关于节奏意识对演唱影响的探究

◎邢延青

节奏是音乐的灵魂，也是演唱的关键所在。演唱之所以难，首先难在认知上。演唱技巧只是身体的肌理协调运动，并不是歌唱的主要问题，学唱的人更多的是不了解演唱的心理。许多唱歌的人想追求“余音绕梁，三日不绝”的感觉，于是感觉成了最重要的东西，却忘了节奏才是最根本的。演唱的节奏源自生活，连带着呼吸和力量的转化，是需要用心体察、感悟的。只有培养起正确的演唱节奏意识，才能引导正确的演唱行为，并赋予演唱以生命力，从而将作品的意韵真正演绎表达出来。

一、关于演唱节奏的再认识

节奏不仅存在于音乐中，舞蹈中有节奏，书法绘画里有节奏，体育运动中有节奏，我们的生活工作中也有节奏，节奏是一个有虚有实，既抽象又具体的概念。通俗地说，节奏就是变化，长短的变化、顺序的变化、时间的变化、快慢的变化、高低的变化、强弱的变化。

（一）节奏与呼吸。初学演唱的人通常会认为，呼吸是演唱的基础，是习而后得的技能，然而却忽略了呼吸本身就存在于我们的生命中。众所周知，唱歌是有感而发，即感性的成分居多，是初级阶段；而演唱作为专门的技能，是声乐学科的高级阶段，是建立在声乐基本技能和技巧训练基础之上的，演唱相比于唱歌，更侧重于生理、心理、技巧与表演的综合性。初学演唱的人会将这两种不同的阶段混为一谈，认为呼吸是歌唱的基础，因此经常出现为了演唱的呼吸而呼吸的现象，这样势必会忽略呼吸应有的自然属性。演唱时，声有高低之分，情有轻重缓急，力有大小之别，这一切都与呼吸的快慢相伴随，归结到一点就是节奏。初学演唱的人有时会过分强调呼吸的演唱功能，造成对呼吸的过分注意，于是“假装呼吸”。唱得好，是演唱者在情感的起伏、节奏的快慢中让呼吸结合了自然属性，驾轻就熟而变得有规律可循。实际上，没有什么演唱的呼吸，呼吸本来就是来自生命和生活，这是常识。

（二）节奏与时间。小到一日三餐，大到为人做事，都离不开一个“打理”。所谓打理，其实就是统筹，它贯穿在我们所做之事的先后顺序、难易程度、合理安排时间的规划中，而这一切都离不开对时间的管理，对结果的规划，对节奏的掌握。统筹能力实际上与数学领域统计知识紧密相关，学习演唱的人大多没有注意到，演唱从音符到节奏都事关数学，计算很重要。例如，对于一首歌曲，演唱者首先要看作品的体量，然后要看作品的调性节奏，叙事在哪，抒情在哪，高潮在哪，最高音在哪，作者名谁，哪个时代，甚至是起承转合的安排，等等，这些都与时间的安排和统筹有关，演唱者水平和能力的发挥更是与单位时间内音的高低、节奏的快慢密不可分。实际上，风格的不同就表现在演唱者的不同而已。当然，由于生理条件的限制，作为演唱者，也不是所有风格的作品都能胜任，这是觉识。

（三）节奏与情绪。“人有悲欢离合，月有阴晴圆缺。”人的感受会随着情绪的变化而变化，有高潮，有低谷，有欢乐，有悲伤。这也就是为什么有的人演唱能引起共鸣，有的人只停留在自然歌唱的阶段，根本原因在于对生活理解的不同，导致对节奏的控制不同。演唱的节奏也包含在作品里，它记录的是曲作者的情怀，回答的是为什么唱，唱给谁听的问题。声音通过节奏的变化，会变得更加感性，有韵致，更加具有幻化的效果，能使创作者、演唱者、听众同频共振，实现沟通，让演唱穿越时间、空间，产生艺术幻化的效果。一首歌、一部歌剧的不同，总是会表现在情绪变化的强弱和变化的复杂程度上。作品风格、题材的变化，除了语言，还通过演唱声音的大小、强弱和音色的变化，实现将听众从一种情绪状态转化为另一种情绪状态。节奏的运用能让思绪有顺序、有层次、有规律地连接，形成情节、场景和故事内容跌宕起伏的戏剧效果。总之，只有明确节奏意识，熟练运用多种情绪的转换，才能实现最佳的演唱效果，构成完美的视听意象。

