CCM与音乐剧之比较研究

自20世纪末以来，国际上的音乐剧教育通常被认为是当代商业音乐（CCM）教育。其理由是，大量的当代百老汇音乐剧声音属于“非古典性”特质，而且仅凭古典声乐课程也不足以培养出全能的音乐剧演员。但随着时间推移，越来越感受到，“非古典性”可能是CCM領域中音乐剧流派与其他流派仅有的共同特质。如今，21世纪的前20年已经结束，不同的教学法在国际上应运而生，这些教学法让大家认识到，商业歌手和音乐剧演员训练的重点区别到底是什么。

术语及其起源

Contemporary Commercial Music，首字母缩写CCM，即“当代商业音乐”。该术语最早出现在美国2003年的一篇论文中。2008年，珍妮特·洛夫特里（Jeannette LoVetri）——美国著名声乐教育家——继续围绕这一术语在论文中阐明：“当代商业音乐（CCM）是我们过去称之为非古典音乐的新术语。这是一个通用术语，它涵盖了一切不被视为古典派的风格，包括音乐剧、流行音乐、摇滚乐、福音、R&B、灵魂音乐、嘻哈、说唱、乡村音乐、实验音乐。”

这个术语在国际声乐教育界已经被广泛接受，但在业外还没有流行起来，在中国的声乐与音乐剧教育领域更是知之甚少，故本文更多围绕美国实例。因为以CCM首字母缩写为代名词的关联有很多，因此阻碍了这个术语的广泛传播。例如，最著名的CCM缩写代名词是Cincinnati Conservatory of Music（辛辛那提大学音乐学院）。洛夫特里在她的文章中承认了这一阻碍，她声明：“也许到时候会出现一个更好的术语，但就目前而言，CCM似乎是替代‘非古典（non-classical）这一贬义术语的最好选择。”这一观点得到了美国顶尖级的声乐研究协会，如著名的National Association of Teachers of Singing（NATS全国声乐教师协会）认可。尽管“非古典”这一术语对风格的描述是准确的，但很多时候，在事物名称前加“非”字来称呼，会显得不够尊重和正式。比如，人们不会把女人称为“非男”。因此，即使对首字母缩写词的广泛传播存在障碍，但从教育目的来看，用一个词来描述我们所教的内容而不是我们所不教的内容，这是很有好处的。

“商业”一词的争议

美国有些声乐教育家反对将“商业”一词作为术语的一部分，认为这具有冒犯性。然而，“商业”是该术语的重要组成部分，值得进一步讨论。综其定义可归纳为：① 从事商业活动或以商业为目的的工作；②关注利润；③为大型市场而设。

商业，通常定义为“大规模交换或买卖商品”。但在这篇文章中，商业是指消费者与声乐相关的消费模式。商业这个词并不否认一个人是艺术家，它只是描述了艺术的资金来源。

以美国为例，Opera America（美国歌剧院）数据表明，许多歌剧演出不是由个别观众的需求来维持，而是通过那些相信这种艺术形式并愿意捐款维持这种艺术形式的赞助者来维持的。相比之下，百老汇音乐剧的收入大部分来自票房。尽管百老汇的演出确实有投资者资助，但这些人实际上是在寻求投资回报。

如前所述，商业这个词语并不是用来定义音乐的质量，它只是表示艺术资金的来源。美国古典音乐由捐赠者资助，而音乐剧则由观众资助，因此，我们称之为“商业”。

关注个性化

洛夫特里在文章中明确表示，“每种CCM风格都需要就各自的不同而认真对待”。然而，许多教育者仍只是将所有非古典风格归为“当代商业音乐”一词，并没有深入研究使这些风格具有独特性的不同特征。在刚提出CCM这一术语的最初几年，这么做是可以理解的，因为研究少，也只有少数出版文献。然而时代变了，现在有大量的论文，以及越来越多的研讨会、大师班，我们可以在这类综合体下进行各种风格的学习。只将所有CCM风格集为单一的群体，这样做已经开始阻碍大家提升到一个新的高度。我们在教育商业歌手和音乐剧演员时，必须考虑这两者的差异，以及要理解我们为什么把这两者看作是同一属群的两个独立体。

