纪对这一问题进行了系统性的研究，基于这一比例理论构建了表达式，也就是我们现在所熟知的“斐波那契数列”，其中第二位起相邻的两个数比为计算黄金比的最简单方式。达·芬奇则是提出了“黄金分割”这一理论。康定斯基也曾表明“数是各类艺术最终的抽象表现”，这一说法对艺术形式中的“数”进行了肯定，这既是基础也是目标。蒙德里安在构建抽象画面的过程中普遍是对点、线、面的简单应用，基于数理化规律通过黄色、蓝色以及黄色色块的运用，让画面以有序、和谐、简洁的形式充分呈现出来。在近现代工业设计中、服装设计中以及建筑设计中，冷抽象构成具有重要影响。在我国古代绘画作品中，同样也对数理空间进行体现，如八大山人的《梅枝》，从整体上看只是简单的两条梅枝，就是在这两条梅枝的作用下，将画面分为几个不同的数理空间，基于此让观者进行想象与思考，赋予了画面空间艺术美感。在当前阶段，很多视觉艺术上应用的构图规律都是基于黄金分割而来的，如常见的“井”字构图结构以及九宫格构图等，这种方式能够以简单的形式将视觉美感及艺术效果充分地呈现出来。

“三节”这种说法在我国传统文化中是较为常见的，关于“三”在汉字中有多种表现形式，诸如“众”“淼”“森”等都是由三个相同的字构成的，还有“三阳开泰”“三人必有我师”等词句。古人在绘画的过程中，逐渐发现兰草的形式美规律，也就是一组兰草是由三部分组成的，分别是主叶、破叶以及辅叶。同时，关于“兰”的书写，宋代书法家赵孟坚曾指出要基于“一笔长、二笔短、三笔破凤眼”的规律来完成。在这一书写规律与画兰草中的规律具有一定的联系，在“主叶”与“辅叶”中是相同的笔势，而在“破叶”中则是与之相反的，基于此构成的兰草是疏密适宜、主次分明的。老子在《道德经》中经由“道生一，一生二，二生三，三生万物”对宇宙生成论进行阐述，在兰草的绘画中这一理论同样也适用，让复杂的画面有序可循，产生错落有致的视觉效果。在兰草的绘画中，每一根兰草都能将画面进行分割，最终形成大小不一的多个空间形态，具有较强的空间美感以及艺术效果，在平面设计中也具有较强的实用价值，对画面元素的大小关系、色彩关系以及疏密关系等进行协调与处理[6]。

（三）开与合的经营

从本质上出发，“开合说”与“起承转合”关系以及“捭阖学”是大体相同的。在中国艺术中“起承转合”结构是独具特色的，在戏曲艺术中、绘画艺术中以及书法艺术中都是非常常见的，起、承、转、合四者之间是相互联系，相互承接的，起与合二者相呼应，承与转二者相联系，其间具有辩证统一的关系。在构图中能够将这种关系充分呈现出来，在画面中开合则是对立统一的体现，在空间中能够构建矛盾关系，形成显著的视觉冲击，对画面的气势与张力进行强化。

在构图中开与合的经营是非常重要的。构图并不是简单地对相关形象与元素进行绘画，还要将画面的意境、主题、情感等包含其中，在具有“形”的基础上，将画面的情感色彩、心理感受等充分呈现出来，只有这样才能够创作出成功的绘画艺术作品。构图形式是复杂多样的，有字母形态、几何形态、形势线、汉字结构等，不管是通过对哪种构图方式的应用，其根本目的就是将作品以更好的形态呈现出来。通常情况下，创作者是对这些构图方式的组合运用，使用其中的几种进行画面的创作。

（四）气与势的构建

在艺术创作中，不仅要保证空间上的协调，还要将“气”这一重要元素考虑在其中，这是对心境、气韵的体现。在画面中通过“起、承、转、合”将“气”与“势”呈现出来。从起源角度出发，最初是在文学领域中有“气”的概念，随着不断发展“气”被引入绘画领域中。从实际出发，“气”就是心灵感受的表现，这也是对优秀作品评价的一种方式。通过连绵起伏、断断续续的笔触，引导观者情绪上的变化，心理上的波动，从而形成相应的韵律与节奏。在中国古园林中，在有限的空间范围内，通过蜿蜒曲折的笔触构建处处景的格局，让观者对园林深处的景观产生遐想，从而使延续不断、多姿多彩的艺术效果充分呈现出来。在山水画中对于气韵的连贯则更加注重，山脉连绵不断，流水缠绕其中，形成山水相依相伴的画面，将气韵绵长之势呈现在观者眼中。

从广义出发，可以将“气”延伸为气势、气场、气韵、气脉等，这些内容虽然各不相同，但又是相互联系的，在画面中通过“气”的运用能够将内涵与价值充分呈现出来。“气”在一幅作品中并不是外在的表象，而是内在的体现，要通过其他形式将其表露出来。而“势”就是“气”的外在表现形式，是画面中形态指向性与形象运动感的体现。在形式美上，中国画对“势”是较为重视的，必须基于气场规律进行画面的布势，其中势顺则逆、势密则疏，这是在对立统一原则上实现的。在画面中“势”对“形”具有引导作用，基于指向性与运动感的特点，实现气韵生动的目的。其中“势”的指向性可以通过实线或者虚线进行体现，从而进行主体的凸显以及空间的拓展，为观者营造想象的空间，获得独特的视觉效果及审美体验。

四、结束语

无论是在平面设计中还是在绘画艺术中，其根本目标是相同的，将创作者的想法与理念转换为视觉信息，让观者进行直观的感受，加强对艺术作品的理解，形成情感上的共鸣。在形式美法则上设计与绘画在多个方面具有相似之处，同时也具有一定的差异性，在虚形与实形的权衡方面、数理与数比的设计方面、开与合的经营方面以及气与势的构建方面可以相互融合、相互借鉴，从而创作出更加优秀的作品。

参考文献：

[1]韩佩杉.平面设计与绘画艺术视觉构成研究[J].花炮科技与市场，2020（03）：280-281+307.

[2]郑晓君.平面设计与绘画艺术视觉构成的形式美研究[J].包装工程，2019，40（14）：89-93.

[3]江雪.传统绘画艺术在平面设计中的应用研究[J].天南，2022（05）：39-41.

[4]石雪.“疏可跑马，密不透风”—现代海报设计中的审美意境表现研究[D].鲁迅美术学院，2022.

[5]吴筠.浅析中国画元素在当代平面设计中的应用[J].明日风尚，2021（10）：77-78.

[6]陈锦.浅谈绘画性语言在现代平面设计中的作用[J].西部皮革，2019，41（21）：74.