（四）节奏与文化。文化是人与自然、人与生产生活相互作用而产生的存在于特定群体之间的共同意识，即精神财富。例如人们工作目标的选择，工作方式的决定，创新与守旧的行为等，都深受文化规则的影响。演唱作为艺术文化，衡量的标准既潜又显：潜表现在文化中，包括行为、习惯、制度；显则体现在节奏的统一性上。演唱作品的歌词里有文字，演唱歌词需要的是语言，语言是节奏的载体，更是民族文化的标识。有灵魂的歌唱就是通过节奏将潜和显、风格与文化特性相缝合，不断接受民族话语的影响，感受处于隐约、模糊状态，但却富有创新意义或普遍存在的精神高度。时有古今、地有南北、字有更革、音有转移。近年来，随着世界文化的深入交流，中国传统文化在世界各国人民的心中占据了一定的位置，特别是原生态演唱更显露出勃勃生机，它特有的民族文化和审美境界都引起了世界各国音乐创作者的关注。以演唱为主的原始音律形态，随着生产力的进步，音乐活动规模的扩大，促使人们的数理思维和审美需要不断提高，这一切都使演唱艺术专业化形成了一种必然趋势。特别是随着社会的发展和人类的进步，民歌不再停留在附和整齐的劳动节奏，使人们的步调一致上，而是越来越融入精神和情感世界，并越来越广泛、深刻地影响着人们对音乐文化的创造。

二、节奏意识对演唱的影响

演唱最能反映被压抑的自我意识和欲望。自我意识混杂在由人类的文化精神所形成的载体中，或爱慕，或失落，或昂扬，或洒脱，都会夹杂着个人经验在演唱中突显出来。而流行歌曲之所以受欢迎，是因为它能表达人们对生活的渴望、憧憬、希冀，表达出或焦虑、或失望、或悲伤的情绪。演唱之所以高级就是体现在既简单又复杂的变化中：简单在于直抒胸臆，复杂在于节奏将身体的协调、情绪的起伏、时光的淘洗幻化成歌。

在作品的文本里，节奏有逻辑节奏和自由节奏之分：逻辑节奏是固定的，是死的，是表现作品整体风格的路标。自由节奏却包含在整体节奏和片段节奏的变化中。演唱中的二度创作行为会因人的感受不同而有所不同。当一个作品从文本变成现实音响时，我们通常会在整体上、前奏里保持轻柔、舒缓的节奏，再铺垫变化节奏，在高潮部分把节奏拉到激发情绪需要的速度。片段节奏中的小节奏也需要不断地变化，从而达到用节奏表现作品的目的。这种转换是隐秘的，有生命的，这也是音乐不能被其他艺术形式替代的关键原因。对节奏的掌握不是一朝一夕就能够做到的，演员和作品之间、演员和乐队之间、指挥和演员之间、指挥和乐队之间、乐队和乐队之间、演员和观众之间的合作是有讲究的，讲究在于节奏的契合，这恰恰是了解人、了解作品、了解内心的媒介。

节奏之所以重要，还在于由此产生的影响和导致的结果，错误的节奏有可能引发不良后果。中国传统戏剧里，鼓点击打如果错了位，会导致台上的武生出现失误；而合唱形式之所以经久不衰、历久弥新，追求的也是步调一致、整齐划一的节奏所产生的凝聚力量。演唱者在演唱过程中要加强对节奏的运用，让听众用感官感受到这个节奏，使自己的情感得以最合适的释放。所以，节奏是演唱产生力量的基础，节奏具有感染力与说服力，节奏在音乐美学中的解释其实可以很朴素，很直接，这应该是通识。

三、节奏思维的培养

大量具有强烈表现力的作品，节奏的变化都是不同的，目的是让演唱更具沟通意义，使交流的需求得以实现，也更贴近语言的特性，所以会有音乐语言的属性。比如民歌，作品中的节奏来源于当地的方言和生活节奏，表现得好，演唱得真切，地方特色就愈加浓郁和饱满。当音乐出现，声音的节奏就会凸显出来，节奏运用得当，声音就会更加流畅。比如一个高位置的长音，会将人的情绪代入高潮，最终获得释放潜意识的途径。