音乐剧的复杂性

百老汇音乐剧经过约一个半世纪的发展，产生了许多子体裁，如：传统音乐剧、当代音乐剧、流行/摇滚音乐剧、商业艺术家为舞台创作的原创音乐剧。尽管其子体裁没有当代商业音乐那么丰富，但表演者在诠释时，仍然会感受到相互间的显著差异。这些子体裁需要深入研究才能熟练掌握，研究范围不仅限于Legit、Belt、Mix这些声音技术的区别。

传统音乐剧通常包含多种风格。比如《旋转木马》（Carousel）选曲“Soliloquy”，《老实人》（Candide）选曲“Glitter and Be Gay”，《西区故事》（West Side Story）选曲“Tonight”，这些歌曲属于“Legit”类型，要求演唱者融入古典技巧元素，需要各声区之间的无缝转换、清晰的连线、均匀的颤音使用。而像《红男绿女》（Guys and Dolls）等剧目，许多音乐类似于锡盘巷（Tin Pan Alley）时代的风格，这些风格在音乐上受到拉格泰姆（Ragtime）和爵士乐的影响，此类歌曲属于“Belt”类型，要求演唱者采用类似说话的、有节奏性的表达。甚至有些歌曲，如 “If I Loved You”（选自《旋转木马》），要求表演者在同一段音乐中游走于对白、Belt类型演唱、Legit类型演唱。学生想要在传统音乐剧中成功演绎，不仅必须具备功能性的技术，还必须了解如何在同一剧目中展现每种音乐风格的复杂性。

当代音乐剧更多是由故事驱动。尽管在传统音乐剧中，表演很重要，但优美的歌声往往会更重要。而在当代音乐剧中，表演往往被认为比演唱重要，有时导致在选择演员时，更优先考虑“一个会唱歌的好演员”，而不是“会一点表演的好歌手”。与传统音乐剧相比，当代音乐剧需要很多不同的演唱技术，在不少的作品里，演员必须能够在高音区的长乐句保持Belt或者Mix音质。传统音乐剧中belt的最高音通常是小字一组b和小字二组c（偶尔会有小字二组d），而当代音乐剧通常会将Belt音域拓展到小字二组#f 或更高，例如《魔法坏女巫》（Wicked）选曲“Defying Gravity”。

流行/摇滚音乐剧充分利用话筒在舞台上传达亲密感，如《过去五年》（The Last Five Years）选曲“Still Hurting”，《人鬼情未了》（Ghost）选曲“With You”，这类歌曲在没有话筒的年代是无法在舞臺上呈现的。当代流行音乐剧的许多作曲家在创作过程中还开发了唱片的影响力，将音频技术带到了一个新的高度。《耶稣基督万世巨星》（Jesus Christ Superstar）于1970年以概念专辑形式发行，并于一年后在百老汇首演。然而，在过去的几十年里，演员的录音专辑通常是在演出后才被录制的。这种提前发行唱片的行为，对观众寄予现场表演的期望产生了巨大的影响，他们希望在剧场能听到与专辑一致的音乐和声音。《耶稣基督万世巨星》的成功还推动了当代流行音乐在音乐剧中的发展。在这类风格中，剧场艺术的作曲家开始效仿流行音乐的创作风格，并将其与音乐剧的传统和惯例相结合。从20世纪70年代开始，围绕商业艺术家的音乐所创作的一系列作品，比如《美国成名之夜》（The Night that Made America Famous）、《披头士狂热》（Beatlemania）、《不可无礼》（Aint Misbehavin），导致了“点唱机音乐剧”的激增。

还有许多商业艺术家为舞台创作的原创音乐剧，如《承诺，承诺》（Promises， Promises）、《春之觉醒》（Spring Awakening）、《美国白痴》（American Idiot）、《蜘蛛侠：终结黑暗》（Spider-Man： Turn Off the Dark）。点唱机音乐剧和原创流行/摇滚音乐剧都要求表演者超越在学校音乐剧课程接受的常规声乐训练和身体技能开发。这些剧目需要有节奏的歌唱、气泡音（Vocal Fry）、咆哮音（Growls）等一系列其他风格的声音，这些声音技术必须吻合音乐剧讲故事的需要。由于所有的这些差异，当今音乐剧声乐老师需要深入了解音乐剧的历史和风格，包括流行、摇滚、古典，这样才能帮助学生在这个行业取得成功。

扩音与非扩音的演唱

1925年左右话筒诞生，这使得演唱者能够传达比早期录音更亲密、更接近交谈感的声音，因此商业歌者通常将话筒视为发声乐器的延伸。他们很快采用了这项新技术，利用话筒放大声音的每一个细微差别。在话筒使用早期，出现了一种带气声的演唱风格（Crooning），在当时这种风格受到了评论家的严厉抨击，直至今日声乐老师对这种演唱技巧依然存在偏见。

目前所有的音乐剧都被扩音，但百老汇音乐剧历史上并不总是这样。比如《波吉和贝丝》（Porgy and Bess）、《演艺船》（Show Boat）、《俄克拉荷马》（Oklahoma）、《旋转木马》（Carousel）等剧目都具有歌剧特质，要求演唱者的声音穿出管弦乐队被听到。在锡盘巷时代风格的作品中，演唱要接近说话，需要像喇叭般明亮的音色，这样声音才能传到观众席的最后排。

1939年左右，百老汇舞台偶尔开始使用落地话筒；到20世纪60年代无线话筒开始使用；直到1968年的《毛发》（Hair），人们才有意使用话筒来营造摇滚音乐会的氛围；1981年，《猫》（Cats）是第一部所有演员都佩戴无线话筒的音乐剧。

总之，从1866年到20世纪60年代末，大约100年的时间，音乐剧的创作是为在了没有扩音的情况下表演的，而1981年以来的作品创作都是以扩音为目的的。1968-1981年音乐剧行业处于转型期，这期间属于一个空洞。然而就目前使用的CCM术语而言，自《黑魔鬼》（The Black Crook，1866年）以来，所有音乐剧都应当属于“当代商业音乐”这一总称。

如果把综上所述都考虑在内，那么我们在比较传统音乐剧、当代音乐剧、商业音乐、古典音乐时真正要讨论的是扩音和非扩音演唱之间的区别。美国著名声学家英戈·蒂茨（Ingo Titze）曾建议，就声学和声音功能训练方面，也许我们最好将演唱风格归类为扩音与非扩音，而不是古典与CCM。这一论点值得将来继续讨论。

电媒中的商业类型与音乐剧中的商业类型

尽管音乐剧越来越多地融合了商业风格，但它们的表演仍然具有独特的戏剧性。《汉密尔顿》（Hamilton）将说唱文化通过音乐剧引入主流，国内熟悉的《春之觉醒》（Spring Awakening）、《女招待》（Waitress）等作品都是由著名的商业艺术家创作，但最终呈现更像是“音乐剧”，而不像流行歌曲排行榜的打榜作品。

因为流行/摇滚音乐剧中的演员除了演唱，还必须表演和舞蹈，而且他们中的大多数人有过正规声乐训练，所以演唱中会有传统的音质出现，比如均匀的颤音。虽然有些商业歌者也有这样的特点，但并不像音乐剧舞台上那样常见。以《摇滚年代》（Rock of Ages）为例，把音乐剧演员卡司录音与原创艺术家的录音进行对比，就不难发现这一区别。流行/摇滚音乐剧在过去十年激增，但这些剧目归属于自己的范畴。它们既不是传统音乐剧，也不是主流商业音乐。它们需要一套独特的技能，将CCM和音乐剧的风格、技术元素融合在一起。

技术考虑

在训练音乐剧演员的时候，对声乐老师有什么启示呢？以下论述概括了需要考虑的几个技术类别。

1.音色目标

在讨论CCM风格之间的差异时，会有许多音色目标需要考虑。

音乐剧的音色目标是明确的，比如听原卡司演员录音会发现，《红男绿女》（Guys and Dolls）中阿德莱德（Adelaide）这一角色用鼻音演唱是人物标准，而《悲惨世界》（Les Misérables）的埃潘妮（Eponine）却用结实的Belt演唱。如果演员去面试，用美声技术唱“Adelaides Lament”（选自《红男绿女》），或“On My Own”（选自《悲惨世界》），那么她将无法获得角色。同样，用慵懒的气泡音演唱《西区故事》（West Side Story）中“玛丽亚”这首歌，也是剧组不想听到的，因为这首歌需要在音色里运用优美的连贯音乐线条和颤音。