（一）正确把握节奏，要用好三种思维，即：整体思维、叙事思维和悬念思维。整体思维，是最重要的环节，是把握整个作品的框架。在我们拿到作品时，要了解作品的体量，用视谱演唱来确定整个作品的呼吸和力量分配。初学者一般使用的是整体思维，从头到尾梳理一遍。但正确的做法是，先确定整体风格，甚至可以先通读乐谱，按照情绪的变化来感受节奏的变化。叙事思维，就是根据曲作者在谱面上的情绪提示，做到作品与演唱风格的一致性，讲好故事。在创作时，曲作者使用文本，而演唱者使用音响，因此，节奏需要通过开端、发展、高潮、结束的音响来对应文本内容，做到起承转合。悬念思维，就是如何引发听众的好奇心。使用呼吸的强弱、长短、快慢，时刻保持音乐逻辑关系的悬念。通过节奏在每一个小结中构建悬念，通过不同的片段，不同的歌词，只透露极少的动机给听众，时刻吊住听众的胃口。可以说，歌唱家都会时刻保持着呼吸力量的悬念。所以，掌握了演唱思维，就掌握了演唱的节奏，也就掌握了演唱的灵魂。

（二）正确把握节奏，要注意在咬字、呼吸和情绪中的隐性节奏。咬字中的节奏，演唱作为人声唱出的带有语音的音乐，确定了这一音乐形式的依存性和独立性，它的依存性在于它要紧密结合语言的特性，以字行腔、字正腔圆地来显示它的独立性。斯坦尼斯拉夫斯基指出，语言就是说话，说话就是动作。有动作就有节奏，这种动作在节奏的控制下才能准确地传达给观众。咬字的动作和习惯，对歌唱与发声有突出的调控作用，主要体现在运用不同语言的民歌演唱当中，对地方语言节奏习惯的把握直接影响演唱的韵味。所以，字好比是形，声好比是影，因为形影不离，故字、声也不能分离。呼吸中的节奏，由歌词而来，歌词是由词组、乐句、乐段组成，字与字、句与句、段与段之间的连接全靠逻辑节奏和自由节奏来组织，又不乏灵活变化来实现作品的表达。声断气不断不仅包含语言的节奏，还有画面的节奏。字里有声，字里还有气，歌词读不好，呼吸就很难把握。实践证明，每一个气口的形成，都在语言节奏的意识里，只有掌握气息节奏，才能使演唱形成高、中、低音区声音的统一。情绪中的节奏，心理的控制能力，就是演唱的能力，它的隐秘性包含着对音准的控制、音量的控制、速度的控制、气息的控制，这些都属于音乐的动作，又属于音乐的智慧。有动作必有节奏，对情感表达的温婉、浓烈、慷慨，都与节奏的快慢相关，节奏慢就深沉，节奏快就轻盈。

（三）正确把握节奏，还需要高度关注生理和心理问题。节奏感是人类长期进行社会实践活动的产物，人的节奏感是建立在生理和心理的基础上的。对于教唱的教师来说，正确的演唱观念、科学的教唱方法、善良的内心应该是不能被忽视的基本条件，而对演唱心理问题的掌握则是解决演唱技巧问题的法宝之一。有的教师虽然唱得很好，但是对如何因材施教、如何解决演唱中的问题却略显不足，原因就在于此。在声乐专业教学中，教师对学生的责任，学生对教师的信任，都要建立在健康情感的基础上，而非跳过心理和生理的和谐，只注重技巧训练。对于学习演唱的人来说，演唱涉及感受性的相关概念，容易产生主观臆想，而忽略阶段性的成长。比如对节奏的认识，不能认为演唱只要把咬字、呼吸、情绪问题搞清楚就可以了，其实有很多看似演唱技能的问题，实际上是没有解决好节奏问题而造成的。同时还要了解个人的生理条件，做出正确的选择，特别要避免出现违背循序渐进的学习规律，以及在效果上要求过高，在作品上求大，在声音上求响等急功近利的现象。

四、结语

“余音绕梁，三日不绝”，是用来形容演唱技艺之精湛、感觉之精妙的悠然境界。然而现在演唱出现的问题是，很多学习演唱的人因为认识不足，而忽略了演唱技艺的阶段性和规律性发展，想直接获得余音缭绕之效果。为了满足这部分人的需要，演唱赋魅已然成风，电声效果、话筒运用等无所不用其极，消解了人们对节奏的重视，对演唱技艺的重视。实际上，演唱是一个终生学习的专业。年轻的时候有嗓音、有体力，技艺不过关可以喊上去；年纪大了就倾向于演唱体量较小、文化意蕴比较突出的作品；等进入老年，对抗声带老化的问题多体现在年轻时演唱方法的科学与否、文化底蕴几何、人生经历是否丰富、精神状态是否良好等方面。艺术家的产生十分不易，还是应该以除魅之力，回归常识世界，这对演唱者来说是重要方法。