在流行/摇滚音乐剧中，有时需要启用模仿能力很强的歌手，这在演出传记式的点唱机音乐剧时非常必要。比如，中国原创音乐剧《爱上邓丽君》、百老汇音乐剧《美丽》（Beautiful）与《泽西男孩》（Jersey Boys），所有这些音乐剧都需要演员有模仿原版艺术家音质的能力。做到这点，常常需要用功能性训练方式对某些发声通道进行特定的塑形。

相比之下，商业歌手很少想要模仿别人。作为这类歌手的声乐老师必须关注歌手们的品位和愿望，必须为他们找到保护声音健康的功能途径，同时还要保持歌手的独特音色。创新、不寻常的声音往往是商业歌手成功的敲门砖，音色目标是不受限的。

2.讲故事

尽管音乐剧演员和商业歌手都从事讲故事的工作，但他们的手段有着巨大差异。在教授商业歌手时，老师可以将词曲与创作者的生活相联系来启发学生。因为在某种程度上，很多独唱艺人都是歌曲创作过程的一部分，他们要么直接演唱自己的生活经历，要么将歌曲与自己的个人经历联系起来。

音乐剧演员很少参与创作过程，大多数情况下，演员通过所扮演角色的眼睛来观看这部作品，从该视角出发并利用特定表演技术（比如斯坦尼斯拉夫斯基Stanislavsky），传达人物内心旅程，将观众带入规定情境。

声乐老师在教授不同群体时必须理解这些差异，以确保声乐方面的要求达到表演方面的补充，开发不同群体所需的声音技术，而不是抑制演唱者想要打通演唱与表演之间的能力。

3.演出需求

不同演出需求也会影响如何教授CCM歌手和音乐剧演员。持续驻场演出、歌手巡演、录音棚演唱、白天工作晚上演出等，这些都会面临不同的挑战。

商业歌手需要学习如何使用音响设备，如何在商演中节约嗓音，如何在全国巡演时保持声音健康。音乐剧演员除了要做这些，还必须学会如何在连续不断地演唱传统、当代、流行/摇滚音乐剧，而不会有角色的疲惫，必须学习如何在跳舞时还能保持良好的演唱技巧，这都是不小的挑战。

尽管商业歌手和音乐剧演员的表演都属于CCM风格，但老师必须帮助不同表演者制定不同手段，因为克服特定挑战所需的技能是独一无二的。

最后的思考

接受CCM（当代商业音乐）一词是朝着打破非古典演唱方式之间的隔阂所迈出的重要一步，这种隔阂已经存在了几十年。然而随着尘埃的继

续沉淀，在不断扩大的 CCM 和音乐剧领域中，复杂性不断增加，越来越清楚的是，我们不能认为CCM风格只需要一种单一的技巧。正如上述讨论，要理解和熟练解决各个CCM类型的所有错综复杂的问题，我们还有很多工作要做。

虽然“当代商业音乐”一词对行业的发展至关重要，但我们必须考虑到，它是作为一个总称性的术语而产生的。想要打通CCM内部不同种风格间的演唱界线，并且相互借鉴融合，必须搞明白各自的特性。现在是时候把注意力转向阐明CCM风格之间的内部差异，而不是纠缠于外部差异（古典与CCM）。如果我们这样做，可以对未来几代歌手产生更大的影响。

【浙江艺术职业学院2022年度科研课题成果项目编号：YB202202002】

（作者简介：章小敏，中国首位音乐剧“文华大奖、文华表演奖”获得者，浙江艺术职业学院音乐剧专业学科带头人，原中国歌剧舞剧院演员。先后毕业于中国音乐学院、上海音乐学院、美国Carthage College，音乐剧声乐和音乐剧教学法双硕士。致力于实践与理论相结合的音乐剧教学理念，引进Estill体系的声音功能性训练，在传统声乐教育里融入生理、解剖、声学等科学手段，以拓展声音的灵活性和音色的丰富性，适用于不同人物和风格，增强音乐剧演员所需的讲故事能力。

兩次受邀参加美国MUSICAL THEATRE EDUCATIONS ALLIANCE国际性音乐剧声乐教育者大会，2020年，在大会上就“音乐剧在中国的教育”做专题发言。英语文章Musical Theatre in China： Considerations and Strategies for Teaching in a Global Context于2021年1月在美国MTEA Journal发表。）